UPPER EGYPT SERIES

INTERVIEW - ENTREVISTA PREFUSE 73 / MUSICA, MENTIRAS Y CINTAS AMPHEX

2009-07-01T08:33:00.001-07:00

ENTREVISTA PREFUSE 73
MUSICA, MENTIRAS Y CINTAS AMPHEX
entrevista por Thabeat y Knownot para Serie B
Imágenes cedidas por Prefuse73

El tiempo pasa irremediablemente. La fama desaparece de la noche al día. La bolsa sigue bajando y subiendo. Todo el trabajo acumulado parece inocuo, a veces, si no viene acompañado de titulares. Prefuse73 marcó un antes y un después hace diez años, y desde entonces no ha parado de llover. El rumbó quedó fijado, y el siguió trabajando desde su estudio intentando alejarse del ruido del día a día para zambullirse en la música. Se ha recorrido una distancia muy larga y nada es lo que era. Como resultado su último disco es un viaje psicodélico a través de los innumerables rincones de nuestros sentidos. El trabajo dignifica y Guillermo es un trabajador nato. En los últimos meses firma, junto a Eva Puyuelo y Roberto Carlos Lange, con Stones Throw para dar un salto hacia adelante con Savath & Savalas en el otro lado del Atlántico, donde seguramente le puedan prestar más atención; y, al mismo tiempo presenta un proyecto aún más “indio” junto al reputado batería Zach Hill, “Diamonds Watch Wrists”. Así parece imposible organizarse.

ENTREVISTA PREFUSE 73,
BARCELONA, 5 de marzo del 2009, Hotel 10 Marina.

En nuestra opinión, la portada del australiano Daniel McPharlin contrasta con todo lo que se reduce a un diseño con tipografía barata disponible para descargar. Tal vez sea ese el secreto de una buena ilustración, el jodido ilustrador. Un personaje iluminado que sorprende al tipo inquieto por calle. Hace que crea en lo que está viendo, en su pintura. Son esas ideas en perspectiva fotográfica. Un genio que lo transmite cuidadosamente con sus propios instrumentos. Realizar esta ilustración, ¿cuánto tiempo le llevó? ¿3 meses? ¿1 año?

No sé cuando hizo la obra inicial. ¡¡ Deberíais ver la cubierta del EP es una completa locura!!

Quería sacar el disco en vinilo y había que hacerlo de una forma seria y sincera. Me reuní con él y le conté lo que quería, que estaba dispuesto a pagar el dinero de mi bolsillo y pagar el poster. Quería una cubierta como las de los setenta. De esas que brillaban en la oscuridad. Tenía que ser de esa forma.

La esencia de los verdaderos ilustradores con una vocación de forma permanente. Pinceladas inigualables, como las encontrábamos en Mati Klarwein, Robert Venosa o Frank Stella. La etapa de la pintura psicodélica.

¡Si! ¡Por supuesto! ¡Qué hubiera pasado si le hubiese preguntado al sello hacer la portada! ¿A qué se habría parecido esto si se lo hubiera dado a Warp directamente? Eso es lo que hacen los chicos jóvenes. Se lo dan a Warp para que busquen el artista y se encarguen de todo. Hay que tener cierta integridad en el conjunto. Lo único que ven es la cantidad de visitas en myspace y el número de descargas que tendrán. Yo les pregunto, ¿Vas a hacer algún directo más allá de tu portátil? ¿Vas a hacer algo visual? Joder, no.

Las cubiertas de tus discos anteriores también son ilustraciones…

De Kim Huerta, me gustaba lo que hacía porque lo hace manualmente. Aún más, todo lo que ha salido en mis discos ha sido hecho a mano. La gente con la que trabajo tiene las manos sucias cuando han acabado sus obras. Todos ellos podían ir en una dirección u otra, pero era importante que lo que hicieran formara parte de un proceso y estuviera hecho manualmente para que pudiera representar lo que es y ser un reflejo. Y puede que adquiriesen un estilo totalmente diferente al del disco, pero la intención era emparejarlos. Se trabajó mucho conceptualmente para conseguirlo. Intento Siempre trabajar con gente abierta a las sugerencias externas como yo.

Creciste y empezaste a desarrollarte como artista entre lo ámbitos románticos, sucios y heterogéneos del graffitti y la ilustración. Cuando tienes un proyecto en mente supongo que es necesario que la gente que trabaja contigo intente entender un poco lo que quieres expresar…

Lo que le comenté a Daniel conceptualmente fue que debíamos hacer algo similar a lo que se hacía en los setenta donde se buscaban entre los aspectos detrás de la música para relacionarlos con la cubierta. Le dije, hagamos que parezca que no se sabe en qué momento en el tiempo se encuentra esta persona dentro del entorno que la rodea. Seguramente a él no le debió importar nada de lo que le decía, pero el sentido era mostrar que ese individuo podía encontrarse en el futuro, o en un pasado prehistórico. Que ese individuo era una mujer, y que todo lo que ella toca se transformaba en cinta. Como “Everything She Touched Turned Ampexian”. Igual que hace años donde, a partir del concepto musical, se iba más allá y se creaban trabajos imponentes y no solo un diseño simple con alguna figura geométrica. Incluso el logo parece que sea un poco arcaico. No se lo puse fácil, pero Daniel me siguió y entendió a la perfección. Rehízo la pintura completa en un mes para que cupiera en las medidas de un 12x12. Es lo único que hizo por ordenador.

La esencia de esos discos, ahora comprimidos en dígitos, que se intentan buscar desde el sillón de casa cuando puedes encontrar las mismas gangas entiendas de segunda mano en la esquina de al lado. Maldita tecnología que se atreve a ofrecerte el mp3 de Biches Brew al alcance de la mano por tan solo 2 pavos. Es ver la música con desprecio. Por el amor de dios, por dos pavos mejor te vas a hacer un café o un cigarrillo…

Exacto. Faltan elementos. No se cuales. Desconozco que es lo que dicen los sabios de la tecnología, pero no lo estás escuchando de la misma forma.

La música no es esto, no se lleva en el iPod. ¿Dónde están las estanterías llenas de títulos originales? ¿Dónde fue a parar el diggin’? Entendemos el uso del formato digital como instrumento cómodo, pero se le debe dar su importancia y valor relativos…

Además, hoy en día el CD y el mundo digital pierden un poco de terreno y mercado favoreciendo al vinilo. Muchos grupos de Pop prefieren sacar sus lanzamientos en vinilo ahora como estrategia comercial, y les está funcionando.

En Nueva York todas las tiendas de discos que tuvieron que cerrar y trasladarse a sitios más pequeños las ves ahora con todas las paredes recubiertas de vinilos en lugar de CDs. Toda la información digital basura almacenada en las descargas y los compactos se está volviendo irrelevante porqué puedes quemar miles de cds en poquísimo tiempo y además todos los datos digitales en 30 o 40 años se van a perder. Tienen fecha de caducidad. Lo único que permanecerá será esto, el vinilo o la cinta analógica, con su información físicamente impresa. ¿Y, sabes qué es lo más jodido? Cuando masterizamos el disco lo hicimos analógicamente, como la vieja escuela, y había este tipo, ya un poco mayor, que estaba contentísimo.

Me dijo, ”Sabes? Dejaron de hacer cintas Ampex hace tiempo. ¿ Sabes quién las ha vuelto a utilizar?”. “No.”, le respondí. “La CIA”. Le comenté que por qué y me dijo, “Toda esta información digital se borrará en un periodo de tiempo definido y necesitaban la cinta para no perder registro de todos los secretos inimaginables que mantienen bajo llave”. Incluso unos hijos de puta retorcidos como los de la CIA volvieron a usar la cinta analógica como recurso.

Ahora que la música se ha convertido a las máquinas como los mp3’s y computadoras y se trata a menudo de pulsar tan solo un botón y escuchar, ponemos los ojos hacia la portada de tu disco y no podemos evitar pensar en la estrecha relación que existe entre el diseño de portada y la música. Si parece como si fueras tú solo en medio de la jungla…

Exactamente, quiero decir que… de acuerdo, intento… un momento (se levanta y coge un vinilo de “Everything She Touched Turned Ampexian”, que parece nuevo, de su maleta). Esto es raro tío. Acudí a este tipo y le conté de qué iba todo. El disco está todo grabado en cinta analógica. Así es como se supone que debe ser. Todo lo que ves impreso; los números indexados que ves no significan nada en absoluto, son tan solo lo que la industria quiere para que puedas realizarte una pequeña descarga. Para mí esto no tiene ninguna importancia. No es un plan de marketing. El disco está hecho para ser escuchado de principio a fin como si se tratase de una pieza sola. No debería cortarse en trocitos. Se supone que debería entenderse como una pieza de 40 min.

Como una cinta rota y antigua. Mi amigo Roberto compro un aparato estropeado en eBay y lo arregló. Hice mis beats en el MPC, los saqué fuera del aparato, toqué un poco y grabé en cinta de forma que desapareciese todo el elemento digital. Porqué hoy en día un montón de programas lo hacen todo por ti. Puedes conseguir cualquier programa y tener un beat hecho en 5 min. El concepto era hacer un beat y decidir como todo se entrelazaba, como todos los elementos se transformaban en un bloque entero de 40 min.

Tenía todo ese material y usar la cinta para grabar podía tener ese efecto, y también podía ser usada como efecto para que sonara como cuando se hacía hace años. No es como si yo estuviera diciendo, “que les den a todos los demás que graban en digital”, porque no todo el mundo tiene acceso a una cinta analógica. Simplemente fue la forma que tomé como punto de partida. Al usar cinta pierdes el control sobre muchas cosas. Una vez has grabado en cinta no hay forma de arreglarlo digitalmente. Lo que haces es lo que queda grabado, y con lo que tienes que trabajar. Conjuntas un tapiz cuando tiene sentido, y es entonces cuando tienes que ponerlo todo en la computadora. Tan solo Pro Tools. Ningún programa. En el momento de poner todo lo que suena en tiempo real, como los platos, los loops retroalimentados, echoplex dentro de otros echoplex, lo que hacía era poner una toalla encima de la pantalla de manera que solo pudiera escuchar los altavoces. De esta forma eliminas todo lo que se encuentra delante de la pantalla, todas las pistas adicionales y mierdas por el estilo tan solo están presentes un sentido oral no digital.

¿Lo grabaste de una sola vez o necesitaste más intentos para realizar la toma con la cinta?

A veces. Dependiendo de la calidad que quería alcanzar. Había cosas que quería que sonaran sobresaturadas al máximo. ¿Sabes? Para que no sonara de esa forma digital ñoña que está en el mercado hoy en día. No quería sonar como esa mierda redundante que todo el mundo está haciendo. Quería hacer algo diferente y ese era el punto de partida. Fue algo así como, “OK, a mitad del disco en vez de llevar la intensidad más allá, me dedicaré a bajarla a cero. Voy a tocar tan solo una línea de piano, escribir unas palabras, cantaré y usaré mi voz como textura para explicar lo que estoy haciendo”. Se trata de lo que interpretamos con nuestros oídos en lugar del sinsentido del sonido digital barato y las descargas que está matando la música, sus tiendas físicas y sus clubs. Quiero decir, es el fallecimiento de lo que no debe ser destruido. Y esto no tiene porqué estar pasando. La industria y la gente que toma estas decisiones no tienen ni la más remota idea de lo que están haciendo. Lo están jodiendo para todo el mundo. Este disco se supone que debe ser editado en vinilo. Tienes que obtener el formato físico para entenderlo. Si no lo haces, y tienes un mp3 teórico, entonces es solo música teórica. Es como si no fuera algo real. ¿Qué pasó con aquello de acercarse a la tienda, entrar y mirar a la cubierta de un disco y decir, “Qué coño es esto tan guapo?!”?

Al inicio apareciste en algún recopilatorio como parte del grupo de representantes del hip hop avantgarde junto a algunos artistas pertenecientes a anticon, incluso has colaborado con ellos. ¿Cuál es tu relación con este estilo de música?

Tengo un respeto absoluto por lo que hacen, pero vengo de un sitio totalmente distinto. Eso es algo que me ayudó creativamente. No formaba parte de ningún colectivo en concreto, no tenía otra gente. Llegué desde mi propio lugar sin nadie que me influenciara. Su forma de acercarse a la música era más llamativa, más dura y desde el corazón. Yo me dediqué a sentar mi cabeza hacia la música sin llamar tanto la atención. Al margen de que Dose sea un tipo extraordinario y una gran persona no me gustaba esa forma extravagante de hacer los directos. Nuestro estilo es totalmente diferente e intentamos que la música centre el protagonismo, que suene bien y haga que la gente se involucre.

El hip hop, como cultura, es más una actitud heterogénea que interpreta la realidad, que una forma de estilo musical. No se trata de hacer un disco bueno, sino de marcar tu propia línea de trabajo. Debemos separar las etiquetas de las personas. Y, al mismo tiempo, que quede solo el artista como tal. Madlib es Madlib, Jay Dee es Jay Dee y Prefuse es Prefuse y cada uno tiene su estilo característico. Oímos que en alguna ocasión hablabas de una anécdota que le sucedió a Madlib cuando, para llamarle, un periodista usó su nombre verdadero -Otis – y a este no le sentó nada bien…

Es una forma de intentar separar estrictamente lo que uno hace de lo que es. Y también una forma de separar cada uno de los proyectos. He intentado explicar esto un montón de veces. Muchas veces me preguntan por la conexión que existe entre Savath & Savalas y Prefuse, y tengo que insistir en que no hay conexión alguna en absoluto. ¿Suena la voz de Eva a algo remotamente similar a algo que escuchas en Prefuse? Lo que Eva y yo hacemos en Savath & Savalas nace a partir de escuchar un montón de cosas antiguas que nos inspiran de diferentes lugares y que responden a nuestra música y emociones.

Por alguna razón, y por ignorancia, se reduce todo lo que representa el proyecto a “lo nuevo de Prefuse 73”. No sé cuantas veces tendré que volver a decir que no quiero que Savath & Savalas, y lo que sea que quiera hacer, quede estigmatizado por la figura de Prefuse.

Lo dicho, una actitud…

Si, es simplemente la plataforma que es. Me preguntan a menudo el porqué de los cambios de estilo de mis discos. Y lo que puedo decir es que no voy a repetir “One Word Extinguisher” diez veces. Si se tratara de eso, lo hubiese dejado ya después del tercer disco. Entonces hice el esfuerzo de hacer lo que la industria me pedía para vender la cantidad de discos que se vendieron con “One Word Extinguisher”. Si hubiera vendido entonces otras 150 mil copias y les hubiera hecho felices, lo hubiera dejado. Por otro lado si vendo 15 de este último voy a ser el tipo más feliz que existe. Y si alguien pretende decirme que intento repetir lo que hice en anteriores discos les reto a que vengan a mi estudio y me vean trabajar. Que vean las diferencias que hay entre este trabajo y los anteriores. Este tema en cierto modo me ofende. Puedo encenderme cuando sale porque las dos ideas – Savath & Savalas y Prefuse 73 – están tan distanciadas que se vuelven sagradas. El trabajo con Eva, el intercambio en sí mismo al ser mi padre de Barcelona, y el hecho que yo haya vivido entre Miami, Atlanta y Nueva York, es a un nivel mucho más profundo. Ella me ha enseñado más sobre mi propia cultura que nadie jamás. Nuestro intercambio musical es muy intenso y eso es importante, aunque a nadie le importe e, incluso resulte difícil hablar del proyecto habiéndose originado aquí mismo.

Nota: Cambiamos de tema y hablamos extensamente sobre su nuevo proyecto con Zach Hill…

Es curioso que me preguntes si hay o no hay algo editado o montado porque un amigo me decía lo mismo y no se creía que lo que sonaba no estuviera montado. Te digo, que el tipo lo saca todo de una tirada. Es realmente una pasada. Es un tipo superinteresante. Es un baterista respetadísimo en EEUU. Toca la batería desde los 9 años. Dejó los estudios tan solo llegar al instituto para tocar la batería y desde entonces se ha dedicado tan solo a eso. Debe tener mi edad y no ha parado desde entonces. Ha sido toda una experiencia trabajar con él. Es alucinante lo que es capaz de hacer con la batería. Se ha dedicado toda la vida a tocarla incansablemente - y haciéndola sonar de forma melódica. Tiene un montón de trabajos y proyectos distintos. Hace tantas cosas y está tan sonado musicalmente hablando, va tan allá, que hay cosas con las que no consigo conectar. Hay muchas que si, pero otras que mis oídos son incapaces de procesar. Tan solo le importa tocar. Le da igual que tenga que dormir en una furgoneta o en un hotel de 5 estrellas. En este sentido es muy distinto a mí. Sacó un disco el año pasado por anticon porque en el sello que estaba no le iban a hacer un vinilo y él quería hacer el disco en vinilo. Se puso en contacto conmigo porque quería que yo le produjese. Yo le dije, “quieres que YO te produzca??”. El contestó, “Si”. Me pilló por sorpresa. Al final acabé tocando con él. Me fui metiendo y dije, que les jodan, y las voces que suenan en el disco son mías.

Nota: Después de 4 horas de entrecruzar puntos de vista va llegando el momento de despedirnos y de que la música hable por si sola. A veces cuando el arte se justifica demasiado pierde su valor. No nos gustaría estar cometiendo ese error.

Joder. Vamos a ver. Debe de ser mí entrevista número 75 desde Japón. Y vosotros chicos, lo habéis pillado a la primera desde el principio y lo habéis llevado más allá que ningún otro. Ha sido un verdadero honor pasar la tarde con vosotros.

INTERVIEW PREFUSE73
MUSIC, LIES AND TAPE AMPHEX
interview by Thabeat and Knownot for Serie B
images courtesy by Prefuse73

Time passes irrevocably. The fame of the night away on the day. The stock market continues to fall and rise. All the backlog seems innocuous, sometimes, if it is not accompanied by owners. Prefuse73 marked a before and after ten years ago and since then has not stopped raining. The course was set, and continued working from his studio trying to move away from the noise of every day to dive into the music. It has come a very long distance and nothing is what it was. As a result his latest album is a psychedelic journey through the many corners of our senses. Work dignifies and Guillermo is a born worker. In recent months, signing, along with Eva and Roberto Carlos Lange Puyuelo with Stones Throw to take a leap forward with Savath & Savalas on the other side of the Atlantic, where you can surely pay more attention, and at the same time presents a project even more "Indian" next to the famous battery Zach Hill, "Diamonds Watch Wrists." This seems impossible to organize.

INTERVIEW PREFUSE 73,
BARCELONA, 5 March 2009, Hotel 10 Marina.

In our view, the front page of Australian Daniel McPharlin contrast to everything that comes down to design a cheaper type available for download. Perhaps this is the secret to a good illustration, illustrator fucking. A character who surprises the kind lit by street restless. Makes believe in what you see in his painting. Are these ideas into photographic perspective. A genius who transmits it carefully with their own instruments. Carrying out this picture, how long it took? ¿3 months? ¿1 years?

I do not know when he made the original works. ¡¡You should see the cover of the EP is a complete madness!

I wanted to get the album on vinyl and had to be done in a serious and sincere. I met him and told him what I wanted, which was willing to pay the money in my pocket and pay for the poster. I wanted a cover like those of the seventies. Of those who shone in the dark. Had to be that way.

The essence of the real illustrators with a vocation of permanent. Pinceladas unmatched, as found in Mati Klarwein, Frank Stella and Robert Venosa. The phase of the psychedelic paint.

Yes! Absolutely! What would have happened if he had been asked to seal the cover! What would have been like this if it had given directly to Warp? That is what young boys do. We are looking for a Warp artist and is responsible for everything. Must have some integrity in the set. All they see is the number of hits on myspace and the number of downloads you have. I ask, Are you going to do some live beyond your laptop? Are you going to do something visual? Shit, no.

The covers of your previous albums are also illustrations ...

Kim Huerta, I liked what I did because you do it manually. Moreover, all you have left in my records was done by hand. The people I work with your hands dirty when they have finished their work. They could go in one direction or another, but it was important that we make as part of a process and was done manually to enable it to represent what it is and be reflective. And you can acquire a completely different style to the disc, but the intention was to match. Much work was to get it conceptually. Always try to work with people open to suggestions outside like me.

You grew up and began to develop as an artist between areas romantic, dirty and heterogeneous of graffiti and illustration. When you have a project in mind I guess it's necessary that people who work with you try to understand a little what you want to express ...

What I commented Daniel was conceptually that we should do something similar to what was done in the seventies where they were seeking from the behind the music to relate them to the deck. I said, do not appear to know at what point in time is this person within the environment that surrounds it. Surely he does not should not matter what you say, but the meaning was to show that the individual could be found in the future, or in a prehistoric past. That this individual was a woman and everything she touched became pregnant. Like "Everything She Touched Turned Ampexian. Like years ago, where, from the musical concept, it went further and created impressive works and not just a simple design with a geometric figure. Even the logo appears to be a bit archaic. I do not easy, but I Daniel understood and followed to perfection. Remade paintings completed in a month to fit in a 12x12 measures. It is the only thing done by computer.

The essence of these discs now compressed digits, which is seeking from the couch at home when you can find bargains understand them second hand on the corner next door. Damn technology that dares to bring you the mp3 of Biches Brew at hand for just 2 bucks. You see the music with contempt. For the love of god, for two bucks more you'll make a coffee or a cigarette ...

Accurate. One wants to hear music the same way that it was recorded. Was recorded and this analogy is the way one wants to hear instead of this garbage remastered or mp3 that you provide. Are not even listening to the full spectrum of sound. Missing elements. Which are not. Know what the scientists say the technology, but you're not listening in the same way. Nor are getting the same visual representation, are not holding the vinyl, you're not looking to turn in the plate, or are sitting in front. Do not you listen in the same way that knowing that you have to flip it over.

The music is not so, is not carried on the iPod. Where are the shelves filled with original titles? What was to stop diggin '? We use as a convenient digital format, but must be given their importance and relative value ...

Moreover, today's CD and the digital world lost some ground and market favoring vinyl. Many groups prefer to get their pop releases on vinyl now trading strategy, and they are working.

In New York all the record stores had to close and move to smaller places you see now with all the walls covered with vinyl instead of CDs. All information stored in digital junk downloads and the compact is becoming irrelevant because you can burn thousands of CDs in very little time and all the digital data in 30 or 40 years will be lost. Have an expiration date. All that remains is this, the analog tape or vinyl, printed with your information physically. And, you know what is the most fucked up? When we did the album mastered by analogy, as the old school, and had this kind, a little higher, which was fined.

She said, "You know? Ampex tapes stopped making long ago. Do you know who has returned to use. " "No." I answered. "The CIA." I told her why and she said, "All this information is digital cleared over a period of time and need not to lose the tape recording of all the secrets that remain locked unimaginable. " Even some twisted motherfuckers like the CIA turned to using analog tape as a resource.

Now that music has become like the machines and mp3's computers and is often just push a button and listen, put your eyes toward the front of your disk and can not avoid thinking about the close relationship between home design and music. If it seems as if you were alone in the middle of the jungle ...

Exactly, I agree that ..., I try one time ... (gets up and picks up a vinyl of "Everything She Touched Turned Ampexian" which appears next to his suitcase). This guy is weird. I went to this guy and told him what was going around. The album is all recorded on analog tape. This was supposed to be. Everything you see printed index numbers you see mean nothing at all, are just what the industry wants you to download a small realizarte. To me it makes no difference. It is not a marketing plan. The disc is made to be listened to from beginning to end as if it were a single piece. Should not cut into pieces. It is supposed to be viewed as a piece of 40 min.

As an old and broken tape. My friend Roberto buy a device worn on eBay, and managed. I made beats on my MPC, I took off the apparatus, I played a bit and recorded on tape from which all the digital element. Why now a lot of programs do it all for you. You can get any program and have made a beat in 5 min. The concept was to decide how to beat and everything is intertwined, as all items were transformed into an entire block of 40 min.

I had all this material and use the tape recording could have that effect, and could also be used as an effect to sound like when they did years ago. It's not as if I were saying, "to give them to all other digital recorders," because not everyone has access to an analog tape. It was simply the way that I took as a starting point. When using tape you lose control over many things. Once you've recorded on tape there is no way to fix it digitally. What you do is what is recorded, and you have to work. Joint when you have a tapestry effect, and that's when you put everything on the computer. Only Pro Tools. No program. At the time of putting everything in real time sounds like dishes, feedback loops, echoplex into other echoplex, what did was put a towel over the screen so that only could hear the speakers. In this way, remove everything in front of the screen, all the additional tracks and shit like that just are not an oral digital sense.

You record once or need more attempts to make the tape?

Sometimes. Depending on the quality they wanted to achieve. There were things we wanted to up sounding overworked. You know? Not to sound so digital that Nona is on the market today. I did not want to sound like this redundant crap that everyone is doing. I wanted to do something different and that was the starting point. It was something like, "OK, half of the disc instead of bringing the intensity further, go to down to zero. I'm going to play just one line of piano, write a few words, sing and use my voice as a texture to explain what I'm doing. " This is what we interpret our ears instead of the nonsense and cheap digital audio downloads are killing music, their physical stores and clubs. I mean, death is what must not be destroyed. And this need not be happening. The industry and the people making these decisions do not have the slightest idea what they are doing. They are screwing over the entire world. This disc is supposed to be released on vinyl. You have to learn to understand the physical format. If you do not, and you have an mp3 theoretical, then music is just theoretical. It is as if there were something real. What happened to those close to the store, come and look at the cover of a disc and say, "What the hell is this so cute?"?

At the beginning appear in any record as part of a group of representatives of the avant-hip hop artists along with some from birth, has even collaborated with them. What is your relationship with this style of music?

I have absolute respect for what they do, but I come from an entirely different site. That is something that helped me creatively. No part of any group in particular, had no other people. I got my own place with no one to influence me. His way of approaching the music was most striking, and from the hardest heart. I spent to lay my head to the music without drawing much attention. Regardless of Dose rate is an extraordinary and a great person I did not like that way of making direct extravagant. Our style is totally different music and trying to focus the role that sound good and make the people involved.

Hip hop, as a culture, an attitude is more varied than interprets reality, a form of musical style. This is not a good album, but to make your own line of work. We must separate the labels. And while it is only the artist as such. Madlib is Madlib, Jay Dee Jay Dee and it is Prefuse Prefuse and each has its characteristic style. We hear that on occasion talked about an anecdote that happened to Madlib when to call a journalist used his real name, Otis - and this does not feel well ...

It is a way of trying to strictly separate what one does what it is. And also a way of separating each of the projects. I tried to explain that a lot of times. Many times I asked about the link between the Prefuse and Savath & Savalas, and I must insist that there is any connection at all. Sounds Eva's voice to something remotely similar to something you hear on Prefuse? What do Eva and I Savath & Savalas was born from listening to a lot of old things that inspire us in different places and responding to our music and emotions.

For some reason, and because of ignorance, it reduces everything that represents the
project "of the new Prefuse 73. I do not know how many times I have to say again that I do not want Savath & Savalas, and whatever you want to do, is stigmatized by the figure of Prefuse.

I said, an attitude ...

If it is simply the platform it is. I often wonder why the changes in style of my discs. And I can say is that I will not repeat "One Word Extinguisher" ten times. If it were, it would have already left after the third disc. Then I made the effort to do what the industry asked me to sell the amount of discs that were sold with "One Word Extinguisher." Other then if it had sold 150 thousand copies and would have made them happy, he had left. On the other hand if you sell 15 of the type I will be happier there. And if someone intends to say that trying to repeat what I did on previous discs challenge them to come and see me and my studio work. See the differences between this and previous work. This topic offends me in some way. You can turn on when it comes out because the two ideas - Savath & Savalas and Prefuse 73 - are so alienated that they become holy. Working with Eva, the exchange itself to be my father in Barcelona, and the fact that I've lived among Miami, Atlanta and New York, is a much deeper level. She has taught me more about my own culture than anyone ever. Our music is very intense exchange and that is important, but nobody cares, and even difficult to talk about the project being led here.

Note: change the subject and spoke at length about his new project with Zach Hill ...

Curiously, I wonder whether or not something is mounted or edited because a friend told me the same thing and is not believed that what sounded not mounted. I tell you that it takes all kinds in one go. It is really a pass. It'sa kind superinteresante. It is a well respected drummer in the U.S.. He plays the drums since age 9. He left the studies just to get to school to play the drums and has since devoted just to that. Must be my age and has not stopped since. It has been quite an experience working with him. It's amazing what you can do with the battery. It has dedicated a lifetime to play relentlessly - and making it sound so melodic. It has a lot of work and different projects. Ago and is so many things sounded musically speaking, so there goes that. There are things that can not connect. That if there are many, but other than my ears are unable to process. Only cares about playing. We do not have to sleep in a van or a 5 star hotel. In this sense it is very different to me. He got an album last year for birth control because the seal was not going to make a vinyl and he wanted to make the record on vinyl. He contacted me because he wanted me to produce. I said, "I want you produce?". He replied, "Yes." Caught me by surprise. Ended up playing with him. I was getting and I said, screw them, and voices that sound on the disc are mine.

Note: After 4 hours of cross points of view when you arrive and say that the music speaks for itself. At times when the art loses its value too justified. We would not be committing that mistake.

Shit. Let's see. Must be my interview number 75 from Japan. And you guys, you have caught the first since the beginning and you have carried further than any other. Has been a true honor to spend the afternoon with you.

SUNEKO / Los Nidos del Amor Secreto

2009-06-05T15:21:00.001-07:00

All, Vino y Chaca
Amigo y Crue
Blue, Vino, Flus
Blue, Vino y Sioc
Ione y Wone (DNA´S)
FAT KLAN
Fear y Hue
Fose
Fose
GRS
Hess, Ione, Hase, Oves y Zeke
Owen
Rioga, Evno y Rocky
Snat
Yowin y Keis
Yowin

SUNEKO
LOS NIDOS DEL AMOR SECRETO

Texto por Thabeat - Metro Golden Maker (MGM)
fotos exclusivas de Suneko publicadas sólo para Upper Egypt Series Zine

Nota: (Haz un click sobre la imagen para ver toda la calidad de la foto)

Existe un paralelismo entre el que acude a una cita amorosa prohibida y el que acude a una cita como esta. La emoción previa al encuentro donde se desatará toda la tensión acumulada es tan similar que no hay otro remedio que acabar meditando sobre la pasión que despiertan los lugares prohibidos.

Millares de solitarios se recrean con el desbordamiento doloroso del deseo, la intensidad subversiva de lo imposible, la embriaguez delirante del fetichismo y la excitación ante todo. La ciudad sigue siendo, en buena parte, una jungla bajo la que se esconden enormes riquezas. Los nidos del amor secreto: esos santuarios donde se practica el culto más antiguo del planeta. Ante todo se busca una total discreción. Y para que la privacidad del ser furtivo no se vea alterada por nada ni nadie, lo primero es comprobar que el lugar sea de rápido acceso, y en lo posible de dos vías, para que los que llegan no se den de narices con los que salen. Son las elevadas misiones de algunos enamorados. Tras el febril movimiento, el picnic ha acabado. Chapas. Asaltos. Whole Cars. Whole Trains. Suneko trata de encontrar las justas imágenes para definir un amplio repertorio de posibilidades.

SUNEKO
THE SECRET OF LOVE NITED

words by Thabeat - Metro Golden Maker (MGM)
Suneko published exclusive photos of only for Upper Egypt Series Zine

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There is a parallel between going to a forbidden love quotes and attending an event like this. Emotion after the meeting where all the tension accumulated trigger is so similar that there is no other choice but to end up meditating on the passion aroused places forbidden.

Thousands of lonely recreate the painful overflow of desire, the intensity of the impossible subversive, drunk and delirious excitement of Fetishism first. The city is still, largely, a jungle that hide under the huge wealth. The secret love nests: those sanctuaries where we practice the oldest religion on earth. First of all wanted a total discretion. And for the privacy of being stealthy is not disrupted by anything or anyone, you must first verify that the site is quick access, and possibly two-way, for those who can not come from those with noses leave. Missions are the high number lovers. After the feverish movement, the picnic is over. Sheets. Rounds. Whole Cars. Whole Trains. Suneko tries to find just the images to define a wide range of possibilities.

KOA / Los Tres Escritores

2009-06-05T14:58:00.001-07:00

LOS TRES ESCRITORES
El Desenlace Nunca Publicado

texto y fotos por KOA / METROPOLITAN PRESS
para Upper Egypt Series Zine

Era viernes por la noche y hacía frío como siempre, pero esta vez era más crudo que otras veces. Se respiraba en el ambiente algo diferente, indefinible. Cerré la mochila, introduje hasta el último bote que quedaba, el boceto arrugado y un bocadillo duro completaban el equipaje. Al salir a la calle y sentir el viento helado, me estremecí y varios pensamientos cruzaron mi mente. El deseo irrefrenable de hacerlo y en contrapartida el miedo a ser atrapado, formaban una mágica sensación.

Caminé por la calle apagada y mojada. Pocos coches y poca luz, torcí la esquina y allí estaba. Era un muchacho de estatura mediana, pelo largo y negro, con expresión de desconfianza, abrigado y encogido por el frío. Me esperaba abrazado a su viejo macuto, bajo la luz de una pequeña farola. Al llegar a su altura me esperaban un apretón de manos y su agradable sonrisa. Miramos el reloj y apretamos el paso, para acabar corriendo, en eso Cam mi amigo, era el mejor.
Al llegar a la estación ya no había revisores y una mujer manejaba afanosa la escoba. Bajamos apresuradamente las escaleras y tomamos aquel gris tren, el último. Un largo recorrido nos esperaba. Cam, dormía haciendo uso de su virtud de hacerlo dónde y cuándo le placía. Yo por mi parte me acomodé en el asiento y comencé a pensar. Pensé en lo pobre que era y pensé que algún día necesitaría más de lo que tenía entonces… pero de repente un sórdido ruido me hizo volver a la realidad. El tren llegaba al final del trayecto: la estación del Norte. Las puertas se abrieron y del convoy apenas descendieron seis o siete personas, que se movían vagamente hacia la salida. Me pregunté si algún día yo sería así y creí que estaba mejor ahora. Nos sentamos en el andén y como todos los días esperamos a que José saliese del túnel. Nuestros ojos miraban fijamente hacia la boca oscura sin resultado cuando, de pronto, alguien tocó mi hombro. Era un policía, el último. Era un hombre amable y nos invitó a salir porque cerraban. Cam y yo, tuvimos que salir de la estación, pero una preocupación nos invadía… ¿Dónde estaba José? Él nunca había fallado.

José era el tercer miembro del grupo. Era más pobre que Cam y yo juntos. No tenía casa y vivía en una fría habitación olvidada por los obreros de los túneles. Le llevábamos algo de comida y con lo que él conseguía, iba tirando. Vendía cosas que encontraba por la calle y lograba sacar unos dólares. José nunca fallaba, era muy raro que no hubiese aparecido. No obstante, Cam y yo seguimos adelante, nuestro destino no era muy lejano: el depósito de trenes del norte. Volvimos a la calle y no miramos hacia atrás. Las rejas de la estación subterránea se cerraron. Caminamos juntos un par de kilómetros allí donde la ciudad terminaba. Y allí estaban aquellas moles de hierro, oscuras e impasibles. Ellos, los trenes, nos esperaban ansiosos. Eran nuestros amigos.
Saltamos un pequeño muro y allí estábamos. No había luna y debíamos tener cuidado para no caer. A lo lejos una pequeña luz, era la caseta del vigilante. No saldría a hacer la ronda. Hacía demasiado frío. También para nosotros, mis manos estaban congeladas. Dejamos las mochilas en el suelo embarrado y de la mía saqué un bote enorme de pintura. Cam y yo nos miramos. Estaba sucediendo de nuevo… pintar un tren. Un largo trazo marcaba el contorno.

De repente un sonido extraño, unos pasos que avanzaban sigilosos. Me giré y Cam ya no estaba, así que me abalancé bajo las ruedas del tren. Una silueta siniestra y enjuta se detuvo ante mí y una fuerte luz cegó mis ojos. En un segundo, la magia de sensaciones se transformó en una sola: ¡terror! Me habían cogido. ¿Y Cam? Pensé que no me dejaría atrapar, y en ese momento la luz de la linterna se apagó.

Una siniestra silueta se erguía ante mí, y yo no podía articular palabra. –Estás acojonado, ¿verdad? -dijo el extraño de pronto. Me quede helado, inmóvil.
-Venga levanta soy José.
De repente el estómago me dio un vuelco y suspiré profundamente. Que susto me había dado. Me levanté y le pregunté a José por qué no había acudido a tiempo a la cita.
–Había trabajadores en los túneles y no pude salir contesto.
Nos pusimos en marcha. El objetivo ahora era encontrar a Cam que seguramente seguía por la zona. Era difícil caminar por la oscuridad y decidimos parar. Cinco minutos después Cam pasó por nuestro lado sin darse cuenta, y también se arreó un susto de muerte. Ya estábamos juntos y nada podía pararnos.

Elegimos un convoy y pusimos las latas en el suelo. Cubrimos dos vagones por debajo de las ventanas y nos quedamos a gusto. Era emocionante mirar a tu lado y ver a tus amigos inmersos en el trabajo. No hubo ni el más mínimo problema. Cuando terminamos nos pusimos a dormir en un escondite que conocíamos y cuando se hizo de día, Cam descendió al pie del tren y lo fotografío. Hizo muchas fotos, a él le gustaba eso. Después cada uno se fue a su casa, teníamos hambre y sed. Lo mejor de llegar a casa después de pintar un tren es beberse un buen vaso de leche. Mi madre todavía dormía y entré sin hacer ruido. En mi habitación me dediqué a ordenar toda la ropa que había en el suelo, más que nada para evitar la bronca de mi madre. Eran ya las once y decidí bajar a la calle. Me dirigí al banco donde se reunían los escritores. Era peligroso pero era el único modo de contactar con gente de toda la ciudad. La policía solía tener vigilados los puntos de reunión, por eso tenías que ir con cuidado de no llevar las manos sucias, ni llevar esbozos con tu nombre. Al llegar allí, no había nadie. Era extraño, así que me senté en otro banco y observé. Cada cinco minutos pasaba un tren, pero con poca gente. Era domingo y los domingos por la mañana la gente dormía. Al otro lado del andén había un tipo sospechoso que no me quitaba el ojo de encima. De repente, otro hombre se sentó a mi lado y me dijo:
-¿Qué, a ver las pintaditas de los trenes? Ándate con cuidado porque os tengo a todos fichados ¿De acuerdo? Me levanté y el tipo que había al otro lado también lo hizo. Había oído muchas historias acerca de tíos que propinaban palizas a los escritores para que dejaran de pintar, así que no me quede para comprobar si eran ciertas. Me lancé a la vía, y los dos hombres comenzaron a gritarme y a insultarme. Levante mi dedo desafiante, y comencé a correr por las vías hasta que llegué a la siguiente estación. Estaba abandonada y desde allí llegué a la calle. La verdad, es que cada vez el asunto se estaba poniendo más difícil. Decidí ir a casa de Cam para contárselo. Al llegar allí, había un grupo de gente chunga. Era la banda del Escorpión, gente que te pega sin más, así que decidí volver a casa. Nueva Cork estaba cada día más salvaje pensé.

Al llegar a casa había un montón de gente fuera y un coche de policía. Pensé lo peor.
Actúe con cautela. Podían estar buscándome a mí. Fui por la parte de atrás sin ser visto y me colé en la casa por una ventana. Escuché tras la puerta, y pude ver a mi madre. Hablaba con un hombre de unos cincuenta años alto y corpulento. Enseguida le reconocí. Era McTowell, uno de los sargentos más conocidos de la policía de tránsito. Era famoso entre los escritores por su dureza. Me vi acabado. La policía estaba en mi casa. A escondidas logré subir a mi habitación y apenas metí algo de ropa en mi macuto y, por supuesto, mis latas. Me escurrí como gato por la cornisa. Lo tenía muy claro, tenía que desaparecer. Pasaron por mi mente lugares donde acudir y se me ocurrió ir a la vieja fábrica. Era un lugar donde a veces montábamos fiestas y por ahora sería un lugar seguro.

Cuando llegué, era casi de noche y, la verdad, es que daba un poco de miedo. Subí a la cuarta planta, y allí me encontré con una figura fantasmal que me observaba. Era Sam un vagabundo que vivía allí. Me preguntó que qué hacía allí.

–Voy a pasar la noche si no te molesta -le respondí. Pensé que no debía contarle nada. Creí que sería en vano. Ya era completamente de noche y Sam ya dormía en un pequeño camastro que él mismo se había construido. Eran ya las dos de la madrugada cuando decidí cambiar de escondite.

– Adiós Sam- murmuré. No obtuve respuesta, solo unos ronquidos. Alcancé el descampado iluminado parcialmente por la luna y me dirigí hacía mi segunda casa, la red del metro. Un par de vallas y me introduje por nuestro boquete secreto. Me encontré en el interior de la estación de “Home Ville”. Avancé por las vías y me adentré en el oscuro túnel. En un punto exacto, ya conocido, golpeé unas tablas viejas y unos segundos después se abría una hendidura en el suelo y apareció un rostro sorprendido, José.

-¿Qué haces aquí? -me dijo medio dormido.
-No preguntes y déjame entrar.

Descendimos por una pequeña escalera y ya nos encontrábamos en la habitación de José. Un habitáculo olvidado desde hacía muchos años. A pesar de todo resultaba acogedor. En una de las paredes había unos estantes llenos de botes de pintura, la mayoría vacíos, algunas fotografías y un calendario. Dos sillas, una mesa, un catre y poco más, completaban el cuadro, casi siempre en la penumbra, menos cuando José se dignaba encender la bombilla.

-José, tengo problemas- le conté
-Puedes quedarte un tiempo si quieres - dijo complacido José.
Era justo lo que esperaba que dijera.
-Y además, ahora te diré lo que haremos- me dijo exultante.
-¿A dónde vamos? Le pregunte.
-Calla y sígueme- me contesto.

Trepamos por la escalera y salimos de nuevo al túnel. Caminábamos por unas bifurcaciones y llegamos hasta un pequeño apartadero, donde tan solo había un par de convoys. Llegamos hasta uno de los trenes y José subió a la cabina del conductor y no sé como, puso los transformadores en marcha. Las luces de todo el tren se encendieron y un zumbido que me resultaba familiar invadió el apartadero.

-¿Pero tú te has vuelto loco o que? Van a oírnos.
-Calla de una vez y sube- gritó José-

No sé porqué le hice caso y, por si fuera poco, comenzó a mover el tren. En unos segundos el tren estaba en movimiento. José se había vuelto majareta. El tren avanzaba cada vez más rápido y José reía a carcajadas, descubriendo un lado oculto de su personalidad. ¿No pensaba detener el tren? Este avanzaba cada vez más veloz. Cuando rebasamos la primera estación, ya a gran velocidad, de reojo pude ver un policía saltando y gritando en el andén. Desde luego nos habíamos metido en un buen lío.
-¿Te das cuenta de lo que estás haciendo?- le pregunté enfadado.
-Confía en mí, llevo preparando esto durante semanas - contestó.
Detuvo el tren en un tramo de vía que daba al aire libre en medio de una gran explanada.

-Ahora vamos a pintarlo- soltó.

El asunto empezaba a divertirme, el tío sabía lo que hacía. Sin duda era una pena que Cam no estuviese. En media hora ya habíamos acabado y fue entonces cuando un potente foco nos iluminó desde el cielo. Era un helicóptero de la policía. Comenzamos a correr y, detrás de unos arbustos, José se introdujo por un boquete. Y yo detrás de él. Sin duda lo tenía todo planeado.
-Mañana hablarán de nosotros en la tele ¿Eh? – Reía José. No le contesté. Todavía estaba demasiado alucinado mientras corríamos por las cloacas. Una docena de pasadizos y ya estábamos en la casa de mi amigo. Entre respiraciones entrecortadas, a duras penas reíamos de excitación.
-No veas la que tenías preparada, capullo. Le sonreí.

Unos minutos después estábamos durmiendo. Al despertar, me sentí desorientado. Era mi primera noche fuera del mundo exterior, y no había luz alguna que indicara que el sol hubiese salido, miré mi reloj y este marcaba las siete de la mañana. José continuaba durmiendo. Entonces sonó la contraseña en el techo de la habitación. No podía ser otro que Cam. Subí a abrir y bajamos los dos.

-¿Qué haces aquí? -le pregunté.
-¿Y tú? ¿Oye os habéis enterado? Alguien robo un tren anoche y luego lo pintó. Ha salido en todas las noticias.
-Lo sé, fuimos nosotros- le dije.
A todo esto, José abrió los ojos.
-¿Cómo que vosotros?- preguntó Cam sorprendido.
-Sí, fuimos nosotros. José lo tenía todo planeado y sucedió- le dije.

La cara de Cam cambió y un gesto de disgusto se apoderó de ella. Sin duda a Cam le hubiera gustado estar allí. En el refugio no había televisión, así que nos dispusimos a salir del túnel para ir al bar de la estación. Seguro que veríamos algo.

Esperamos a que acabase de pasar el tren y entonces comenzamos a caminar por las vías, sin correr, pero ágiles porque el siguiente tren no tardaría. Sólo ascender por las escalerillas ya estábamos en el andén de reparación; traspasar una puerta y pasar por el andén general. Siempre vigilando que nadie nos viese salir, claro. Al llegar al bar, este presentaba una imagen cotidiana. Las mesas llenas de gente que se dirigía a su trabajo y se permitía el lujo de parar diez minutos para morder un donut y beberse un café con leche caliente. También algún mecánico del metro, sucio y grasiento. Estos solían, ya de buena mañana, hacerse con un gran bocadillo de tortilla y una cerveza. Contrastaban, en efecto, con la gente que se dirigía a sus oficinas, madalenas vs. chorizo.

Encima de un estante, la televisión. Estaban dando el telediario de la mañana, y mientras esperábamos que saliese nuestra hazaña, nos sentamos en una mesa que quedaba libre. El camarero nos miró y nos preguntó que queríamos tomar. Nos miramos y yo dije:

- Un café con leche, por favor.
- ¿Y vosotros?
- Nosotros beberemos del suyo- dijo Cam, avergonzado.

El camarero, extrañado, se dirigió a la cafetera murmurando entre dientes.
-Mira ahora- gritó José señalando la TV.

Una imagen increíble por TV. Una imagen aérea del tren tomada desde un helicóptero. Un foco potente iluminando unas figuritas humanas que corrían despavoridas. Éramos nosotros. No pude evitar una carcajada de satisfacción.

- José, ¿Has visto eso? -. Pero éste ni siquiera estaba mirando la TV, tenía los ojos clavados en... en una chica.

Durante unos segundos, se miraron mutuamente hasta que José despertó gracias al codazo que le propiné.

- Vámonos, ya hemos visto suficiente les dije -. Salimos del bar y José miró hacia atrás para ver por última vez aquella chica. Ella también le miró, esta vez con tristeza. Creo que José se había enamorado, y lo peor era que se había enamorado de algo que pertenecía al exterior. Cuando llegamos al refugio, José estaba cambiado.

- Debes olvidarla - le dije.
- Nosotros ya no somos como ellos - apuntaló Cam.
NADA SERÍA YA IGUAL.

Un día cualquiera 3.00 AM

Los tres vivíamos desde hacía tiempo bajo tierra, sin importarnos aparentemente lo que sucediera en el exterior… ¿Para que? Mis dos compañeros dormían plácidamente y yo no tenía sueño. La verdad es que me apetecía hacer algo, así que preparé mi mochila y salí del refugio con sigilo, para no despertarles.

Al salir del túnel, noté una corriente de aire frío que acabó de despejarme, así que me puse en marcha caminando por las vías y mirando al suelo con el que horas después soñaría al cerrar los ojos. Listones y piedras, listones y piedras, oscuridad y humedad. A veces me preocupaba que todo esto comenzara a ser normal. No sé, pensaba que tal vez debería llevar una vida convencional, como los demás. Ir al colegio, ir a la playa, tomar el sol. Supongo que a veces me debilitaba pensarlo, pero cuando más sumido estaba en mis reflexiones mi vista alcanzaba los trenes silenciosos y quietos.

Y creedme, ya no pensaba en otra cosa. Silenciosos y quietos. Esa era la descripción de mis trenes. Esa vez toda la cochera estaba en la más completa oscuridad, así que no me fue difícil moverme. Pero, de repente, los fluorescentes del túnel comenzaron a parpadear y en un momento todo estaba encendido, iluminado. El peligro lo podía oler, estaba atrapado, interceptado, muerto… NO, no podía permitirlo. Me moví deprisa. Más deprisa que cualquier empleado o policía del mundo. Atrás, muy atrás quedaron las luces y los ruidos. Llegué hasta un viejo tren arrinconado.

Tras él, piedra viva, rocosa, el final del túnel. Delante la luz, detrás la pared. Subí al viejo convoy y me asomé por una de sus ventanas. Efectivamente, había movimiento y podía escuchar a lo lejos el ruido que algún policía hacía al pasar de vagón en vagón. Tuve una última idea. Los viejos asientos de madera se levantaban, dejando un pequeño compartimiento al descubierto. La única opción, me metí dentro y cerré el asiento. Espera… NO… ¡¡¡Crac!!! El asiento se cerró conmigo dentro…¡¡¡mierda!!! ¡¡Me quedé encerrado bajo el asiento!! Afuera ya no se oía nada. Estaba encajado a oscuras, no podía moverme. Si respirar, ya que había ranuras en el asiento. Hice fuerza hacia arriba. Di fuertes golpes con todo el cuerpo haciéndome daño ¡¡Mierda!! Cómo pudo pasarme esto a mí… Un muerto en las entrañas de un tren muerto, en una vía muerta de un túnel muerto. La única palabra que vino a mi mente…. MUERTE.
[CONTINUARÁ]

THREE WRITERS
The Never Ending Published

words and photos by KOA / METROPOLITAN PRESS
for Upper Egypt Series Zine

It was Friday night and was cold as usual, but this time it was more raw than other times. There's something different in the environment, indefinable. I closed the bag, I introduced until the last boat left, the sketch and a crumpled sandwich completed hard luggage. To go outside and feel the icy wind, I shuddered and several thoughts crossed my mind. The desire to do so and in return the fear of being trapped, forming a magical feeling.

I walked off the street and wet. Few cars and poorly lit, twisted the corner and there it was. He was a boy of medium height, long hair and black, with an expression of distrust, sheltered from the cold and shrunk. I was expecting his old Macuto embraced under the light of a small lamp. When you reach the height I had hoped for a handshake and friendly smile. We watched the clock and be stepped up to finish running, in that my friend Cam, was the best.
Arriving at the station and had not managed authors and a woman tries the broom. Rushed down the stairs and take that train gray, the last. A long journey ahead. Cam, using their sleeping under where and when you do placía. I for my part, I fit into the seat and began to think. I thought it was poor and I thought that one day would take more than what I had ... but then all of a sudden noise made me a sordid back to reality. The train reached the end of the line: North Station. The doors were opened and the convoy just dropped six or seven people who moved vaguely toward the exit. I wondered if I would some day like this and I thought it was better now. We sat on the platform every day and hope to Jose leaving the tunnel. Our eyes looked directly into the mouth with dark result when, suddenly, someone touched my shoulder. He was a policeman, the last. It was a nice man and invited us to leave because they were closing. Cam and I had to leave the station, but a concern we invaded ... Where was Joseph? He had never failed.

Joseph was the third member of the group. Was poorer than Cam and I together. I had no home and lived in a cold room overlooked by workers in the tunnels. He carried some food and what he achieved, he was throwing. Selling things he found on the street and managed to get a few dollars. Joseph never failed, it was very rare that there were not. However, Cam and I move on, our destination was not far off the train depot in the north. We returned to the street and not look back. The gates were closed underground station. We walk together a couple of miles where the city ended. And there were those moles of iron, dark and impassive. They train, we waited anxiously. They were our friends.
Jumped a wall and there were small. There was no moon and we should be careful not to fall. In the distance a small light, was the stand of the vigilante. Would not make the round. Was too cold. Also for us, my hands were frozen. We left our backpacks in the muddy soil and mine took a huge pot of paint. Cam and I look. It was happening again ... painting a train. A long line marking the outline.

Suddenly a strange sound, they advanced a few steps secretive. Cam and I turned and I was not, so I jump under the wheels of the train. A skinny silhouette sinister and stopped before me and a strong light blinded my eyes. In a second, the magic of sensations are transformed into one: terror! I had been caught. What Cam? I thought I did not get leave, and then light the torch was extinguished.

A sinister figure stood before me, and I could not glean. -You acojonado, right? 'said the stranger suddenly. I was ice, motionless.
Come rose-am Joseph.
Suddenly his stomach gave me a roll and sigh deeply. I had that scare. I got up and asked Joe why he had come to no time for the event.
-Had worked in the tunnels and could not leave contesto.
We started running. The aim now was to find Cam certainly still in the area. It was difficult to walk on the dark and we decided to stop. Five minutes after Cam went through our side without realizing it, and also meaning a shock of death. We were together and nothing could stop us.

We chose a convoy and put the cans on the floor. We cover two cars below the windows and we were comfortable. It was exciting to watch next to you and your friends to see ourselves at work. There was not the slightest problem. When we finished we went to sleep on a hide-and we knew when it was day, Cam fell at the foot of the train and photography. He made many pictures, he liked that. After everyone went home, we were hungry and thirsty. The best thing about coming home after painting a train is a good drunk glass of milk. My mother still slept, and went without making noise. I devoted myself in my room to sort all the clothes they had on the floor, more than anything to avoid the anger of my mother. It was already eleven and decided to get off the street. I went to the bank where he met writers. It was dangerous but it was the only way to contact people from all over the city. The police used to have watched the meeting points, so you had to be careful not to dirty their hands, or carry your name with sketches. Upon arriving there, there was nobody. It was strange, so I sat on another bench and watched. Every five minutes a passing train, but with few people. It was Sunday and every Sunday morning people slept. On the other side of the platform had a guy that I suspect the eye away from it. Suddenly, another man sat next to me and told me:
- What, pintaditas to see the trains? Go with care because you have filed all right? I got up and the guy who was also on the other side did. I had heard many stories about guys that the writers gave beatings to stop painting and I did not stay to see if they were true. I set out to the track and the two men began to shout and insult. Challenging lift my finger, and started running through the channels until you reach the next station. Was abandoned and then got to the street. The truth is that every time the matter was being difficult. Decided to go home to tell of Cam. Upon arriving there, there was a group of people Chung. It was the banda of Scorpio, people with no more hits you, so I decided to go home. New York was ever more wild thought.

When we got home there was a lot of people outside a police car. I thought the worst.
Act with caution. They could be looking at me. I went through the back without being seen colleagues and I at home through a window. I heard behind the door, and saw my mother. I was talking to a man about fifty years of high and heavy. I recognized him right away. McTowell was one of the sergeants famous traffic police. It was popular with writers for his toughness. I finished. The police were at my house. A hidden able to upload to my room and just put some clothes on my Macuto, and of course my cans. Escurrí me like a cat on the ledge. What was clear, had to disappear. Went through my mind where to go and I did go to the old mill. It was a place where sometimes Montabes holidays and now would be a safe place.

When I arrived, it was almost night, and the truth is that was a little afraid. I got on the fourth floor, and there I met a ghostly figure that I noted. Sam was a drifter who lived there. I asked what was there.

-I will spend the night if you do not bother, I answered. I thought we should not tell anything. I thought it would be in vain. It was completely night and Sam and I slept in a small bed that he himself had built. It was already two in the morning when I decided to change his hiding place.

- Goodbye Sam whispered. I got no response, just snoring. I reached the clearing partially illuminated by the moon and I came to my second home, the metro network. A pair of fences and I was introduced by our secret hole. I ran inside the station, "Home City". Avancé me on the tracks and into the dark tunnel. In one spot, now known, hit a few old tables and a few seconds later there was a crack in the ground and a face appeared surprised Joseph.

- What are you doing here? I said half asleep.
Do not ask, and let me go.

Down a small staircase and we were in the room of Joseph. A carrier forgotten for many years. Despite everything was cozy. On one wall was a shelf filled with cans of paint, most empty, some photographs and a calendar. Two chairs, a table, a cot and some more, complete the picture, almost always in the shadows, when Joseph was less dignified turn the bulb.

Joseph-I-tell problems
-You can stay a while if you want - said José pleased.
It was just what I expected to read.
And besides, now we will tell you what I said exultant.
- Where are we going? Asked.
-Call-me, follow me contesto.

Climbed the stairs and went back to the tunnel. Walked for a few forks and come to a small-bys, where only a couple of convoys. We reach one of the trains and Joseph went up to the cab and do not know how to put the transformers in place. The lights on the train all lit up and a buzz that I was familiar invaded the sidings.

- But you've gone crazy or what? Will hear us.
Calla-ups once and cried Jose

I do not know why I took the case and, if this were not enough, the train began to move. Within seconds the train was in motion. Joseph had become mad. The train was moving faster and more laughter Jose laughed at, discovering a hidden side of his personality. Do not stop the thought train? This moving ever faster. When exceeded the first season, and at high speed, askance saw a cop jumping and shouting on the platform. Of course we had gotten into a mess.
- Do you realize what you're doing - I asked angrily.
-Trust me, I have been preparing this for weeks - he replied.
Stopped the train on a stretch of road that was open in the middle of a large esplanade.

Now let's paint-off.

The case began to amuse myself, the guy knew what he was doing. Undoubtedly it was a shame that Cam was not. In half an hour we had already finished and it was only when we focus a powerful illuminated from above. He was a police helicopter. And began to run behind some bushes, was introduced by José scuttled. And me behind him. No doubt I had it all planned.
Tomorrow, we talk about on TV Eh? - Joseph laughed. Not him. While still too haunted by the gutter run. A dozen passages and we were in the house of my friend. Interspersed between breaths, hardly laughed excitation.
-Do not see the one you had prepared, asshole. He smiled.

A few minutes later we were sleeping. Upon waking, I felt disoriented. It was my first night away from the world outside, and there was some light to indicate that the sun had left, I looked at my watch and marked the seven o'clock. Joseph continued sleeping. Then rang the password in the ceiling of the room. Could not be other than Cam. I got to open up and down both.

- What are you doing here? he asked.
- What about you? Hey have you heard? Someone stealing a train last night and then painted. Has been reported in all news.
-I know-we are told.
In the meantime, Joseph opened his eyes.
- How do you - Cam asked surprised.
Yes, we are. Jose had it all figured out and I said happened.

Cam's face changed and a gesture of disgust seized it. Cam probably would have liked to be there. In the shelter had no television, so we set out to exit the tunnel go to the bar of the station. Surely something would.

We look forward to emerging from the train and then began to walk along the tracks, without running, but agile as the next train did not take. Just climb the stairs we were on the platform of repair a door and pass through the platform overall. Always taking care that no one saw us go out, of course. When you reach the bar, this presented a picture everyday. Tables full of people heading to work and was allowed the luxury of stopping ten minutes for a bite a donut and drink coffee with hot milk. Also some of the mechanical meters, dirty and greasy. These were as good morning, a sandwich made with tortillas and a beer. Contrasted, in fact, the people who went to their offices, Madalena vs. sausage.

Over a shelf, the television. Were giving the news of the morning, and while we hoped that leave our feat, we sat at a table that was free. The waiter looked at us and asked us we wanted to take. We looked and I said:

- A coffee with milk, please.
- What about you?
- We drink yours, "said Cam, embarrassed.

The bartender, puzzled, went to the coffee muttering between your teeth.
Watch Now-Joseph cried pointing to the TV.

An incredible image on TV. An aerial image taken a train from a helicopter. A powerful source illuminating a human figurines were despavoridas. We were ourselves. I could not help a laugh of satisfaction.

- Joseph, Have you seen this? -. But it was not even watching TV, he was nailed in the eye ... in a girl.

For a few seconds, looked at each other until they woke Jose poke it through the tip.

- Come on, we have already seen enough, I told them -. Joseph left the bar and looked back one last time to see that girl. She also looked, this time with sadness. I believe that Joseph had been in love, and the worst thing was that had fallen in love with something that belonged to the exterior. When we arrived at the hut, Joseph was changed.

- You forget - I told him.
- We are no longer like them - underpinned Cam.
NOTHING WOULD BE LIKE NOW.

One day 3:00 a.m.

All three had long lived under the ground, apparently no matter what happens on the outside ... For what? My two companions were sleeping peacefully and I had no sleep. The truth is that I wanted to do something, so I prepared my bag and left the shelter with stealth, not to awaken them.

When exiting the tunnel, I noticed a stream of cold air finally cleared, so I began walking up the track and watching the ground hours after the dream to turn a blind eye. Ribbons and stones, foot stones, dark and damp. Sometimes I worried that all this began to be normal. I do not know, I thought perhaps I should lead a conventional life, like the others. Go to school, go to the beach to sunbathe. I suppose that sometimes I think it weakened, but when I was more immersed in my thoughts my eye can train and still silent.

And Believe me, no longer thought of something else. Quiet and still. That was the description of my trains. This time the entire garage was in complete darkness, so I was not hard to move. But suddenly, the fluorescent tunnel and began to blink at a time when everything was lit, lit. I could smell the danger, he was caught, intercepted, killed ... no, could not afford. I moved quickly. Faster than any employee or police officer's world. Ago, were far behind the lights and noise. I came to an old train cornered.

Behind him, living rock, rock, the end of the tunnel. The light in front, behind the wall. Convoy got old and I look for one of its windows. Indeed, there were moving and could hear noise in the distance that some police were going from wagon to wagon. I had one last idea. The old wooden seats were built, leaving a small compartment in the open. The only option, I went inside and closed the seat. Wait ... NO ... ¡¡¡Crac! The seat is closed with me inside ... ¡¡¡fuck! ¡¡I was trapped under the seat! Outside is no longer heard anything. Was embedded in the dark, I could not move. If you breathe, as it had slots in the seat. I force it upwards. Di heavy blows to the body making damage ¡Shit! How could this happen to me ... One died in the bowels of a train died in a dead end of a tunnel dead. The only word that came to my mind .... DEATH.
[CONTINUE]

FUTURA 2000 / La Historia Interminable

2009-06-05T11:40:00.000-07:00

FUTURA 2000
La Historia Interminable

Contacto de Futura 2000
por Riconic, Suiza / Zurich
Organizado por Thabeat
Texto de Futura 2000
Fotos cedidas por Futura 2000 para Upper Egypt Series Zine

Empecé a pintar cuando estaba en el instituto. Tenía 15 años, con problemas en casa, problemas de identidad. No sabia si mis padres me habían adoptado o no. Cuando empecé a pintar pensaba que el graffiti me podría dar una nueva identidad. Trabajé mucho en mi tag hasta que me atreví a pintar en la calle. Después de haber leído tanto sobre el writing, vi que tenía que ver mucho con técnica y estilo. Mi nombre, Futura 2000, lo escogí porque me encantó y aun me sigue gustando la película de Stanley Kubrick, 2001, Una Odisea Del Espacio.

Yo vivía en aquella época en la parte Oeste de Nueva York, al lado de la línea 1 del metro, donde solían pintar mucho los chicos de UGA (United Graffiti Artists). En 1973, Hugo Martínez reunió a este grupo cuando yo también solía ir con ellos. Phase 2 era el más famoso.
Otro miembro de ese grupo, que para mí fue muy importante, era Stay High 149; él fue el responsable de que yo empezara a pintar. Su tag era una cosa maravillosa. También pintó “Voice of the Ghetto“, triste y bonito al mismo tiempo.

Al final de ese período, en 1973, me vi envuelto en un desafortunado accidente junto a un pintor que se llamaba Ali. Algo explotó una noche mintras pintábamos un tren. Nunca supimos qué pasó. El se quemó y tuvo que ir a urgencias al hospital. Durante más de diez años fue mi mejor amigo hasta que pasó eso y empezó a tener miedo de quedarse ciego o de perder sus manos. Después de ese accidente mi vida cambió totalmente. Y ahora viene lo sorprendente.
En febrero de 1974 ingresé en el cuerpo de Marines, solo unos meses mas tarde del accidente, y en 1978 me mude a Georgia. Durante el 79 recibí una carta de Ali donde me contaba que estaba organizando un programa en nuestro barrio. Tenía en mente algo como el renacimiento de los Soul Artists, uno de los grupos fundado por nosotros. Me invitó a NY para ayudarle en su programa, el cual contaba con el apoyo del ayuntamiento.

Y bueno, entonces volví a NY. En seis meses ya volvía a andar por el metro de NY, pero esta vez con Zephyr, un chico joven, que también estaba trabajando en el programa. Eso fue a finales de 1979. En aquel momento aún no sabía que mi vida iba a dar un giro de 180 grados.
Unos años después de haber dejado tristemente el metro de NY, me encontraba de nuevo allí. Al principio me veía como un observador que hacia una pintada aquí, una pintada allá, o que miraba si venía un policía, etc. Pero Zeph siempre me decía, “...venga, vamos a pintar”. Empecé a conocer muchos pintores en el Upper West Side, y me quedé muy sorprendido de que yo fuera para ellos una figura histórica. Entonces también empecé a pintar con S.A. (Soul Artists). Pintábamos figuras, señas, etc... para el barrio a parte del programa. El sueldo era malo, pero no me importaba porque así estaba con gente joven y muy interesante. Cuando pienso en aquellos tiempos, tengo que decir que fue uno de los momentos más divertidos e interesantes. Fue entonces también cuando cambió el graffiti para mí.

Un día, en 1980, un hombre que se llamaba Sam Esses habló con Zephyr. Zephyr era en aquellos días el rey de Nueva York. No sólo porque solía pintar muchos trenes, sino porque hacia obras de mucho contenido. Sobretodo en las líneas 1 y 5. Fue más casualidad aún que la hija de Sam Esses conociera a Zephyr del Central Park. Sam nos preguntó si podíamos organizar un grupo de pintores para pintar cuadros que después iban a ser expuestos en una galería. Lo curioso fue que no pretendían venderlos, sino que los querían guardar durante unos diez años para luego venderlos.

Conseguimos reunir a algunos pintores para empezar a trabajar. Gente como Butch, Tracy, Seen, Dondi... eran algunos de los que trabajábamos en el proyecto de Sam Esses. Dispusimos de un taller durante unos dos meses en el Upper East Side, al lado del Spanish Harlem. Realizamos unos 60 lienzos. Fue una época muy intensa e inolvidable. La gente iba y venía, pintaban con la idea de que algún día daría resultado. Gente como el hermano de Rammellzee rapeaba, nos venían a visitar b boys... También nos robaron todas las pinturas un día. Siempre pasaba algo. Pero aún hoy, estoy muy agradecido de que tanta gente trabajara para apoyar ese proyecto.
Entonces, Crash organizó la primera exposición de graffiti en el Fashion Moda. Eso supuso el éxito del graffiti. Keith Haring se juntaba y pasaba el tiempo con nosotros. Fue el momento en que salimos del underground. Fashion Moda, Fun Galerie y Europa. Los primeros que fueron a Europa, a Italia, fueron Lee y Fab Five Freddy. Nuestro viaje empezó en los Países Bajos con Yaki Kornblit.

Uno de los momentos más memorables para mi fue el momento en que leí una crítica sobre mis cuadros. No entendía nada de lo que decía. La crítica la escribió Kandinsky. Que, para ser sincero, no sabía quien era entonces. Hasta que le pedí a un amigo que me lo presentara. Ahí fue cuando empezamos a relacionarnos con artistas famosos que exponían en museos.
Antes de que nos metiéramos en el mundo de las galerías de arte, el graffiti tenía sus propias leyes, teníamos nuestro mundo. Así como en el SoHo hay galerías con mucho prestigio, también había líneas de metro con mucho prestigio para nosotros y, si sabíamos manejarnos ante esa situación, más alto ascendíamos en la jerarquía. Así también funciona en el mundo de las galerías de arte.

Últimamente, estoy metido en el mundo de la ropa. Tengo una marca que se llama Futura Laboratorios. He hecho y hago colaboraciones con Nike, Recon, APE, Supreme, MHI en Londres, Lewi’s, aNYthing, figuras de vinilo... Diseñé una bicicleta para Lance Armstrong porque soy un fanático del ciclismo y también me interesa el Tour de Francia. Pero este año me quiero dedicar otra vez a la pintura y, como siempre, a seguir haciendo cosas nuevas. Bueno, a fin de cuentas puedo decir que he encontrado mi identidad.
Futura 2000.

FUTURA 2000
The Endless Story

Contact Futura 2000
by Riconic, Switzerland / Zurich
Organized by Thabeat
words by Futura 2000
Photos released by Futura 2000 for Upper Egypt Series Zine

I started painting when I was in high school. He was 15 years, with problems at home, problems of identity. I did not know if my parents had taken me or not. When I started to paint graffiti, I thought that might give a new identity. I worked hard on my tag until I dared to paint in the street. Having read so much about writing, I saw that he had much to do with technique and style. My name Futura 2000, it chose me because I still loved and still love the Stanley Kubrick film, 2001, A Space Odyssey.

I lived at that time in western New York, next to metro line 1, where the boys used to paint a lot of UGA (United Graffiti Artists). In 1973, Hugo Martinez met this group when I used to go with them. Phase 2 was the most famous.
Another member of that group, which for me was very important, Stay High 149 era: he was responsible for that I began to paint. His tag was a wonderful thing. He also painted "Voice of the Ghetto," sad and beautiful at the same time.

After this period, in 1973, I was involved in an unfortunate accident with a painter whose name was Ali. Something exploded Mintra painted a night train. Never knew what happened. The burnt and had to go to the emergency hospital. For over ten years was my best friend until that happened and began to be afraid of becoming blind or losing their hands. After that accident changed my life completely. And now comes the surprise.
In February 1974 I joined the Marine Corps, only a few months later the accident, and in 1978 I moved to Georgia. During the 79 received a letter from Ali in which she told me that it was organizing a program in our neighborhood. Had in mind something like the rebirth of the Soul Artists, a group founded by us. He invited me to NY to help him in his program, which had the support of the council.

Well, then came back to NY. At six months and returned to walk through the NY subway, but this time with Zephyr, a young boy, who was also working in the program. That was in late 1979. At that time still did not know that my life was going to give a 180 degree turn.
A few years after leaving the metro NY sadly, I was back there. At first I saw as an observer to a painted here, a pint there, or if you looked was a police. Zeph But I always said, "... come on, let's paint." I started to meet many artists on the Upper West Side, and I was very surprised that I was a historical figure to them. Then I also began to paint with S.A. (Soul Artists). Painted figures, signs, etc ... for the neighborhood to part of the program. The salary was bad, but I did not care because it was with young people and very interesting. When I think of those times, I must say that was one of the most fun and interesting. It was then when I changed the graffiti.
One day in 1980, a man named Sam esses talked with Zephyr. Zephyr was in those days the king of New York. Not only because they used to paint many trains, but it works for lots of content. Especially in lines 1 and 5. Chance that still more was the daughter of Sam knew esses Zephyr's Central Park. Sam asked if we could organize a group of painters to paint pictures that would later be displayed in a gallery. The odd thing was that they wanted to sell but wanted to save that for about ten years and then sell them.

We got together some painters to start working. People like Butch, Tracy, Seen, Dondi ... were some who worked on the draft Sam esses. We had a workshop for about two months on the Upper East Side, near the Spanish Harlem. We made about 60 paintings. It was a very intense and unforgettable time. People came and went, painted with the idea that one day would result. People like Rammellzee rapeaba's brother, came to visit us boys b ... We stole all the paintings a day. Always something happening. But still, I am very grateful that so many people working to support this project.

So Crash organized the first exhibition at the Fashion Moda graffiti. That marked the success of the graffiti. Keith Haring was coupled and spent time with us. It was the moment they leave the underground. Fashion, Fashion, Fun Gallery and Europe. The first went to Europe, to Italy, were Lee and Fab Five Freddy. Our journey began in the Netherlands with Kornblit Yaki.

One of the most memorable moments for me was when I read a critique on my pictures. Did not understand anything she said. Kandinsky wrote the critique. That, to be honest, I did not know who it was then. Until a friend asked me to submit it. That's when we began to interact with famous artists who exhibited in museums.
Before we metiéramos in the world of art galleries, the graffiti had its own laws, we had our world. Just as there is in the SoHo galleries with high prestige, it also had lines very prestigious for us and if we knew to handle this situation, was the highest in the hierarchy. This also works in the world of art galleries.

Lately, I am stuck in the world of clothing. I have a brand that is called Futura Laboratories. And I've done collaborations with Nike, Recon, APE, Supreme, MHI in London, Lewi's, anything, vinyl figures ... I designed a bike for Lance Armstrong because I'm a fan of cycling and I am also interested in the Tour de France. But this year I want to devote to painting again and as always, keep doing new things. Well, ultimately I can say I have found my identity.
Futura 2000

DJ UVE Y DJ THABEAT / Treinta Treinta

2009-06-05T05:31:00.001-07:00

DJ UVE Y DJ THABEAT
Treinta Treinta

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A Thabeat y a UVE les une la pasión por el hip-hop. Por eso siempre han rebuscado entre todo el material editado buscando originalidad y frescura. También independencia de ideas y un imprescindible sentimiento de contracultura. Así que los únicos hits que encontrarás en TREINTA TREINTA son los que se hicieron populares en sus sesiones más personales o en sus walkman. En los suyos y en los de sus colegas. Porque en estos 60 minutos se reflejan tanto los dj's como sus crews y sus procedencias, con UVE representando la escena cántabra y madrileña y Thabeat la catalana. Eso sí, siempre desde el lado izquierdo, lejos del foco del mainstream.

Nota:

Sólo apto para puristas y freaks del género.

DJ UVE Y DJ THABEAT
Treinta Treinta

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Thabeat and UVE feel a real passion for hip-hop. That's why they are always digging for new material with their aim on originality and freshness. Add the needing of independency and some kind of counterculture. Thus the only hits you'll find in TREINTA TREINTA (meaning "Thirty Thirty") are those popular in their more personal sessions and in their walkmans. In theirs and in their friends'. Because this sixty minutes of hip-hop reflect the dj's taste as well as their crews and origins, with UVE representing Cantabria and Madrid, and Thabeat repping from Catalonia. But remember, sitting always on the left side, far away from the mainstream focus.

Note:

This is just for purists and matter freaks.

DJ UVE / Sintes, Vocoders y Cajas de Ritmo

2009-06-05T04:58:00.000-07:00

DJ UVE

SINTES, VOCODERS Y CAJAS DE RITMO

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DJ UVE es nuestro guía. DJ UVE es el escribano que trabaja para alimentar tu buen gusto. DJ UVE es la herramienta que traza a la perfección cada una de las direcciones donde quieres que te lleven. Y con él, te dejas. Y esta sesión es el pack; el vehículo y el camino construido desde cero. Y es una erudita colección de cortes mezclados, embellecidos y editados en un tremendo homenaje al groove sintético. Un trabajo de mucho polvo arqueológico y mucha dedicación, la magia de la intución. El minutaje recorre las últimas tres décadas (1978-2008) de colisión entre el funk y el electro con protagonistas de excepción como el slap bass, los handclaps, los teclados eléctricos, los burbujeos de sintetizador, las voces transformadas y el talento de cientos de artistas condensado en una hora de electro boogie funk.

DJ UVE

SINTES, VOCODERS Y CAJAS DE RITMO (meaning Synths, Vocoders & Beatboxes)

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DJ UVE is our guide. DJ UVE is the clerk who works for you. DJ UVE is the tool that traces to perfection each address where you want to ride. And with it, you leave. And this meeting is the pack, the vehicle and the road was built from scratch. It is a scholarly collection of mixed cuts, embellished and edited in a tremendous tribute to synthetic groove. A dusty archeological work and much dedication, the magic of intución. The minutaje runs the last three decades (1978-2008) collision between the funk and electronica with the exception of players like slap bass, the handclaps, electric keyboards, the bubbling synth, processed voices and talent of hundreds of artists condensate in a time of electro boogie funk.

MILES DAVIS / Miles Smiles

2009-06-05T03:44:00.000-07:00

MILES DAVIS
Miles Smiles

texto por Santiago Tadeo Cervera
Acid Jazz Hispano

MILES

Miles Davis es, junto a Louis Armstrong, la gran figura del jazz, y no me refiero sólo a su popularidad (es conocido incluso por aquellos que nunca han escuchado uno de sus álbumes, es un icono de la música), sino a que ambos lo hicieron avanzar.

Claro que, en el caso de Davis, se puede afirmar que lo revolucionó, hasta tres veces además. De hecho, desde finales de los 40 hasta principios de los 70 (y hay quien lo alargaría hasta dos décadas más), encabezó cada innovación del jazz. Fue el creador del cool jazz, el estilo que mejor se adapta a su manera de tocar la trompeta (al menos más que el bebop), a finales de los 50 introdujo el jazz modal (que se basa, para la improvisación, en escalas y no en acordes) y, finalmente, en 1969, ofreció la primera fusión válida de jazz y rock, iniciando asi el estilo conocido como Fusion.

A partir de entonces, su carrera no fue tan brillante, aunque en los 80 siguió experimentando, influenciando a la escena electrónica y hasta siendo uno de los pioneros en la fusión de jazz y rap. Por eso existe la opinión de que el jazz ha dejado de evolucionar a partir de su muerte (1991), aunque yo creo que eso no es del todo cierto teniendo en cuenta que el nu-jazz, sobre todo a partir de la segunda mitad de los 90, ha iniciado una nueva evolución, gracias a St. Germain, Bugge Wesseltoft y compañía. En cualquier caso, lo que está claro es que escuchar la discografía de Davis es imprescindible para conocer la historia del jazz, es decir, la historia de la música del siglo XX.

Nacido en Alton (Illinois), el 26 de Mayo de 1926, hijo de Dr. Miles Dewey Davis, Jr. y Cleota Mae Davis (profesora de música), se interesó pronto por la música, recibiendo clases de trompeta desde los 12 y tocando en grupos locales de R&B. Tras poder formar parte de la big band de Billy Ekstine, en la que tocaban Dizzy Gillespie y Charlie Parker (los dos representantes del bebop), se mudó a Manhattan para ingresar en el Institute of Musical Art in New York City (el conocido como Julliard), pero asistió poco a clase porque prefirió tocar junto a Charlie Parker, algo que me parece muy sensato: estoy convencido de que se aprende más durante una hora con “Bird” que en varios años de clases, por bueno que sea el profesor. Gracias a esos años junto a maestro, mejoró como intérprete, precisamente porque la velocidad del bebop exigía notables competencias técnicas.

Posteriormente formó un noneto, integrado por, entre otros J.J. Johnson, Lee Konitz, Gerry Mulligan, John Lewis y Max Roach, con el que grabó doce temas para Capitol, con arreglos del gran Gil Evans, unas grabaciones de 1949 que no serían editadas hasta 1957, conformando la obra maestra Birth of the cool. Esas grabaciones, no obstante, fueron enormemente influyentes, dando lugar al estilo conocido como cool jazz.

La primera mitad de los 50 fue una época oscura para Davis, debido a su adicción a la heroina, de la que no se liberó hasta mediados de la década, cuando formó su primer quinteto, formado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones, con el que grabó una serie de discos para el sello Prestige: The new Miles Davis Quintet, Cookin', Steamin', Workin’ y Relaxin'. Tras esta etapa, y tras impresionar con su interpretación de Round about midnight en el Newport Jazz Festival de 1955, consiguió un contraro con la major Columbia (que duraría treinta años), para la que grabó Round about midnight, seguido de una nueva colaboración con el arreglista Gil Evans, en Miles ahead. Sumó al saxofonista Cannonball Adderley, creando un sexteto con el que grabó Milestone (1958 ) y el que habitualmente se considera el mejor, más conocido y más vendido álbum de jazz: Kind of blue. Además, editó otras dos inolvidables colaboraciones con Gil Evans: Porgy and Bess y Sketches of Spain. Entre tanto, en uno de sus viajes, creó la banda sonora para el film Ascenseur pour l'echafaud, de Louis Malle.

Ya en los 60 formó un nuevo quinteto, esta vez con el saxofonista Wayne Shorter, el pianista Herbie Hancock, el batería Tony Williams, y el contrabajista Ron Carter. Con esta formación experimentó con el free jazz e introdujo el jazz modal que ya había desarrollado en Kind of blue. A finales de los 60 comienza a usar instrumentos electrónicos, utilización que culmina en dos álbumes de jazz-rock, Bitches brew e In a silent way, con los que nace la Fusion, y en los que participan Chick Corea, Herbie Hancock, John McLaughlin, Wayne Shorter o Joe Zawinul, entre otros.

En los 70 tiene que interrumpir sus grabaciones y apariciones en directo por un accidente, y no volverá hasta 1980. Acostumbra a actúar de espaldas al público y alternando el piano y la trompeta, mientras que su trabajo de estudio sigue siendo tan experimental, aunque no sea ni tan mainstream ni, sobre todo, tan convincente. Claro que esta última etapa de su carrera (muere en 1991) todavía necesita de la perspectiva temporal para ser apreciada correctamente. Es muy posible que en unos años algunos de sus discos de los 80 adquieran el estatus de obras maestras como lo son sus grabaciones de décadas anteriores.

Eso sí, hasta el final estuvo impulsando el jazz hacia adelante, como siempre, y está por ver quién será el nuevo Miles Davis (si es que hay uno), esa figura que vuelve a revolucionar la música durante décadas.

MILES SMILES

Miles smiles, el segundo disco del nuevo quinteto de Miles Davis, puede escucharse a dos niveles. El primero, el superficial, limitándose a disfrutar con una de las obras más accesibles del trompetista, con la belleza de las melodías, el virtuosismo de los solos, las excelentes composiciones, la elegancia de los acompañamientos rítmicos y melódicos...

No hace falta ser un experto en jazz, ni saber diferenciar el post-bop del cool jazz para que esta maravillosa música nos haga más felices, dialogue con nosotros, nos permita ver la realidad desde otra perspectiva o, simplemente, nos alegre una velada doméstica con amigos y tertulia y juegos de mesa y copas de vino y quizá una hogera en la chimenea y la salida del sol. Tampoco es necesario que uno conozca toda la discografía anterior de Davis para que Miles smiles resulte seductor, entre otras cosas porque antes editó tantos álbumes que lleva mucho tiempo hacerse con todos y dedicarles el tiempo que se merecen.

El segundo nivel, que sólo llega tras varias escuchas al primer nivel (a no ser que uno sea un entendido en la materia y pueda hacerlo la primera vez), exige concentración y una escucha activa. Sólo así puedo uno apreciar el talento de este magnífico quinteto. Es cierto que simplemente viendo los nombres de la formación, uno ya comprende por qué Miles smiles es un gran álbum, pero eso no basta, hace falta compenetración. Pues bien, con atención uno observa el buen entendimiento de un quinteto que nunca sonó tan bien como aquí. Esto es especialmente asombroso teniendo en cuenta que, bajo la apariencia de música accesible, lo que hay realmente es un jazz enormemente innovador, arriesgado, experimental, de continuas sorpresas e inesperados giros. También es este segundo nivel el que permite captar la belleza de los pequeños detalles, como por ejemplo el solo de piano de Herbie Hancock y la posterior respuesta de Miles Davis en Circle.

Nota

El quinto tema, Freedom jazz dance, ha dado nombre a una conocida saga de compilaciones del sello Ishtar.

FICHA TÉCNICA

Miles Davis.
MILES SMILES.
Columbia Records, 1967.
Hard-Bop; Post-Bop; Jazz Modal.

Formación

Miles Davis: trompeta y composición tema 2.
Herbie Hancock: piano.
Tony Williams: batería.
Ron Carter: contrabajo.
Wayne Shorter: saxo tenor y composición de los temas 1, 3 y 4.
Eddie Harris: composición tema 5.
Jimmy Heath: composición tema 6.

MILES DAVIS
Miles Smiles

words by Santiago Tadeo Cervera
Acid Jazz Hispano

MILES

Miles Davis is, along with Louis Armstrong, the great figure of the jazz, and I am not referring only to its popularity (it is known even by those who have never heard one of their albums, is an icon of music), but both they did move.

Clearly, in the case of Davis, we can say that it revolutionized to three times further. In fact, from late 40 to early 70s (and there are those who keep us up to two decades), he led every innovation of jazz. He was the creator of the cool jazz, the style that best suits your way of playing the trumpet (at least more than the bebop), by the end of the 50 introduced modal jazz (based, for improvisation, scales and not on line), and finally in 1969, gave the first valid fusion of jazz and rock, thus initiating the style known as Fusion.

Since then, his career was not as bright, but continued to experience in the 80, influencing the electronic scene and to be one of the pioneers in the fusion of jazz and rap. So there is the view that jazz has constantly evolved since his death (1991), but I think that is not quite true since the nu-jazz, especially from the second half of 90, has started a new trend, thanks to St. Germain, Bugge Wesseltoft and company. In any case, what is clear is that we listen to the Davis discography is essential to know the history of jazz, ie the history of music of the twentieth century.

Born in Alton (Illinois) on May 26, 1926, son of Dr. Miles Dewey Davis Jr. and Cleota Mae Davis (professor of music), soon became interested in music, trumpet lessons and playing since he was 12 groups in local R & B. After be a part of the big band of Billy Ekstine, which played in the Dizzy Gillespie and Charlie Parker (representatives of both bebop), moved to Manhattan to join the Institute of Musical Art in New York City (known as the Julliard ), but recently attended a class because it preferred to play with Charlie Parker, which seems very sensible to me: I am convinced that we will learn more during an hour with "Bird" in several years of classes, for good the teacher. Through the years with teachers, improving as a player, because the speed of bebop require significant technical skills.

Later he formed a nonet, consisting of, among other JJ Johnson, Lee Konitz, Gerry Mulligan, John Lewis and Max Roach, with whom he recorded twelve for Capitol, arranged by the great Gil Evans recordings from 1949 that would not be released until 1957, forming masterpiece Birth of the cool. Those recordings, however, were extremely influential, giving rise to the style known as cool jazz.

The first half of the 50 was a dark time for Davis because of his addiction to heroin, which was not released until mid-decade, when he formed his first quintet, comprised of saxophonist John Coltrane, pianist Red Garland , the bassist Paul Chambers and drummer Philly Joe Jones, with whom he recorded a series of albums for the Prestige label: The New Miles Davis Quintet, Cookin ', Steamin', Workin 'and Relaxin'. After this stage, after impressing with his interpretation of Round about midnight at the Newport Jazz Festival 1955 was a major contraro with Columbia (which would last thirty years), who recorded for Round about midnight, followed by a new partnership with arranger Gil Evans, Miles Ahead. Joined the saxophonist Cannonball Adderley, creating a sextet with which he recorded Milestone (1958) and which is normally considered the best, most well-known and best-selling album in jazz: Kind of blue. In addition, two other edited unforgettable collaborations with Gil Evans: Porgy and Bess and Sketches of Spain. Meanwhile, in one of his trips, he created the soundtrack for the film Ascenseur pour l'echafaud of Louis Malle.

Already in the 60 formed a new quintet, this time with saxophonist Wayne Shorter, pianist Herbie Hancock, drummer Tony Williams and bassist Ron Carter. This training experimented with free jazz and modal jazz that introduced and developed in Kind of Blue. In the late 60s started to use electronic instruments, using two leading jazz-rock album, Bitches Brew and In a Silent Way, which comes with the Fusion, and involving Chick Corea, Herbie Hancock, John McLaughlin , Wayne Shorter and Joe Zawinul, among others.

In the 70 has to interrupt his recordings and live appearances by an accident and not return until 1980. Accustomed to act in public and alternating back to the piano and trumpet, while his studio work is still so experimental, but is neither as mainstream and above all so convincing. Clear that this last stage of his career (he dies in 1991) still needs the time perspective to be appreciated properly. It is very possible that in some years some of his records of the 80 acquired the status of masterpieces such as recordings of previous decades.

However, until the end was driven jazz forward, as always, is to see who will be the new Miles Davis (if there is one), this figure once again revolutionize the music for decades.

MILES SMILES

Miles Smiles, the second disc of the new Miles Davis Quintet, can be heard at two levels. The first, superficial, merely enjoy one of the most accessible of the trumpet, with the beauty of the melodies, the virtuosity of the solos, excellent compositions, the elegance of the melodic and rhythmic accompaniments ...

It does not take an expert in jazz, nor be able to distinguish the post-bop cool jazz of this wonderful music to make us more happy, talk with us, we can see reality from another perspective, or just us a happy domestic evening with friends and chat and gaming tables and glasses of wine and maybe a fireplace in hoger sunrise. Nor is it necessary to know a whole discography up to Miles Davis is seductive smiles, not least because so many albums released before it has long done with all, and devote the time they deserve.

The second level, which comes only after repeated listening to the first level (unless one is fully knowledgeable about the subject and can do the first time), it requires concentration and active listening. Only then can one appreciate the talent of this great quintet. It is true that just seeing the names of the training, and one understands why Miles Smiles is a great album, but that is not enough, we need empathy. Well, one carefully observes the proper understanding of a quintet that never sounded so good as here. This is especially surprising given that, under the guise of music available, so there really is a tremendously innovative jazz, risky, experimental, continually surprises and unexpected twists. It is also the second level which allows to capture the beauty of small details such as the solo pianist Herbie Hancock and the subsequent response of Miles Davis in Circle.

Note

The fifth item, Freedom jazz dance, has been named a well-known saga of Ishtar compilations of the label.

DATASHEET

Miles Davis.
MILES SMILES.
Columbia Records, 1967.
Hard-Bop, Post-Bop, Modal Jazz.

Training

Miles Davis: trumpet theme and composition 2.
Herbie Hancock: piano.
Tony Williams: drums.
Ron Carter: bass.
Wayne Shorter: tenor saxophone and composition of items 1, 3 and 4.
Eddie Harris: composition item 5.
Jimmy Heath: composition item 6.

Tracklist

1. Orbits. 4:39
2. Circle. 5:54
3. Footprints. 9:49
4. Dolores. 6:22
5. Freedom jazz dance. 7:16
6. Gingerbread boy. 7:44

Duration: 41:45

Tracklist

1. Orbits. 4:39
2. Circle. 5:54
3. Footprints. 9:49
4. Dolores. 6:22
5. Freedom jazz dance. 7:16
6. Gingerbread boy. 7:44

Duración total: 41:45

ENLACE FUNK SESIONES / Servicio Gratuito de Oro Negro

2009-06-05T01:22:00.001-07:00

ENLACE FUNK SESIONES
Servicio Gratuito de Oro Negro

texto por David Valera
fotos de Enlace Funk para Upper Egypt Series Zine

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Estalló el verano. La buena música se queda en la calle. Enlace funk pone a tu disposición un servicio gratuito de oro negro, sus delicias. Sesiones presentadas en podcast para la descarga directa. Son sus exquistas sesiones grabadas en directo desde las mejores jardinerías urbanas de este país: la cabina madrileña del Katmandú y la granadina Boogaclub. Realizadas por Miguel A. Sutil, Sr. Lobezno, Iñigo Munster, Miguel Olive, Pedro García, Miguel Losada, Ralph Teem, Matthew Alshall y Graham Martingell. A veces, divertirse es sólo eso, sin que te chupen los duros. Es ley de vida. Hasta los animales lo hacen. Les sale de dentro. De las entrañas.

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Free Service Black gold

words by David Valera
photos by Enlace Funk for Upper Egypt Series Zine

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Out of the summer. The music stays in the street. Link funk offers you a free black gold, its delights. Sessions presented in the podcast for direct download. Are your exquistas sessions recorded live from the best urban garden in this country: the cabin of Madrid Club Katmandú and Granada Boogaclub. By Miguel A. Sutil, Sr. Lobezno, Iñigo Munster, Miguel Olive, Pedro García, Miguel Losada, Ralph Teem, Matthew Alshall and Graham Martingell. Sometimes fun is just that, without you suck hard. It is the law of life. Even animals do. Les comes from within. From the bowels.

TERRASSA JAZZ FESTIVAL / Marzo - Abril 1992

2009-06-04T22:37:00.001-07:00

TERRASSA JAZZ FESTIVAL 11º
MARZO - ABRIL 1992

texto por David Valera
material por Pedro Valera

Este año se conmemora el 50º aniversario del club Nova Jazz Cava, sede del festival, y para celebrarlo el festival contará con las actuaciones destacadas del pianista Ahmad Jamal, el violinista francés Didier Lockwood o el mítico batería norteamericano Jeff ‘Tain’ Watts, entre otros muchos grandes músicos. Además, el programa apuesta por la mezcla de músicos nacionales e internacionales, como en la actuación del próximo jueves del contabajista Dave Holland y el guitarrista de flamenco Pepe Habichuela.

Upper Egypt Series Zine quiere unirse a tal celebración, y rendir su tributo a lo grande, y rescatar esos momentos mágicos que ha ofrecido el festival. Y no hay mejor manera que hacerlo de la mano de nuestro querido Pedro Valera, que nos ofrece la posibilidad de dar luz a un material de primera, único. Inexistente.

El cassette de:
TERRASSA JAZZ FESTIVAL 11º
MARZO - ABRIL 1992

¡11 temas en directo! ¡Y con la aparición estelar de Ahmad Jamal y su temazo "Crossroads"! También aparece Maceo Parker entre otros. Tampoco podemos olvidar el tema "No Pain For Cakes" de John Lurie & The Lounge Lizards. La cara B acojona, verdaderamente emocionante. Y será nuestro Issue 11.

TERRASSA JAZZ FESTIVAL 11º
MARCH - ABRIL 1992

words by David Valera
material by Pedro Valera

This year marks the 50th anniversary of the Nova Jazz Cava Club, site of the festival, and to celebrate the festival highlights will feature performances by the pianist Ahmad Jamal, the French violinist Didier Lockwood and the legendary American drums Jeff 'Tain' Watts, among others many great musicians. In addition, the program supports the mix of national and international musicians, as in the performance of next Thursday's bass Dave Holland and flamenco guitarist Pepe Habichuela.

Upper Egypt Series Zine wishes to pay tribute, and to rescue the magical moments of the festival. And what better way to do it in the hands of Pedro Valera, showing unique.

Cassette:
TERRASSA 11th JAZZ FESTIVAL
MARCH - APRIL 1992

¡11 tracks live! And with the appearance of supa Ahmad Jamal and his "Crossroads"! Also appearing Maceo Parker among others. Nor can we forget the "No Pain For Cakes" by John Lurie & The Lounge Lizards. Side B is really exciting. And Issue 11 will be ours.

IKON / Wall Of Fame Sobre Cuatro Ruedas

2009-06-04T14:43:00.001-07:00

IKON
Wall Of Fame Sobre Cuatro Ruedas

texto por Thabeat
fotos por Ikon para Upper Egypt Series Zine

Nos encontramos delante de un verdadero personaje, en el vecino país, y donde sea. Ikon. Writter, poeta, ilustrador, diseñador, fotógrafo, surfista, cineasta... Extraño donde los haya. Mi primer contacto con él, en el 2006, justo en esos momentos que estaba cerrando la entrevista a Rammellzee.

El autor de la entrevista estaba convencido de que la edición iba a ser un auténtico bombazo. Sale el impreso. Entrando en detalles, diremos que todo empezó cuando Ikon se dirge hacia nostros a raiz de dicha publicación, para contarnos a bordo, otras azañas sobre la filosofía Ikonclasta Futurista del propio Zee. Las escucho sin perder ningún detalle. Eso, porsupuesto, lo sabían muy pocos. Ikon se mueve en los círculos de Giant, Miss Van, Opak, Honet, O´Clock, Jonone, Goze, Psy y demás ilustres parisinos. Conoce todos los secretos y todas las evasiones de esta cultura. He calculado todo para reconocer a leguas quienes son los auténticos writters. La prueva inapelable de que, este tipo, es un documento con patas. Un writter interactivo, de los que pasean el abominable espíritu del bombing tatuado. Gente estupenda. En la última barraca de tiro, allí donde el número de impactos es infinitamente mayor en las paredes.

No importa que vivas perdido, su coche es un Wall Of Fame de cuatro ruedas, y te lleba a todos los sitios. En ese auto han dejado rastro los verdaderos True Burners del graffiti. Desde el propio Blade, Seen, Quik... hasta consagrados productores y DJs de la talla de Tricky, Money Mark, Beastie Boys...

Upper Egypt Series se interesa por Ikon, y este, por lo que hacemos. Las ruedas en el asfalto chirrían a buen jazz, a buen funk, a buen hip-hop, y como no, a buena electrónica. ¡A toda pastilla!

IKON
Wall Of Fame On Four Wheels

words by Thabeat
photos by Ikon to Upper Egypt Series Zine

In front of a real character, in the neighboring country, and wherever. Ikon. Written, poet, illustrator, designer, photographer, surfer, filmmaker ... Strange ever there. My first contact with him, in 2006, just at that time that the interview was closing Rammellzee.

The author of the interview he was convinced that the issue would be a real hit. Exit the form. Going into details, we will say that it all started when Ikon was direction to we as a result of such publication, to tell others about the future of this philosophy Ikonoklast Zee. Listen to without losing any detail. That, of course, knew very little. Ikon moves in circles Giant, Miss Van, Opak, Honet, O'Clock, Jonone, Psy, and other famous Parisian Psy. Learn all the secrets of this culture. I have calculated everything to recognize leagues who are the real writters. The final proof that this is a foot. An interactive written, of which the wandering spirit of the heinous bombing tattooed. Wonderful people. In the latest draft shack, where the impact is infinitely greater in the walls.

Never mind that live lost, his car is a Wall Of Fame four wheels, and you at all sites. Have left traces in the real Burners True graffiti. From Blade, Seen, Quik... DJs and producers set up the likes of Tricky, Money Mark, Beastie Boys ...

Upper Egypt is interested Ikon Series, and this, in what we do. The wheels squeaking on the road to good jazz, good funk, good hip-hop, and not as a good electronics. At any pill!

ANONIMARCO / El Anonimato de la Calle

2009-06-04T12:29:00.000-07:00

ANONIMARCO
El anonimato de la calle

texto por Thabeat
arte por Anonimarco
fotos cedidas por Anonimarco para Upper Egypt Series Zine

Mi primer contacto con Marco surge a mediados del 2005. Activo escritor de graffiti, pintor, dibujante, fotógrafo, poeta... Este Parisino tiene todos los puntos, para que de primeras, muestres intereses por su trabajo y escuches lo que te dice. Entre charla y charla se dedica a poner los imperativos en el anonimato. Su acento prosódico és ANONIMARCO.

Y desde principios de los 90 ha combinado una dedicación muy pulcra, donde sus letras y formas quedan reinterpretadas sobre cualquier superficie. Su cromática fluye como su pasión por las perspectivas mediante la influencia fotográfica mental. Un trabajo que empieza en la búsqueda de materiales sobre los que modelar sus inquietudes: papeles envejecidos, contrastes de luces, paredes erosionadas o cualquier otro escenario. Ha participado en infinidad de exposiciones, derivando en una fijación constante por su fabuloso trabajo.

En 2006 le pido sus fotos y la posibilidad de una reseña para nuestro Zine. Su respuesta es bien clara, quiere que aparezca su trabajo sin su nombre. Es decir, el trabajo de un artista anónimo, sin fechas, títulos o nombres. ¡Genial! Aunque, desde aquí, tomemos las licendias debidas para rendirle nuestro sincero tributo. Actitud y trabajo.

Marco dice:

“Siempre he perseguido el lugar perfecto donde irrumpir. Es en el sitio donde soy detallista cuando observo cualquier trabajo realizado, sobretodo en el anonimato de la calle. Nunca abogo por los títulos. No me interesa el nombre de una simple foto.”

ANONIMARCO
The anonymity of the street

words by Thabeat
art by Anonimarco
photos transferred by Anonimarco to Upper Egypt Series Zine

My first contact with Marco comes in mid-2005. Active graffiti writer, painter, draftsman, photographer, poet ... This Parisian have all the points for first, show interest in their work and hear what you say. Between talk and talk is devoted to the demands put on anonymity. His accent is ANONIMARCO prosodic.

And since the early 90s has combined a dedication very neat, where his letters and forms are reinterpreted on any surface. Its color flowing as his passion for photographic perspectives through mental influence. A job that starts in the search for material on which to model their concerns: aging paper contrasts of lights, eroded walls or any other scenario. He has participated in numerous exhibitions, resulting in a constant setting for your fabulous work.

In 2006, I ask your photos and the possibility of a review to our Zine. His answer is clear, wants to display their work without his name. That is, the work of an unknown artist, no dates, titles or names. Great! Although from here, take the licendias due to pay our heartfelt tribute. Attitude and work.

Marco says:

"I have always pursued the perfect place to break. It is in the retail location where I am when I see any work done, especially in the anonymity of the street. Never call for titles. I am not interested in the name of a simple picture. "

MICHAEL SWANEY / Todo es aceptable

2009-06-04T07:29:00.000-07:00

MICHAEL SWANEY
Todo es aceptable

texto por Thabeat
arte por Michael Swaney
fotos cedidas por Michael Swaney para Upper Egypt Series Zine

Primavera del 2005. Hoes y este servidor nos dirigimos, con la mochila cargada de pintura, hacia uno de los extraradios de la ciudad Condal. Mike, un recien pintor llegado de Vancouver, nos acompaña. Pronto me doy cuenta de que Mike, también es un gran amante del proto-graffiti. Es decir, de aquellas letras embellecidas por la acción, más que de la estética, que surgen del trazo impredecible, y que van dstinadas hacia esas paredes erosionadas, medio caidas.

Hemos agotado las horas y la pintura. Mike nos hace entrega de su zine tamaño cuartilla. Son sus dibujos a fotocopia, a todo blanco y negro, estilo black book, e impreso en papeles manuales, verdaderamente reciclados. Original. Un marginado arte infantil y popular que da sentido a sus piezas conduciéndolo a las formas barrocas de su colectivo Canadiense “Humanfive”. Sus collage y esculturas están meticulosamente elaboradas con papeles y objetos reciclados. Expuesto desde, Portland, San Diego, Tokio, Toronto y Barcelona bajo exposiciones conjuntas e individuales. Eso no impide que su trabajo sea trasladado hacia lugares ajenos al negocio; tantos alias como paredes. Este tipo no para. Recientemente lo hemos visto comisariar la expo de Fasim y Keis en el Miscelania. Y la verdad, de intuición, va sobrado.

Palabra de Mike...

“Me apasiona crear situaciones surrealistas e inconfortables a partir de objetos encontrados, papeles envejecidos y delicados. Mezclarlos meticulosamente para crear una decoración hogareña y ornamental. Incluso artefactos o artilugios científicos que se remontan a antiguas civilizaciones. Todo es adaptable, dentro o fuera.”

MICHAEL SWANEY

Everything is Ok

words by Thabeat
art by Michael Swaney
fotos transferred by Michael Swaney for Upper Egypt Series Zine

Spring 2005. Hoes this server and we went with the backpack full of paint, to one of the extraradios of the city. Mike, an artist recently arrived from Vancouver, has joined us. Soon I realize that Mike is also a great lover of the proto-graffiti. Ie, those letters embellished by the action, rather than aesthetic, leaving the unpredictable stroke and going in search of eroded walls, middle falls.

We spent hours and painting. Mike makes his delivery sheet size zine. Are your designs to photocopy, any black and white style black book, and printed on paper manuals, truly recycled. Original. An outcast and popular children's art gives meaning to its parts, leading the baroque forms of collective Canadian Humanfive. Her collages and sculptures are meticulously prepared with paper and recycled objects. Exposed from Portland, San Diego, Tokyo, Toronto and Barcelona under joint and individual exhibitions. That does not prevent their work being transferred to places outside the business, as many aliases as walls. This type does not stop. Recently we have seen the exhibition Keis and Fasim in Miscelania. And indeed, intuition is about.

Words of Mike:

"I love to create surreal and uncomfortable situations from found objects, old papers and delicate. Blending them meticulously to create a home decor and ornamental. Even scientific devices or gadgets that can be traced back to ancient civilizations. Everything is customizable or off."

FEFE TALAVERA / Fuerza y Agresividad

2009-06-04T03:33:00.000-07:00

FEFE TALAVERA
Fuerza y Agresividad

texto por Thabeat
arte por Fefe Talavera
fotos cedidas por Fefe Talavera para Upper Egypt Series Zine

Parece que fue ayer cuando nuestros inseparables amigos de guerrilla, Debens y Zosen, nos habían hablado de ella, de una tal Fefe Talavera. Verano del 2006, con el placer de conocer a esta autentica hardworker: pintora, escultora, MC y lo que se le proponga.

Nota: revisar el artículo de Zosen "Suramerika Tour".

La palabra sigue siendo, lo ha sido, lo será, lo más importante que nos queda. Y más si esta, la palabra, testifica el intenso esfuerzo con el que Fefe trabaja.

Su tipografía es representada en un collage de letras que adquiere un resultado curioso: monstruos de grandes dimensiones que representan su ciudad, Sao Pablo, donde queda incrustada su reinterpretación del graffiti.

Fefe,que ha aparecido en infinidad de medios, televisión y prensa, que fue ayer cuando la veíamos en algunos medios de prensa, o bien en Amsterdam, junto a Doze Green...

que fue en el ayer cuando le preguntamos: Fefe, ¿que te motiva?

“Sigo motivada por ver mi trabajo aposentado en los muros de Sao Pablo. Definen la fuerza y agresividad que se respira en una ciudad incomprensible y a la vez hermosa.”

Upper Egypt Series Zine, con la intención de publicar este pequeño escrito, junto a algunas de sus obras, que no son pocas. ARTE, ¡y con mayúsculas!

FEFE TALAVERA
Strength and Aggressiveness

words by Thabeat
art by Fefe Talavera
photos donated by Fefe Talavera for Upper Egypt Series Zine

It seems it was yesterday when our friends in hand painting, Debens and Zosen, we had talked about it in such a Fefe Talavera. Summer of 2006, we know this authentic hardworker: painter, sculptor, MC, and what is offered.

Note: review the article Zosen "Suramerika Tour."

The word remains, what has been, what is the most important thing we have left. And if this testifies to the intense effort that Fefe works.

Your font is displayed in a collage of letters becomes a curious result: big monsters representing his city, Sao Paulo, where he can see his reinterpretation of the graffiti.

Fefe, who has appeared in numerous media, television and press, it seems, it was yesterday when I saw some in the media, or in Amsterdam, along with Doze Green ...

It seems it was yesterday when we asked him: Fefe, what motivates you?

"I keep motivated by seeing my work room on the walls of Sao Paulo. Define the strength and aggressiveness that can be breathed in town incomprehensible and yet beautiful. "

Zine Series Upper Egypt, with the intention to publish this little letter, together with some of his works, which are not few. ART!

DAVID AXELROD / Royal Festival Hall

2009-06-04T01:08:00.001-07:00

DAVID AXELROD
Royal Festival Hall
texto por Thabeat cedido por Serie B Magazine

Es David Axelrod, el arquitecto del jazz, no un sampler. El estrecho del hip hop aún tiene una deuda pendiente. James Lavelle, siempre un paso por delante en las oficinas de Mo Wax, la saldó en 2001.

El conciertazo llega en 2004. Unos treinta músicos dirigidos por el maestro en el Royal Festival Hall de Londres. Un repaso con temas nuevos como “The Edge”, adaptado el año siguiente en su antología - coordinada por Egon para Blue Note.

Mochilla, Wax Poetics y ArtDontSleep presentarían más tarde el estreno del documental del mismo en DVD, dirigido por la propia Dana Axelrod. Larga promo y aquí lo tienes... entre otros, Richard Ashcroft (The Verve) colabora en “Holy Are You”, o al propio “Axe” puño en alto y confesando, ¡Odio las muestras!

DAVID AXELROD
Royal Festival Hall
words by Thabeat released by Serie B Magazine

David Axelrod is the architect of the jazz, not a sampler. The Strait of hip hop still has an outstanding debt. James Lavelle, always one step ahead in the offices of Mo Wax, the balance in 2001.

The amazing concert arrives in 2004. Some thirty musicians led by the teacher at the Royal Festival Hall in London. A review with new songs like "The Edge", adapted the following year in his anthology - coordinated by Egon for Blue Note.

Mochilla, Wax Poetics, ArtDontSleep and later presented the premiere of the documentary on DVD, led by the Dana Axelrod. Long promo and here it is ... among others, Richard Ashcroft (The Verve) works on "Holy Are You", or at the "Axe" fist up and confessing, I hate the show!

THABEAT / Entrevista a Rodtchenko

2009-06-04T00:45:00.001-07:00

ALEKSANDR RODCHENKO
LA CONSTRUCCIÓN DEL FUTURO
entrevista, texto y foto por Thabeat

link_entrevista_lavréntievrodtchenko_thabeat

RODCHENKO
UNA GENERACIÓN IRREPETIBLE

Tienen quince, diecisiete, dieciocho años. Dejaron atrás la edad del pavo. Se les encuentra entre el barro del suburbio. Rodchenko pertenece a una generación de cambio, que recorrió todas esas zonas de arte elitista representativas del país con la única pero no poco ambiciosa idea de saber como eran esos fundamentos burgueses de la vieja cultura y destruirlos. Expulsados de la escuela de pintura lucharon contra los herederos del realismo conservador y el arte académico, crearon una nueva forma de modificar los códigos del arte para construirlos a su manera. Menos estética y más experimentación. Una generación que pertenece a los movimientos más extremos del arte de la izquierda revolucionaria en la Perestroika; pintores, escultores, diseñadores y poetas, todos ellos, del primitivismo, suprematismo y cubofuturismo.

EL CONSTRUCTIVISMO DE RODCHENKO
INCALCULABLE

Rodchenko, una de sus figuras legendarias y disidentes de la Unión Soviética. Parte de estos tres o cuatro arquitectos, pioneros principales de la contra-cultura en la historia del Arte. Indiscutible, aunque las autoridades intentaron tapar la realidad con propaganda. Rodchenko, una eminencia autodidacta. Creador del diseño Soviético, diseñador e interiorista futurista, investigador plástico y arquitecto. Circuló del modernismo al fauvinismo, pasando por el protocubismo y cubofuturismo abstracto. Productor de fotocollages, fotomontajes y sobretodo, fotografía. Un auténtico poeta, también. Su trabajo ha sintetizado los avances de la pintura i de la escultura vanguardista.

Pionero del Constructivismo; creó una nueva manera de entender el arte en 3D, a partir de la manipulación de productos industriales de objetos de uso cotidiano. Mezclas aún sin realizar pasaron a través suyo.

En el mundo del arte contemporáneo, Rochenko tiene el lugar y la trascendencia que se merece. Hasta donde alcanza la vista no hay sino copias. Y aunque su nombre aparece en los cursos avanzados de Bellas Artes, su vida y obra jamás será académica. Su obra rechaza los fundamentos. Cercano a nuestras vitales admiraciones y a la vez distanciado de la vanidad elitista del arte aburguesado de culo plano. Cuando el arte se convierte en moneda de cambio para un socialismo honesto, puro y de verdad. Punta de la lanza de una actitud totalmente descabellada, suicida y genial. Utópico a día de hoy.

ALEKSANDR RODCHENKO
CONSTRUCTION OF THE FUTURE
interview, words and photo by Thabeat

link_entrevista_lavréntievrodtchenko_thabeat

RODTCHENKO
A UNIQUE GENERATION

They have fifteen, seventeen, eighteen. Left behind the age of the turkey. They are located between the suburbs of mud. Rodchenko belongs to a generation of change, which toured all the areas of art elitist representative of the country but not the only little ambitious idea of how these foundations were the old bourgeois culture and destroy them. Expelled from the school of painting fought against the conservative heirs of realism and art school, created a new form of art to modify the code to build their own way. Less aesthetic and more experimentation. A generation that belongs to the most extreme movements of the art of the revolutionary left in Perestroika, painters, sculptors, designers and poets, all of primitivism, and cubofuturismo Suprematism.

Rodchenko's constructivism

Rodchenko, one of its legendary figures and dissidents of the Soviet Union. From these three or four architects, pioneers of the main counter-culture in the history of art. Indisputable, although the authorities tried to cover up reality with propaganda. Rodchenko, a self-eminence. Creator of Soviet design, interior designer and futurist, architect and researcher plastic. Circulated to fauvinismo of modernism, through protocubismo and cubofuturismo abstract. Producer fotocollages, photomontages and above photograph. A true poet, too. His work has summarized the progress of the painting of the sculpture i vanguardist.

Pioneer of Constructivism; created a new understanding of the art in 3D, from the handling of industrial objects of daily use. Mixtures without even went through.
In the world of contemporary art, Rochenko takes place and the significance it deserves. As far as the eye but there are no copies. And although his name appears in the advanced courses of Fine Arts, his life and work will never be academic. His work rejects the fundamentals. Near vital to our fans and also away from the vanity of suburban elitist art ass plane. When art becomes a bargaining chip to socialism honest, pure and true. Tip of the spear of a totally outlandish, and suicidal genius. Utopian today.

ARECIO SMITH / Tecno ¿Lógico?

2009-06-03T23:47:00.001-07:00

TECNO ¿LÓGICO?
Aproximación a la interpretación con tecnología de la música moderna
texto y foto por Arecio Smith para Upper Egypt Series Zine

Uno de los aspectos más relevantes que realizan las máquinas en nuestra sociedad es la automatización de procesos. Si ellas cocinan, lavan, calientan, calculan y transportan, ahora también pueden hacer música. Pero, además de su capacidad para generar música de forma autónoma -después de las instrucciones oportunas-, también nos permiten automatizar procesos dentro de la creación e interpretación musical. Un ejemplo primigenio de uno de estos procesos en los instrumentos eléctricos fue la utilización de un efecto de Vibrato en los órganos Hammond fabricados a finales de los años 30. Con pulsar un botón se conseguía un efecto generado eléctricamente, sin necesidad de ninguna interacción más por parte del intérprete. En contraposición, dentro de los instrumentos acústicos, el intérprete de violín necesita una gran interacción para generar el mismo efecto.

Realmente se produjo un cambio sustancial en la forma de producir música con la salida al mercado de máquinas capaces de almacenar, modificar, cuantiar, copiar y reproducir señales MIDI. Dicho de otra manera, no era necesario saber tocar un instrumento para poder escribir música.

Bastaba con programar el secuenciador con nuestra composición, encontrar los sonidos adecuados para reproducirla y listo. Como resultado la música pop se inundó de baterías, bajos, sintetizadores y samples pregrabados.

De alguna manera las máquinas estaban tomando el lugar de los instrumentistas. Cierto es que siempre iban a tocar igual si no se les decía lo contrario pero, ¿qué posibilidades ofrecían para hacer aquello que los instrumentistas no podían hacer?

Durante la década de los 90 el auge de los ordenadores revolucionó la sociedad en muchos aspectos; uno de ellos fue la industria musical.

A medida que la capacidad de proceso de las computadoras fue creciendo se desarrollaron infinidad de aplicaciones software que proponían múltiples posibilidades de síntesis de sonido. Sin ir más lejos, existe una larga lista de éstos programas que se dedican a emular a instrumentos físicos ya existentes. La evolución de la tecnología ha permitido un desarrollo paralelo en la construcción y evolución de los instrumentos musicales. A día de hoy, el abanico de posibilidades de creación sonora e interpretación que se encuentra a nuestro alcance es impensable. Es posible tocar en directo con estos programas y un teclado -u otro controlador- MIDI, lo que permite una gran flexibilidad en la paleta de sonidos con muy poco trabajo y gasto económico.

Pero la pregunta es la siguiente: ¿Qué alternativas nos ofrecen las tecnologías actuales para la interpretación no convencional? ¿Qué pueden ofrecer de interesante las computadoras dentro de un mundo tan emocional como es la interpretación musical?

La interacción es precisamente el rasgo que caracteriza a la música interpretada por los humanos. Así que, lo que parece interesante es explorar las posibilidades de interpretación con máquinas siempre y cuando haya un proceso bilateral de comunicación. A menudo vemos a la gente produciendo música en directo con máquinas de forma en que la comunicación es prácticamente unilateral. En el punto más intermedio se situarían una o varias personas tocando junto a música pregrabada. Normalmente se trata de loops que se repiten para proveer una base rítmica sobre la cual cantar o tocar un instrumento. En este caso, la interacción es mayor, porque el intérprete humano reacciona de acuerdo a los cambios preestablecidos en o por la máquina. Pero el nivel de interacción es todavía bastante bajo.
Hasta hace muy poco una de las dificultades que se encontraba en la interpretación de música moderna, mezclando instrumentos reales con sonidos procedentes de ordenadores, era el hecho de tener que ceñirse a un tempo fijo o bien al rubato – aceleración o desaceleración a discreción del artista. Cierto es que la música moderna, en todas sus múltiples variantes actuales, tiene un tempo bastante fijo - el rubato es prácticamente inexistente. Pero está claro que las personas no son metrónomos, y dentro de la interpretación de temas siempre hay pequeñas fluctuaciones de tempo. Esto hacía complicado el hecho de tocar con instrumentos secuenciados desde el ordenador: de alguna manera se tenía que utilizar un click como referencia para poder tocar encima de las secuencias -si no sonaban todo el rato-, o bien tocar al tempo de las secuencias. De hecho, aquí está uno de los aspectos más relevantes en cuanto a este tipo de interpretación, porque uno de los elementos de interacción más importantes entre los músicos es la fluctuación del tempo.

Por poner un ejemplo: si los Meters interpretaban un tema a razón de 100 pulsos por minuto y el batería – Joseph Modeliste - comenzaba a tocar a 98, inmediatamente el resto del grupo – George Porter, Art Neville y Leo Nocentelli - tocaban a 98. Nadie seguía tocando a 100. Esto, a todos, como personas que somos, nos parece una obviedad, pero no lo es para una máquina que tiene su reloj interno y está siempre esperando que le digamos qué tiene que hacer.
Ya se ha conseguido un software que permite seguir el tempo de las personas y corregirlo a tiempo real, o que permite modificar el tiempo de muestras grabadas preservando el tono y viceversa; Time Streching. Antes de la aparición del Time Streching al leer muestras digitales más rápido el tono también aumentaba -como sucede con los vinilos o las cassettes. Esta técnica ha sido muy utilizada en el drum & bass, junto con el efecto exagerado de Time Streching en las voces.

La tecnología nos ha brindado un sinfín de medios a nuestro alcance para la interpretación de música electrónica moderna. Os propondré ahora uno de los ejemplos prácticos que he ido desarrollando a medida que he estudiado este campo. El resultado de todo esto fue el descubrimiento de una forma diferente de interpretar mi música y un precedente en mis interpretaciones.

Háztelo tú mismo… si puedes

Ejemplo 1

Creación de un instrumento de control sonoro con una interfaz no tradicional.
Asignación de múltiples parámetros a la misma interfaz.

Material utilizado:

• 1 Mando de consola Nintendo Wii Remote.

• 1 ordenador Apple MacBook.

• Osculator 2.5.4. Aplicación para la conversión de señal Bluetooth del WiiRemote en MIDI.

• Pure Data extended 0.40. Aplicación para el desarrollo de herramientas de audio y MIDI.

• Reason 4. Aplicación para generar los sonidos deseados.

Procedimiento:

El mando Wii Remote –wiimote- detecta su ángulo a partir de los tres ejes espaciales. Esa posición se traduce en datos, que pueden ser interpretados en parámetros que hacen que el sonido se modifique de acuerdo a nuestro gusto. Además, tiene varios botones que pueden utilizarse para ejecutar acciones por definir.

Una de las características más interesantes de las interfaces de control de los ordenadores es que permiten asignar diferentes aspectos sonoros al mismo controlador. Es decir, puedo asignar un botón que me modifique el timbre del bajo, el tiempo de la batería y que produzca otro sonido aleatorio. Esto es bastante interesante porque normalmente en los instrumentos tradicionales la relación entre la acción de ejecución y el resultado obtenido en el aspecto sonoro es bastante más predecible.

Decidí crear un sonido de sintetizador cuya intensidad venía dada por el ángulo que se define tradicionalmente como altura. El parámetro de modulación -normalmente expresado en los sintetizadores como rueda de modulación y mediante el cual modificamos la tonalidad del sonido- lo asigné al movimiento de rotación de la muñeca respecto del brazo.

El primer inconveniente que encontré fue la dificultad para afinar las notas. El temblor del pulso ya significaba una oscilación considerable y tampoco quería pasar horas practicando para poder tocar una simple melodía. Por ello, restringí el registro a una octava aproximadamente -para tener mayor precisión a la hora de elegir las notas- y creé una aplicación de Pure Data que realizaba las siguientes tareas:

• Tomaba el movimiento de altura y lo restringía a un ámbito de una octava, aproximadamente.

• Mediante una interfaz simple el intérprete decidía qué notas de la escala cromática quería utilizar.

• Ajustaba la frecuencia central del instrumento. (Posición de reposo, por ejemplo, dejarlo encima de una mesa).

• La ejecución y parada de la nota se efectuaba con el gatillo situado en la parte posterior del mando. La ejecución de la nota comenzaba al apretar el gatillo y paraba al soltarlo. Esto parece una obviedad, pero no lo es: al comenzar a diseñarlo apretaba el gatillo y cada vez que cambiaba de nota sonaba una nueva pero seguía sonando la anterior. Para que esto no ocurriese diseñé un apagador de notas que obligatoriamente apagase la nota al soltar al gatillo.

• Tomaba el movimiento de la muñeca con respecto al brazo como parámetro de modulación.

• Cuando se atacaba una nota, y mientras se sostenía apretado el gatillo, el parámetro de altura pasaba a convertirse en una pequeña modulación en la intensidad del sonido, equivalente a estirar la cuerda de una guitarra. En sintetizadores tradicionales esto sería el Pitch Bend.

¡Problema! Si estaba atacando una nota grave, el pitch bend, nada mas atacar la nota, ya estaba abajo. El motivo era debido a que el cálculo se efectuaba en base a un valor absoluto, la posición del mando respecto del suelo, en vez de un valor relativo, la diferencia de ángulo con respecto a una posición definida como inicial. Para ello implementé un cálculo en el que se establecía la posición absoluta del mando en el momento de ataque de la nota como inicial, y a partir de ahí se calculaba un desvío relativo para el Pitch Bend – modificación del nivel del sonido en la escala musical.

• Mediante los botones del pad era capaz de modificar la nota que estaba sonando en ese momento por valor de medio tono o una octava.

• Al pulsar el botón “A” se disparaba una muestra de voz aleatoria -entre doce.
Posteriormente, al tener ya sonando el sintetizador y las voces, pensé en utilizar los botones restantes para aplicar un efecto de retardo con retroalimentación y distorsión en las voces, y para ejecutar o parar la reproducción de un bucle rítmico.

El intentar crear sonidos o formas de interpretar diferentes es muy interesante, pero también a menudo nos sobreviene la sensación de que algunos intérpretes enmascaran una falta de creatividad mediante el uso de estas tecnologías. Por eso, a pesar del interés que he desarrollado en este campo, tengo la impresión de que debería existir una intencionalidad clara en el uso de éstas alternativas, ya bien sea con un criterio estético o funcional.
Además, es evidente que hay cierto paralelismo entre el desarrollo de la tecnología y el de las corrientes estéticas -no se puede entender el metal sin distorsión o la electrónica sin sintetizadores.

No hay duda de que mantenerse al día con las innovaciones tecnológicas favorece las posibilidades de éxito creativo. En el jazz siempre se ha ido un poco por detrás de lo que se ha llevado a cabo antes a un nivel más popular. Existe cierta escasez de ideas nuevas. Puede que en el futuro haya más proyectos que integren aspectos multidisciplinares mediante el uso de la tecnología.

Una cosa sí que está clara, y es que seguiré desarrollando nuevos experimentos. Algunos aspectos que hemos descrito serán importantes en la música de las próximas décadas, y es posible que en un futuro no muy lejano veamos a ordenadores en un escenario comportándose como otro músico.

TECHNO ¿LOGIC?
Approach to the interpretation of modern music technology
words and photo by Arecio Smith for Upper Egypt series Zine

One of the most important machines that perform in our society is the automation of processes. If they cook, wash, heat, calculated and transported, can now also make music. But apart from its ability to generate music-autonomously following the instructions, but also allow us to automate processes within the musical creation and interpretation. An earlier example of one of these processes in the electrical instruments was the use of a vibrato effect on the Hammond organ manufactured in the late 30s. With the press of a button to get an electric generator, without any interaction by the interpreter. In contrast, within the acoustic instruments, the performer needs a great violin interaction to generate the same effect.

Actually there was a substantial change in the way of producing music with the release of machines capable of storing, modifying, volume, copy and play MIDI. In other words, there was no need to learn play an instrument to write music.

Enough to program the sequencer to our membership, find the appropriate sound and ready to play. The result is pop music flooded battery low, synthesizers and prerecorded samples.
In a way the machines were taking the place of instruments. True iban always play well if they said otherwise, but what chance offered to do what the players could not do?
During the 90s the rise of computers has revolutionized society in many aspects, one of them was the music industry.

As the processing capability of computers grew developed numerous software applications proposing multiple possibilities of sound synthesis. In fact, there is a long list of these programs are dedicated to emulating existing physical instruments.

The evolution of technology has allowed a parallel development in the construction and evolution of musical instruments. Today, the range of possibilities for sound creation and interpretation that is available to us is unthinkable. It is possible to play live with these programs and a keyboard or other MIDI-controller, which allows great flexibility in the palette of sounds with very little work and economic cost.

But the question is: What alternatives offered by current technologies for unconventional interpretations? What can offer interesting computers within a world as emotional as the musical performance?

The interaction is precisely the characteristic that the music played by humans. So what seems interesting is to explore the possibilities for interpretation by machines provided there is a bilateral process of communication. Often we see people producing live music with machines so that communication is almost unilaterally. In the middle point would be located one or more people playing along with prerecorded music. These include loops that repeat to provide a rhythmic base on which to sing or play an instrument. In this case, the interaction is greater, because the human interpreter react to changes in pre or by machine. But the level of interaction is still quite low.

Until very recently one of the difficulties encountered in the interpretation of modern music, mixing real instruments with sounds from computers, was the fact of having to stick to a fixed tempo rubato or when - acceleration or deceleration at the discretion of the artist . True, modern music in all its many variations today, has a fairly fixed time - the rubato is virtually nonexistent. But it is clear that people are not metronomes, and within the interpretation of issues there are always small fluctuations of tempo. This was complicated by the fact of playing instruments sequenced from the computer in some way had to be used as a reference for a click to play over the strings sounded, if not all the time, or tap the tempo of the sequences. In fact, here is one of the most relevant to this type of interpretation, because one of the most important elements of interaction among musicians is the fluctuation of tempo.

To take one example: if a subject interpreted Meters at a rate of 100 beats per minute and the battery - Joseph Models - began playing at 98, immediately the rest of the group - George Porter, Leo Nocentelli and Art Neville - played to 98. Anyone still playing to 100. This, everyone, as we are, we seem obvious, but not for a machine that has its internal clock and is always waiting to tell you to do.
Already has a software that allows the tempo of the people and correct them in real time, or to change the time of recorded samples preserving the tone and vice versa; Streching Time. Before the advent of Time Streching the digital samples read faster tone also increased, as happens with the vinyl or cassettes. This technique has been widely used in the drum & bass, together with the effect exaggerated in Time Streching voices.

The technology has given us a wealth of resources at our disposal for the interpretation of modern electronic music. We now propose one of the examples that I have evolved as we've studied this field. The result was the discovery in a different way to interpret my music and a precedent in my interpretations.

Do yourself if you can ...

Example 1

Creating a tool for noise control with a non-traditional.
Allocation of multiple parameters to the same interface.

Material used:

• 1 Command Console Nintendo Wii Remote.

• 1 Apple MacBook computer.

• Osculator 2.5.4. Application for conversion of the Bluetooth signal at WiiRemote MIDI.

• Pure Data Extended 0.40. Application development tools for audio and MIDI.

• Reason 4. Application to generate the required sounds.

Procedure:

The remote-Wii Remote Wiimote-detects your angle from the three spatial axes. That position is reflected in data that can be interpreted as parameters that cause the sound is changed according to our taste. It also has several buttons that can be used to implement actions to be defined.

One of the interesting features of the control interfaces of the computers is that they assign different aspects at the same audio controller. That is, can I assign a button to change the timbre of the bass, while the drums and other sound producing random. This is quite interesting because usually in the traditional relationship between the act of execution and the result obtained in the sound aspect is much more predictable.

I decided to create a synthesizer sound whose intensity was given by the angle that is traditionally defined as height. The modulation parameter usually expressed as synthesizers and modulation wheel by which we modify the tonality of the sound-it attaches to the rotary motion of the wrist with respect to the arm.

The first problem I encountered was the difficulty to tune the notes. The tremor of the pulse and meant a considerable variation and did not want to spend hours practicing to play a simple melody. Therefore, restricting the registration to approximately one-eighth to get greater precision in the choice of notes and created a Pure Data application performing the following tasks:

• took the height and movement to a restricted area of eighth or so.

• Using a simple shell notes to decide what I wanted to use the chromatic scale.

• adjust the center frequency of the instrument. (Position of rest, for example, put up a table).

• The execution and stop of the note was made with the trigger at the rear of the control. The execution of the note began to pull the trigger and stop when released. This seems obvious, but it is not: to begin to design it and pull the trigger each time you change a note sounded new, but still playing the previous one. Make sure a switch designed to shut down the notes you must hold the note to the trigger.

• He took the movement of the wrist and arm with respect to parameter variation.

• When you attack a note, and while the trigger is held pressed, the height parameter passed into a small variation in the intensity of sound, equivalent to stretching a guitar string. In this synth would be the traditional pitch bend.

¡Problem! If attacking a serious note, pitch bend, nothing but attack the note was already down. The reason was because the calculation is based on an absolute position command with respect to the ground, rather than a relative value, the difference of angle with respect to an initial position as defined. For this implemented in a calculation to establish the absolute position of command at the time of the attack of the note as an initial and then a diversion is calculated relative to the Pitch Bend - the level of sound in the musical scale.

• Using the buttons on the pad was able to modify the note that was playing at that time the amount of half tone or eighth.

• When you press "A" were shooting a random sample of voice-twelve.
Later, having already playing the synthesizer and voices, I thought to use the remaining buttons to apply a delay effect with feedback and distortion in the voices, and to stop running or playing a rhythmic loop.

Trying to create sounds and different ways of interpreting it is very interesting, but also often occurs, we feel that some interpreters mask a lack of creativity through the use of these technologies. Therefore, despite the interest I developed in this field, I feel that there should be a clear intent on the use of these alternatives, as well as in an aesthetic or functional.
It is also clear that there is a certain parallelism between the development of technology and the aesthetic, can not be understood without metal distortion or without electronic synthesizers.

No doubt, keep up with technological innovations enhance the possibilities of creative success. In jazz has always been a bit behind what has been done before on a more popular. There is a shortage of new ideas. Maybe in the future more multidisciplinary projects that integrate the use of technology.

One thing is clear, and it will continue to develop new experiments. Some aspects that we have described will be important in the music of the coming decades, and it is possible that in the not too distant future to see computers on a stage behave as another musician.

ZOSEN / Suramerika Tour

2009-06-03T15:14:00.001-07:00

SURAMERIKA TOUR
Latex, Pixos, Mixers
texto y fotos por Zosen
para Upper Egypt Series Zine

Sao Paulo
La jungla de cemento

La travesía comienza en el aeropuerto de Barcelona una madrugada de invierno, con escala en Ámsterdam y rumbo a Sao Paulo. Llego sin parte de mi equipaje. ¡Buen comienzo! El carrito de la compra con el que siempre viajo se ha extraviado en el camino. Vienen a recogerme Edú que trabaja en la Galería Choque cultural y Fefe Talavera con quien compartiré exposición. Este viaje comenzó con un solo destino: Sao Paulo, pero empezaron a surgir eventos por las mismas fechas en otras ciudades de Suramérica y no podía desperdiciar la oportunidad de encontrarme con mi gente.

En Brasil ya están preparados en estas fechas de Enero para el mundial de Fútbol y quedan aun bastantes meses para que comience pero en las ciudades se ve publicidad futbolera en todos lados. Los primeros días los pasó trabajando mano a mano con Fefe dentro de la galería “Choque Cultural”. Fue una experiencia bastante positiva ya que habíamos hecho colaboraciones en la distancia, vía Internet, pero era la primera vez que trabajábamos juntos en directo. ¡Funcionó muy bien aunque con un poco más de tiempo de preparación hubiera quedado algo total! La expo rondaba en torno al día de los muertos en México que se celebra el 1 de Noviembre y donde la gente recuerde a los que ya no están de manera alegre y festiva, se hacen altares con comida, ofrendas, pan de muerto, las míticas calaveritas de azúcar con el nombre del difunto, las procesiones a los cementerios y muchas más cosas.

Fefe es hija de mexicanos y tiene gran influencia del folklore de la tierra de sus padres, como a mi también me interesa toda esa iconografía aprovechamos para hacer algo conjunto, así surgió “Los muertitos duermen juntitos”. En la instalación del Choque pintamos las paredes, pusimos cajas con nuestros muertitos, llenamos el techo con banderitas de papel china, cuadros, obra sobre papel y también hicimos un altar en la entrada para recibir al personal.

Choque Cultural Galería Alternativa

Baixo coordina el espacio de “Choque Cultural”, una galería bastante abierta y poco convencional, ya que hay cabida para todo tipo de proyectos. La labor de difusión que realizan de muchos artistas provenientes del graffiti es muy importante porque dan la oportunidad a que trabajen en otros formatos como por ejemplo los grabados y serigrafías de edición limitada que producen. Artistas como Herbert, Vitche, Nunca, Boleta, etc., tienen sus grabados a la venta en Choque. Quedé bastante asombrado al ver el nivel y calidad de los trabajos en papel de estos artistas, muchos conocidos en Europa pero otros no tanto y lo fuerte es que hay un montón de gente con talento que todavía no ha tenido la oportunidad de demostrar lo mucho que puede romper. Gente joven como Nunca con su estilo aborigen, las piezas bombarderas de Coyo, los murales coloridos de Pato, las formas sinuosas de Zezao que emergen desde las cloacas y túneles bajo el asfalto, los personaje de Onesto, los wildstyles de Binho que también hace la revista “3ºMundo”, Titi Freak campeón de yo-yo y gran artista con un dibujo muy personal, Kboco con sus líneas abstractas y su figuración mutante, hay un montón más de gente interesante haciendo cosas pero hay que ir allí para descubrirlos in situ, lo recomiendo. Como última referencia nombrar a otro representante de la old school con una gran técnica y variedad estilística: Speto.

La Grafiteria

Otro espacio expositivo bastante interesante es la “Grafiteria”, coordinado por artistas urbanos y donde por estas fechas inauguran una muestra de su trabajo dos buenos amigos: Adam Neate y Waleska Nomura, “Spreading the Love and Expanding the Mind”. La inauguración es un evento singular: niñas con pelucas de color rosa “fluor” y vestiditas como muñecas regalan globos en forma de corazón, ¡Son las Ladylove! En otra sala esta el DJ y hay para picar como galletas saladas y dulces bastante peculiares, refresco de “guaraná” y cervezas. Felicito a Waleska que está con su hermano Tinho representante de la old school, también hay otros integrantes del Clan Nomura. Hay bastante éxito de público allí nos congregamos un montón de escritores. Quedamos para pintar al día siguiente con Os Gemeos y con Ise que lleva la tienda Grapixo y es uno de los escritores más activos.

El domingo es el día para pintar en Sao Paulo, no hay tanta gente por la calle y todo parece más tranquilo. Me comenta Ise que en un domingo normal el promedio de piezas que se pintan son siete, ¡Siete piezas! Bueno no son murales con fondo y producciones rollo “Hall Of Fame” pero el tema es pintar, ¡Pintar!

Hay que pensar que la pintura en spray vale 2 o 3 veces más que aquí en proporción al nivel de vida de allí, por lo tanto se ha desarrollado una supertécnica con pintura plástica, material que allí llaman “LATEX”. El latex se utiliza para cualquier cosa: relleno, fondo, tags... El spray se usa lo justo, para los trazos y algunos efectos. En el uso del rolinho [rodillo] son maestros. Gran parte de los pixos [especie de tag] están hechos con rolinho.

La tipografía Paulista

El pixaçao es la escritura por antonomasia de Sao Paulo, originario de allí y se remonta a los años 80 en sus orígenes. Según dicen proviene de la influencia de las tipos que aparecían en las portadas de discos de música heavy metal, trash y punk; letras estrechas y con líneas verticales como los edificios de la ciudad.

Es fuerte comprobar como el pixaçao se ha desarrollado en Sampa [Sao Paulo] y ha influenciado a muchos escritores de todo el mundo, sobretodo de Europa. Seguramente la mayoría de los pixadores provenientes de las favelas no saben hasta dónde ha llegado su estilo. El pixaçao domina cada rincón de la ciudad, no hay casi tags hechos con marker ya que es tan grande la escala de esta jungla de cemento que el rodillo es lo que manda. Tampoco se encuentran muchos tags con estilo europeo o yankee, el estilo del graffiti paulista es original y se ha desarrollado sin mirar a New York en su casi total mayoría. Eso me encantó, frescura, originalidad y con pocos medios. Hay un montón de gente que pinta personajes, animales y figuras mutantes, mucho más que en otras ciudades del mundo. ¡También tienen un estilo para hacer los throw-ups bastante originales y casi siempre pintados con latex! El rodillo lo utilizan todo terreno: persianas, maderas viejas, metales, etc. La ciudad está muy bombardeada pero es tan grande [viven alrededor de 40 millones de personas] que nunca se acaba.

El domingo es el Día del Señor

Fefe y yo nos encontramos en el barrio de Cambuci con Gemeos, Nina, Ise y Glue un amigo de Suecia que ya lleva varios días pintando sin parar, incluso ha hecho top to bottom en el metro junto a artistas locales. Vamos en dos coches para poder llegar a varios puntos de la ciudad. Se suma también Lele que fotografía autorretratos de ella desnuda en lugares inhóspitos y después los imprime y los pega por la calle. Pintamos en una avenida justo debajo de una gran autopista sin acabar de construir, las paredes están blancas para empezar. Al acabar las piezas hay estilos para todos los gustos. Hacemos dos o tres más y a buscar otro spot. Se pone a llover y paramos a comer algo. Luego nos acercamos a pintar a un viejo mercado aún en funcionamiento, lleno de camiones destartalados y gente que no entiende que hacemos pintando allí. Movemos algunos muebles para poder intervenir toda la pared y aparece el típico pesado que quiere un spray para pintar las ruedas de su camión. Finalizamos la sesión con unas piezas en plena autopista y ya se ha escondido el sol.

Esta noche de domingo vamos a cenar a un japonés, la ciudad está llena de restaurantes asiáticos ya que hay bastante “colonia” japonesa. Esperando a una amiga para comer nos llama asustada diciendo que le acaban de robar. Si es de noche y paras con el coche en un semáforo cerca de alguna favela o barrio cercano es muy probable que te roben. No se cortan un pelo, dan un puñetazo a la ventana del copiloto, explota y pillan el bolso o lo que tengan más a mano, ni te enteras; eso mismo le pasó a la chica.

Inauguración de Los Muertitos

El 20 de enero se inaugura nuestra expo “Los muertitos duermen juntitos” en Choque Cultural, a la cual acuden varias generaciones de artistas: old school, new school y algunos pixadores. Me impresionó ver el buen rollo que había entre toda la gente del movimiento, como si fuera una gran familia. Normalmente siempre hay rivalidad y problemas entre la gente del graffiti y Sao Paulo es una ciudad bastante violenta pero la gente que pinta en la calle suele respetarse bastante y eso es admirable. La competición no radica en quién tacha a quién sino quién pinta más alto, la gente busca su espacio donde escribir; con lo grande que es la ciudad tacharse es una tontería. En comparación con los habitantes que tiene la ciudad se podría decir que en Sao Paulo no pinta tanta gente pero los que pintan están bastante activos.

Los pixadores escalan los edificios como si fuesen arañas, todos los lugares son buenos para pixar, a veces hacen torres de tres o cuatro personas y el de arriba escribe. Literalmente el cielo es el límite. El pixaçao no viene del hip hop por lo tanto los códigos son otros y nadie tacha un pixo, aunque casi ni se vea o sea viejo. A los pixadores normalmente no les gusta el graffiti o street art, ellos sólo escriben. Uno de ellos me dijo que nuestra expo no le gustaba mucho, le parecía que algunas pinturas eran demoníacas.

Cerramos la galería y vamos al bar de la esquina, después de la sesión de cervezas [que se las beben como si fuera agua] acabamos en un soundsystem reggae-dub bastante bueno. No está de más decir que el sonido que arrasa por estas latitudes es el funkycarioca, producto original de Brasil. Una especie de electro-funky-freestyle con letras muy calientes; un rollo “2 Live Crew” brazuca, para que imaginéis el alto grado de temperatura.

Mi Buenos Aires querido

Por la carretera me despido de Sampa rumbo a Buenos Aires. La primera noche el bus pincha una rueda que no pueden cambiar y tengo que esperar a otro bus en medio del bosque y una especie de niebla. Después de un día y pico llegó a mi Buenos Aires querido. Allí me encuentro otra vez con Glue que lleva ya unos días pintando; juntos vamos a la tienda de Montana Colors en Avenida Cabildo. Hacía más de quince años que no volvía a la ciudad y me impactó la brutalidad de la publicidad en la calle al puro estilo americano, exagerado ¡sólo consumir! Hay bastante contaminación visual, eso antes no era así.

En la tienda seleccionamos los colores para la exhibición que haremos en el Club Arcos. Gracias al apoyo de Montana Colors Barcelona y a Gabriel el distribuidor en Argentina pudimos contar con todo el material disponible. Sex [el niño de las pinturas] estaba también de viaje por allí y pasó por la tienda para llevarse pintura con la que pintó varios centros sociales de la ciudad.
Esa misma tarde fui con Maia al Hall Of Fame de Saavedra, estaban pintando Maze, Abse y Teko, allí había un montón de murales incluso resistían unas piezas en lugares altos de Gemeos y Vitche del ’97. La gente allí pinta hasta donde le llega el brazo, no usan grandes escaleras, en ese aspecto son un poco vagos, si te lo curras y pintas alto en Bs.As. Puedes confiar en que tu obra durará.

La ciudad está bombardeada por murales políticos hechos con cal, cuando digo políticos me refiero a “candidatos políticos” o sea es propaganda electoral. Muchas veces tapan los mejores spots, es publicidad. Llegan a todos los puntos posibles por pintar. Intenté pintar encima de uno de ellos y el blanco de la cal me comió todo el color.

Es raro comprobar que una ciudad tan poblada no esté bombardeada de tags, pero sí de frases políticas. Muchos de los tags que me encontré eran de gente de fuera tipo INS de Madrid, Xupet y Flan de Barcelona, los alemanes “treneros”, aunque había un grupo local que no recuerdo su nombre que bombardeaban mucho a fat cap.

Remember Old Times

La exhibición se organizó en un club indoor pero que abría su techo y podías ver las estrellas, allí acudieron algunos de mis primos. Hubo conciertos de hip hop, actuó Alika [ex cantante de Actitud María Marta] y VJs. El ambiente me transportó trece años atrás a las jams de Expaña; aún faltan muchos medios. Ocurrió de todo, incluso pelea de escritores, muy feo. En la exhibición de graffiti participamos Glue, Chaz de London Police que estaba también de tour, Dano y Martín de la DSR Crew y algunos pibes más, todos muy wildstyle. Al acabar la fiesta, ya de día, caminamos por los bosques de Palermo hasta llegar a Plaza Italia con Germen y Zostor, dos colegas de Gerona que llevaban ya unos meses por Suramérica. Bombardeamos un poco Avenida Santa Fé y en un semáforo me ve la policía escribiendo con el marker, hubo intercambio de miradas y todo siguió como si nada pasara; hay otros problemas mucho más importantes en la ciudad, el graffiti desde luego no lo es.

Unas horas más tarde nos encontramos cerca de la cancha de River para pintar en una plaza. Había gente de Alemania, Suecia, España y los locales. En un espacio no muy grande pintamos un montón de gente, todos apelotonados, pero la pared era bastante alta y nadie subía. En otra pared de la plaza había un Shas en altura que debería llevar más de seis o siete años allí. Glue y yo acabamos pintando también la parte alta.

El domingo con el calor que hace en la capital todos los que pueden van a la pileta [piscina], cerca de una en parque Chacabuco pintamos Germen, Zostor y yo. Había un policía vigilando el barrio que se acercó a ver lo que pintábamos e incluso nos sacamos fotos con él. Pinté una pieza contra el olvido recordando los treinta años del golpe militar ya que hacía unos días se había cumplido esa fecha y las Madres de Plaza de Mayo habían hecho un gran acto.

La ruta por la Villa Miseria

Se acaban los días en Buenos Aires y salgo en bus para Santiago de Chile, antes pasando por Mendoza. A 50 kilómetros saliendo de la capital unos pibes con gomeras [tirachinas] revientan las ventanas del bus en marcha. Los más pequeños empiezan a llorar por el fuerte impacto, yo pensé que era algún explosivo y una mujer empieza a gritar que no paren el bus ya que esta táctica se utiliza para que en medio de la carretera te vengan a robar con camionetas y se lleven todo. Paramos un poco más adelante en una gasolinera, allí limpiamos los cristales y pusimos cartones para continuar la travesía rumbo los Andes. Cruzar la cordillera por carretera es espectacular y sobretodo al amanecer.

Meeting Of Styles Chileno

En Santiago me recogen Pohyo, Bimbo de Sevilla y Laguna de Almagro. Sin tregua vamos directo a la exhibición del “Meeting of styles” organizada por Pohyo en el Museo Nacional de Bellas Artes. Este evento es un encuentro de artistas iberoamericanos venidos de Perú, Argentina, España y los locales chilenos. Estilos varios de la mano de Shonis, Nerf y Pier de Buenos Aires, la tribu Fumakaka de Perú con Seimiek, Nafer, Oso y Fer, Inti y Charquipunk de Valparaíso, Delacalle, 78, Nast y Pohyo de Santiago, Bimbo, Laguna y yo. Pero la revelación del evento fue SENS, un niño de 15 años que vendió su moto para venir desde la isla de Chiloé dónde cría erizos de tierra. El chaval bautizado como el niño frik llegó haciendo styles y se fue pintando vírgenes “calavéricas”. Aprendió un montón al estar con gente de otras ciudades y de otras realidades.
Esos días los viví junto al Sens, la familia Fumakaka, Pohyo y Pier en el campamento Kukamonga donde cada noche había lluvia de ideas y taller experimental.

Al comprobar las ganas de hacer cosas del niño frik que nunca había salido de la isla decidimos hacer una procesión por la ciudad disfrazados de mutantes. Pasamos los ratos en el campamento confeccionando los trajes pero llegó el día de partida de Sens hacia su isla y no conseguimos una cámara de video para documentar la acción. Fue una pena pero finalmente la acción la realizamos días después por el centro financiero y comercial de la ciudad. Pohyo, Seimiek y yo empezamos la performance en la Plaza de Armas rumbo a las calles peatonales. Los trajes nos cubrían todo el cuerpo y en la cabeza llevábamos máscaras de cartón y tela con las que nos abrasábamos, sólo hay que pensar el verano en una ciudad con tanta contaminación y donde hay uno de los agujeros de la capa de ozono. ¡No hay protección de los rayos dañinos y la gente se pone crema de protección solar factor 50 sólo para salir a la calle! Bailamos, asustamos a los yuppies y jugamos con los niños que nos fuimos encontrando, la acción acabó con una batalla de breakdance en una especie de escenario en otra plaza.

Melón con vino blanco en el guetto

Otro día pintamos en un ghetto donde nos encontramos con Nast y Toz de los Ñokokids entre otros escritores locales. Allí pude probar el melón con vino blanco que fuimos rulando continuamente entre los asistentes. En un rato la pared estaba llena de gente del barrio que venía a ver que pintábamos, todo muy familiar.

Uno de los mejores barrios para pintar y dónde se encuentran obras de Vasko o los Ayslap [2x1] que pintan literalmente wildstyles a rodillo y pintura plástica, es el de Bellavista.
Me causó curiosidad ver que Santiago estaba bastante bombardeada por dos siglas “GR”, pero hechas como si fueran las de Gorilla Biscuits, me dijeron que eran los Garra Blanca unos hinchas de fútbol. También están bastante castigados los buses que allí llaman las micros y que son una mafia. ¡Cada día les hacíamos ofertas a los conductores para viajar más barato y aceptaban! Algunos bombers me comentaban que la micro era como el metro para nosotros y por eso las pintaban porque circulan. Pero la curiosidad es que ellos también tienen metro, pero es intocable; en cada andén hay un policía. Y te cobran más caro el billete en las horas punta. Pude comprobar que había chicas que bombardeaban micros y también la calle como Macka que no lleva mucho tiempo pero pinta de todo.

Valpo Rap Tour

La última ciudad por visitar fue Valparaíso en la costa del Pacífico. Hermosa ciudad portuaria y con los mejores cerros que recuerdo haber visto. La ciudad parece anclada en el pasado, el urbanismo tiene pinta de los años 40’s o 50’s, casitas de colores y otras de chapa hechas a mano, los laberintos de callecitas en los cerros contrasta con los edificios más nuevos en la parte baja.
El Valpo Rap Tour lo emprendí junto a Fumakaka Crew y Pohyo, con los cuales pinté en los lugares más impensables: desde el cerro alegre hasta el centro cultural ex cárcel, una antigua prisión reconvertida en centro creativo y donde saboreamos a precios populares comida “mapuche”, cocinada por una mujer india muy interesante.

No puedo terminar este diario de viaje sin mencionar uno de los grandes descubrimientos de este viaje: el mixer. Me llamó la atención ver que en Chile tenían los envases de spray Montana bastante petados, como si hubieran sufrido varios overkills. La razón era que cuando se les terminaba el “original” rellenaban el cadáver [envase] con otros colores diferentes. Cogen un bolígrafo “Bic” cortan la parte trasera que tiene el mismo diámetro que el orificio donde metes el cap y lo utilizan de mezclador. Sacan el poco gas que le queda al cadáver e insertan el mixer con el cual hacen la transfusión. La cuestión: con 3 o 4 botes tienen muchos y originales colores. La necesidad desarrolla el ingenio no hay duda.

SURAMERIKA TOUR
Latex, Pixos, Mixers
Zosen para Upper Egypt Series Zine

Sao Paulo, Die cement

The journey begins at the Barcelona airport for an early winter, with a stopover in Amsterdam and headed to Sao Paulo. I arrive with my hand luggage. Good start! The shopping cart with which travel is always lost on the road. They come to pick Edú who works in the gallery Choque Cultural and Fefe Talavera who share exposure. This journey began with a single destination: Sao Paulo, but started to appear around the same time events in other cities in South America and could not miss the opportunity to meet with my people.

In Brazil are prepared in this period of January to the World Cup and there are still many months to start but in the cities football advertising is everywhere. The first days were spent working hand in hand with Fefe in the Gallery "culture shock." It was a very positive experience we had in the distance collaborations via the Internet, but it was the first time we worked together in real time. It works very well although a little more preparation time would have been a little full! The expo was about on the Day of the Dead in Mexico is celebrated on November 1 and where people remember those who are no longer so cheerful and festive, with food made altars, offerings, bread of the dead, the mythic calaveritas sugar with the name of the deceased, processions to the cemeteries and much more.

Fefe is the daughter of Mexican and has a great influence of the folklore of the land of their fathers, as I too am interested in all this imagery, we will do something together, and emerged "The muertitos sleep juntitos. Clash in the installation of painted walls, put our boxes muertitos, filling the ceiling with paper flags china, paintings, works on paper, we made an altar at the entrance to greet the staff.

Choque Cultural Gallery Alternativa

Baixo coordinates the area of "Culture Shock," a gallery quite open and unconventional, as there is room for all types of projects. The publicity work of performing artists from many graffiti is very important because they provide the opportunity to work in other formats such as prints and limited edition serigraphs produced. Artists such as Herbert, Vitcho, Never, tickets, etc.. Have his prints for sale in shock. I was quite amazed to see the level and quality of works on paper by these artists, many others known in Europe but not so strong and there is a lot of talented people who had not yet had the opportunity to show how much may break.

Young people as never in his aboriginal pieces, bombers Coyo, colorful murals of Duck, Zezao of sinuous forms that emerge from the sewers and tunnels under the asphalt, the character of Onesto, the Binh wildstyles also makes the magazine "3rd world", Titi Freak yo-yo champion and a great artist with a very personal design, with its lines Kboco abstract and figurative mutant, there is a lot more people doing interesting things but we have to go there to discover the spot I recommend it. As a last reference to appoint another representative of the old school with a great technical and stylistic variety: spet.

The Grafiteria

Another interesting exhibition is "Grafiteria", coordinated by urban artists, and where at this time open up a sample of his work two good friends: Adam Neate and Waleska Nomura, "Spreading the Love and Expanding the Mind." The inauguration is a unique event: girls with pink wigs "fluoride" as dolls and outfits give heart-shaped balloons, You are the Ladylove! In another room is the DJ and there are snacks like crackers and sweets rather peculiar, refreshing "guarana" and beer. Waleska congratulate one with his brother Tinh representative of the old school, there are also other members of the Clan Nomura. There is considerable public success there gathered a bunch of writers. We are painting the next day with Os Gemeos and Ise store that carries Grapixo and is one of the most active writers.

Sunday is the day to paint in Sao Paulo, there are so many people down the street and everything seems more relaxed. Ise tells me that in a normal Sunday average pieces that are painted, seven, Seven pieces! Well not with murals and productions bottom roll "Hall Of Fame" but the theme is to paint, paint!!

We must consider that the paint spray worth 2 or 3 times more than in proportion to the level of life there, therefore it has developed a paint supertécnica plastic material there called "LATEX. The latex is used for anything: fill, depth, tags ... The spray is used just for a few strokes and effects. The use of rolinho [roller] are masters. Much of the pixos [sort of tag] are made with rolinho.

Typography Paulista

The writing is pixaçao par de Sao Paulo, and from there back to the 80s in its origins. They say comes from the influence of the types shown in the album covers of heavy metal music, punk and trash; letters with vertical lines and close as the buildings of the city.

It is hard to see how the pixaçao Sampa has been developed in [São Paulo] and has influenced many writers around the world, especially Europe. Surely the majority of pixadores from the slums do not know how far it has come their way. The pixaçao dominates every corner of the city, there is almost done with marker tags is as large as the scale of this concrete jungle that the roller is what rules. Nor are many European-style tags or yankee, paulista graffiti style is original and has developed a New York without looking at its near-total majority. I loved it, freshness, originality, and with few resources. There are a lot of people looking characters, mutant animals and figures, much more than in other cities in the world. I also have a style to make the throw-ups quite original and almost always painted with latex! The roller is used terrain: blinds, wood, metal, etc. The city was bombed but it is very large [there are about 40 million people] who never finished.

Sunday is the Lord's Day

Fefe and I are in the neighborhood with Cambuci Gemeos, Nina, Ise Glue and a friend of Sweden which takes several days painting without stopping, even made top to bottom on the subway next to local artists. Come in two cars to get to various points in the city. Lele also adds to photograph her nude self-portraits in inhospitable places and then printed and pasted on the street. Painted on a road just below a major highway unfinished building, the walls are white to begin with. Afterwards the pieces are styles to suit all tastes. We make two or three more and find another spot. Starts raining and we stopped to eat something. Then we come to depicting an old market still functioning, full of ramshackle trucks and people who do not understand that painting there. Move some furniture to intervene across the wall, and the typical heavy one wants to spray paint the wheels of his truck. We ended the session with some parts in full motorway and has been hiding the sun.

This Sunday night we go to dinner at a Japanese, the city is full of Asian restaurants as there are enough "Cologne" Japanese. Waiting for a friend for lunch scared us by saying that he just rob. If at night and stop the car at a traffic light near a favela, or neighborhood near you is likely stolen. Not a hair cut, give a punch to the window of the pilot, operates and loot bag or whatever you have to hand over, nor whole; that same happened to the girl.

The inauguration of Muertitos

The January 20 inauguration of our exhibition "The muertitos sleep juntitos" in Culture Shock, which come several generations of artists: old school, new school and some pixadores. I was very impressed by the good roll that between all the people's movement, like a big family. Normally there is always rivalry between the people and problems of graffiti and Sao Paulo is a very violent city but the people painted on the street is often observed and that is quite admirable. The competition is not who but who rejects who paints higher, people are looking for space to write, so big that the city is crossed out is nonsense. Compared with the city's inhabitants could be said that Sao Paulo does not look much but the people who paint are very active. The pixadores scale buildings as if they were spiders, all places are good for pixar, sometimes doing three or four towers and the people above wrote. Literally the sky is the limit. The pixaçao is not hip hop so the other codes are a reproach and nobody Pixo, but hardly looks or old. For the pixadores normally do not like graffiti or street art, they just write. One of them told me that our show did not like much, it seemed that some paintings were demonic.

We closed the gallery and go to the corner bar after the session beer [to be drink water like it was] just a-dub reggae Soundsystem pretty good. He did not say that the sound away from these latitudes is funkycarioca, original product of Brazil. A kind of funky-electro-freestyle with lyrics too hot roll a "2 Live Crew" Brazuca to imagine that the high temperature.

Mi Buenos Aires querido

For me the dismissal of Sampa road towards Buenos Aires. The first night the bus a click wheel that can not change and I have to wait for another bus in the middle of the forest and a kind of fog. After a day or so came to my beloved Buenos Aires. Here I am again with Glue that has been painting a few days, together we will store in Montana Colors Avenida Cabildo. For over fifteen years since we returned to town and I hit the brutality of the outdoor advertising to American style, just consume too much! There is enough visual pollution, it was not so before.
At the store to select colors that will display in the Club Arcos. With the support of Montana Colors Barcelona Gabriel and distributor in Argentina we have all the available material. Sex [the child of the paintings] were also traveling through there and went through the paint shop getting painted with the various centers of the city.

That afternoon I went to the Hall Of Fame Maia de Saavedra, was painted Maze, Abse and Teko, there were a lot of wall pieces resisted even in high places of the Vitcho Gemeos and'97. People look up to where there comes the arm, do not use large steps, in this respect are somewhat vague, if you gigs and pints high in Buenos Aires You can trust that your work will last.
The city was bombed by political murals made with lime, when I say political, I mean "political candidates" and it is election propaganda. Often the best cover spots, is advertising. Reach all the points possible for painting. I tried to paint over one of them and the white of the lime I ate all the color.

It is rare to see that a city as populated tag is not bombed, but phrases policies. Many of the tags that I found were from people outside INS type of Madrid, Barcelona Xupet Flan and the Germans "treneros", although there was a local group that I do not remember his name as much bombarded with fat chap.

Remember Old Times

The exhibition was organized in an indoor club, but it opened its roof and you could see the stars, there came some of my cousins. There was hip hop concerts, acted Alika [former singer Actitud Maria Marta] and VJs. The atmosphere transported me thirteen years ago the expansion of jams, yet many media. It happened all, even writers struggle, very ugly. In the exhibition of graffiti participate Glue, Chaz London Police who was also on tour, and Martin Dano of DSR Crew and some more kids, all very wildstyle. After the feast, and by day, we walked through the forests of Palermo until Plaza Italy and Germ Zostor with two colleagues from Gerona worn by South America and a few months. Bombed a little Santa Fe Avenue at a stoplight and I saw the police entering the marker, exchanged glances and everything continued as if nothing happened, there are other issues far more important in the city, graffiti certainly is not.

A few hours later we are close to the River stadium for painting in a square. There were people from Germany, Sweden, Spain and the premises. In an area not too big a lot of people paint all apelotonados, but the wall was quite high and no one rose. On another wall of the plaza had a height that Shas should take more than six or seven years there. Glue and I just paint the top.
On Sunday, the heat makes all the capital they can go to the pool [pool], near a park in Chacabuco Germ paint, and I Zostor. There was a policeman guarding the neighborhood who came to see what we come up and even painted pictures with him. I painted a piece remembering against forgetting the thirty years since the military coup was a few days had kept that date and the Mothers of Plaza de Mayo had a great act.

The route through the Villa Miseria

Gone are the days in Buenos Aires and leave by bus to Santiago, Chile, before passing through Mendoza. At 50 kilometers off the capital a few kids with gomera [catapults] the windows of the bus burst into motion. Younger children begin to mourn for the heavy impact, I thought it was an explosive and a woman begins to scream not stop the bus as this tactic is used so that in the middle of the road you come to steal trucks and carried to all. We stopped a little later at a gas station, where we clean the windows and put cardboard in order to continue the journey towards the Andes. Crossing the road is spectacular mountains, and especially at dawn.

Meeting Of Styles Chileno

Pohyo me out in Santiago, Seville and Bimbo of Laguna de Almagro. Relentlessly go directly to the display of the "Meeting of Styles" Pohyo hosted by the Museo Nacional de Bellas Artes. This event is a gathering of Latin American artists who came from Peru, Argentina, Spain and the local children. Several styles of hand Shonis, Nerf Pier and Buenos Aires, the tribe of Peru Fumakaka with Seimiek, Nafer, Bear and Becky, and Inti Charquipunk Valparaíso Delacalle, 78, and Nast Pohyo Santiago, Bimbo, Laguna and I . But the revelation of the event was SENS, a child of 15 years who sold his bike to come from the island of Chiloé where urchins breeding ground. The boy named the child frik making styles came and went painting virgin "skull." He learned a lot by being with people from other cities and other realities.

These days I lived next to the Sens, Fumakaka family, and Pohyo Pier at camp each night where Kukamonga had brainstorming and experimental workshop. By checking the desire to do things frik child that he had never left the island we decided to make a procession through the city dressed as mutants. We spent the time in camp preparing costumes but arrived the day of departure from Sens towards their island and did not get a video camera to document the action. It was a penalty but ultimately the action is done days later by the financial and commercial city.

Pohyo, and I started Seimiek performance in the Plaza de Armas to the pedestrian path. The costumes we covered the entire body and head masks carried cardboard and cloth abrasábamos we only have to think the summer in a city with so much pollution and where there is one of the holes in the ozone layer. There is no protection from harmful rays, and people put sunscreen factor 50 just to go to the streets! Dance, scare the yuppies and play with the kids we went to find the action ended with a breakdance battle in a kind of stage in another place.

Melon with white wine in the ghetto

Another day, painted in a ghetto where we Nast and Toz Ñokokids of local and other writers. There I try the white wine with melon rulando we were continually among the attendees. In a while, the wall was full of people from the neighborhood came to see it painted, all very familiar.
One of the best neighborhoods to paint and where to find work or Vasko Ayslap [2x1] wildstyles that literally paint and plastic paint roller is to Bellavista.

I am curious to see that James was pretty bombed by two initials "GR", but made as if they were those of Gorilla Biscuits, who were told about the Garra Blanca football fans. They are also punished enough buses called micros there and they are a mafia. Each day they'd offer the drivers to travel cheaper and accepted! Some told me that the bombers was like micro meters for us and this is why because circulation painted. But curiosity is that they have meters, but it is untouchable in every platform there is a policeman. And you pay most expensive tickets during peak hours. I could see that girls who had bombed buses and street Macka which does not have much time but looking around.

Valpo Rap Tour

The last visit was Valparaíso city on the Pacific coast. Beautiful port city with the best that I can recall seeing hills. The city seems anchored in the past, town planning has portrayed the 40's or 50's, colorful houses and other hand-made plate, the labyrinth of streets in the hills, in contrast to the newer buildings at the bottom.

The Valpo Rap Tour began with what Fumakaka Crew Pohyo and with whom I painted in the most unthinkable, from the merry hill to the former prison arts center, a former prison turned into a center where creative and popular flavors of food prices "mapuche "cooked by a woman india very interesting.

I can finish this diary of a trip without mentioning the great discoveries of this journey: the mixer. I noticed that in Chile the packages were quite petados Montana spray, as if they had suffered several overkills. The reason was that when I finished the "original" stuffed the corpse [container] with different colors. Grab a pen "Bic" cut the back of the same diameter as the hole where they put the cap and use it for blending. Take your little gas he has left the body and insert the mixer with which make the transfusion. The question: with 3 or 4 boats and have many original colors. The need develops talent no doubt.

NADIA Y OSCAR (ARKESTRA.NET) / Dub Poetry

2009-06-03T14:51:00.001-07:00

DUB POETRY
Word Sound & Power
texto por Nadia Lamarca Gómez y Oscar F. Pallares (ARKESTRA.NET)
para Upper Egypt Series Zine

Para entender la Dub Poetry y su porqué es necesario conocer básicamente el contexto cultural en que ésta se produce y desarrolla, ya que es un género que la mayoría de las veces la protesta contra la situación social que vive el jamaicano y en general el caribeño.

Es importante aclarar que en la población caribeña todos los grupos raciales se encuentran en una situación de exilio ancestral [prácticamente no existen caribeños "nativos"]; esta característica es fundamental para comprender su mentalidad, que ha estado siempre influenciada por una sensación de pérdida de identidad que podríamos definir como crónica.

Aunque por otra parte, y como aportación positiva, es destacable la existencia de un sincretismo -cultural, religioso, lingüístico- de tradiciones [europea/ africana/ asiática] que conforma la identidad antillana, convirtiéndola en única y especial. Pese a todo, es inevitable un sentimiento de desplazamiento, de no saber a qué lugar se pertenece, de ser de muchos sitios y a la vez de ninguno. Es interesante ver cómo el lenguaje refleja esta situación: las lenguas criollas son una mezcla de varios idiomas totalmente diferentes [por lo general un dialecto africano con inglés, francés, español y portugués] y creadas por los esclavos como forma de comunicación, tanto con los "masters" como con otros esclavos de distintos grupos lingüísticos.

Las lenguas criollas [o patois] pasaron de ser la lengua del pueblo ignorante a convertirse en un instrumento de lucha, de recuperación de una identidad propia arrebatada mucho tiempo atrás por los colonizadores, en una demostración de orgullo cultural y de rechazo a las imposiciones del control opresivo de la metrópoli. Esto es particularmente visible en el movimiento Rastafari jamaicano, y es el lenguaje perfecto para la poesía dub, género combativo por excelencia.

La poesía dub o dub poetry emerge con los movimientos nacionalistas tras la independencia de Jamaica en 1962, y está sobre todo influenciada por el rastafarianismo y por el "black power" de los 70. Consiste básicamente en versos cantados o recitados sobre una instrumental reggae-dub, jazz o nyabinghi [música espiritual proveniente del rural jamaicano, rica en bajos y percusiones]. Pero la poesía dub también puede perfectamente ser cantada o recitada "a capella", puesto que posee un ritmo interno que la hace inconfundible: los ritmos reggae siempre están presentes, haya o no una banda musical de fondo. La dub poerty nació en Jamaica con autores como Oku Onuora, Michael Smith o Mutabaruka, pero pronto saltó a Inglaterra, siendo acogida con gran éxito como perfecto vehículo para transmitir las ideas y protestas del colectivo emigrante, harto de dos décadas de discriminación racial, desempleo y brutalidad policial. Linton Kwesi Johnson, estandarte de este género literario-musical, abrió el paso a una segunda generación de autores, tanto en Jamaica e Inglaterra como en Canadá, que incluye a grandes y a veces desconocidas figuras como Jean "Binta" Breeze, Benjamín Zephaniah o Lillian Allen, entre otras.

LINTON KWESI JOHNSON [1952]

Es el poeta dub más conocido a nivel internacional y toda una eminencia literaria fuera de nuestro país. Nacido en el rural de Jamaica, emigró a Inglaterra con 11 años, donde recibió educación secundaria y universitaria. Durante su juventud perteneció a los Black Panthers, siendo en esta etapa cuando descubrió la literatura negra, y comenzó a desarrollar su trabajo junto con un grupo de percusionistas y poetas denominados “Rasta Love”.

Su activismo, tanto político como literario, en una época de caminos vetados para la expresión artística negra, desembocó en la publicación en 1974 de su primer libro de poemas, Voices of the Living and the Dead. Pero fue al año siguiente cuando fue editado su trabajo más conocido, Dread, Beat and Blood, que asimismo sería el título de su primer LP [Virgin, 1978]. Este trabajo no deja indiferente a quien lo escucha: es una llamada a gritos a la rebelión, un disco cargado de mensaje político y social que se inspira en los problemas de la comunidad emigrante en la Inglaterra de los 70. Es muy importante mencionar como hecho destacado los disturbios que en 1976 y 1980 tuvieron lugar en Bradford y Brixton, respectivamente, provocados por la precaria situación de los inmigrantes que, junto con la extrema dureza policial, convirtieron estos enfrentamientos en una verdadera guerra. Muchas canciones-poemas en este disco describen explícitamente los hechos acontecidos durante estos disturbios, por ejemplo "Five Nights of Bleeding" o "All We Doin Is Defendin", crudos relatos de la violencia y el horror vividos, un reconocimiento a las víctimas y una invitación a la rebeldía contra el sistema opresor. Otros poemas como "It Dread Inna Inglan" describen la situación política y social bajo el gobierno conservador británico de una manera más general, denunciando la escasez de recursos y discriminación de los "súbditos" llegados de las antiguas colonias.

Es imposible comprender del todo el significado de la obra de Linton Kwesi Johnson sin hacer especial hincapié en el lenguaje utilizado: el criollo no aparece aquí como resultado de analfabetismo o de pertenencia a una clase baja, sino como un instrumento de reafirmación de identidad, significa el desprecio de la lengua inglesa estándar, considerándola como un método más de control e imposición por parte de la potencia colonizadora y, por otro lado, destaca la herencia africana como rasgo innegable de la cultura jamaicana, no sólo en el lenguaje, sino también en otros aspectos, como en la relevancia de la tradición oral frente a la tradición escrita, más propia del mundo occidental colonizador. Aunque el criollo era ya la lengua del pueblo en Jamaica, fue el movimiento Rastafari el que dotó al lenguaje del significado subversivo que hoy en día posee. Es evidente que el rastafarianismo ha influido sobremanera en la cultura jamaicana así como en sus principales exponentes artísticos y aunque Linton Kwesi Johnson no pertenece a este colectivo es indudable el influjo rasta en su herencia cultural y en su visión del mundo.

En 1980 se publicó su tercer libro, Inglan is a Bitch, y a éste siguieron cuatro discos más con el sello Island: Forces of Victory [1979], Bass Culture [1980], LKJ in dub [1981] y Making History [1983]. En 1981 creó su propio sello discográfico, LKJ Records, y a lo largo de esta década se involucró en el periodismo, trabajando con el colectivo Race today, e incluso hizo un programa de radio sobre la música popular jamaicana en la BBC; todo ello sin apartarse de los escenarios y a la vez produciendo, junto al famoso bajista Dennis Bovell, álbumes y singles a otros artistas como Jean "Binta" Breeze o Michael Smith.

En los 90 editó Tings an Times [1991] y LKJ in Dub: Volume Two [1992] entre otros trabajos y siempre con LKJ Records. Linton Kwesi Johnson es un artista prolífico y polivalente que sigue trabajando hoy en día, siendo su última entrega el DVD LKJ Live in Paris with the Dennis Bovell Dub Band [2004]. Su punto de vista, en un principio enfocado exclusivamente en los problemas que le rodeaban de forma más cercana, se ha ido abriendo paulatinamente y su poderosa crítica sociopolítica ha evolucionado hasta alcanzar una cobertura más bien global.

OKU ONUORA [1952]

Algunos le consideran el primer dub poet, una leyenda debido a su temprano activismo social en Jamaica: a los 19 años asaltó una oficina de correos a mano armada para conseguir dinero para la fundación de una escuela comunitaria, por lo que estuvo en prisión siete años [después de escaparse dos veces y recibir hasta cinco disparos], y este hecho le dio una fama local y aún hoy es bien recordado. Mientras estaba en la cárcel tuvo la ocurrencia de leer poesía con una banda reggae tocando tras él, y la iniciativa no sólo tuvo una excelente acogida en Jamaica, sino también en Brixton [Inglaterra], lo que desembocó en el género de la dub poetry. Su primer libro de poemas fue confiscado por los oficiales de la prisión, pero se las arregló para publicarlo en el exterior, lo que hizo crecer aún más su reputación.

El encarcelamiento no menguó su carácter disidente y revolucionario, y cuando salió en 1977 continuó desarrollando la dub poetry, y aunque su calidad no es comparable a la de Linton Kwesi Jonson y Mutabaruka, se le considera junto con éstos uno de los padres de este género. Su sonido experimental incorpora, además del roots-reggae, jazz, funk, rock y ritmos africanos. Algunos de sus trabajos discográficos son Pressure Drop [Zola & Zola, 1984], que es todo un clásico, New Jerusalem Dub [Roir, 1990], I aTell: Dubwize & Otherwise [Roir, 1990] o Bus Out [Zola & Zola, 1990].

MUTABARUKA [1952]

Allan Hope, Mutabaruka, es el poeta dub jamaicano más famoso, un personaje revolucionario que fue influenciado desde su adolescencia en los 60 por el movimiento del Black Power y las palabras de sus líderes [como Malcolm X].

En 1973 se convirtió al rastafarianismo y adoptó el nombre de Mutabaruka, que significa "el que siempre es victorioso"; de esta época, en que ya llevaba varios años escribiendo, datan sus primeros intentos de combinar sus palabras con música. Tras la publicación de dos libros de poemas, en 1977 dio varias actuaciones y al año siguiente grabó una versión de su poema "Outcry", lo que le dio fama nacional. Pero fue su intervención en el Reggae Sunsplash Festival de 1981 lo que le lanzó a la escena internacional. En 1983 grabó su primer LP, Check It [Ras], aunque su mayor éxito fue The Mystery Unfolds [Sanachie, 1986]. Sus poemas y canciones hablan de la historia del pueblo negro, la identidad, la liberación y, aunque también trata la temática amorosa, su obra es en general combativa y protesta contra la pobreza, la colonización, el racismo y el clasismo e incluso a favor de la defensa del medioambiente.

BENJAMIN ZEPHANIAH [1958]

Su nombre completo, Benjamin Obadiah Iqbal Zephaniah, es a la vez cristiano, judío y musulmán, algo que siempre le ha llenado de orgullo y que tiene que ver con sus ideales a favor de la igualdad entre las personas. Benjamin Zephaniah, que pertenece ya a la segunda generación de la dub poetry, nació en Birmingham [Gran Bretaña], y ya en su temprana adolescencia comenzó a crear poemas. Tras hacerse conocido entre la comunidad negra de su ciudad natal, a los 22 años se trasladó a Londres movido por una irrefrenable necesidad de ser escuchado y de transmitir su mensaje a más y más gente. Su obra está profundamente influenciada por la música y poesía jamaicanas y por lo que él mismo llama "street politics" [política callejera].

Es un escritor sumamente concienciado con la lucha contra el racismo, la polución, a favor de la igualdad entre hombres y mujeres y los derechos de los animales [de hecho es un estricto vegetariano], y preside o colabora con numerosas fundaciones humanitarias.
Sus ansias incombustibles de extender su palabra por el mundo le han llevado a abarcar varios y diversos campos, desde el cuento infantil, el teatro o la novela hasta el periodismo, e incluso ha aparecido varias veces en televisión: lo que algunos definen como "maistream" es para él su forma de ser escuchado por un mayor número de personas.

Hoy en día, es uno de los dub poets más famosos [por supuesto sin olvidar a Linton Kwesi Jonson], sobre todo por su facilidad de palabra y su cercanía con la audiencia en el escenario, conseguida gracias a su gran sentido del humor: es un maestro de la parodia, por ejemplo en el poema "Terrible World", parodiando la famosa "Wonderful world" de Louis Armstrong, o "I Have a Scheme" un guiño al más conocido discurso de Martín Luther King. Su fama ha llegado hasta tal punto que en 2003 la reina Isabel II le otorgó el "honor" de convertirse en "Oficial de la Orden del Imperio Británico" [OBE] por su aportación a la literatura inglesa, invitación que Benjamin Zephaniah declinó públicamente en forma de artículo en el periódico The Guardian, argumentando que no podía olvidar los cientos de años de brutalidad sufridos por sus antepasados a manos del Imperio.

Como buen poeta dub, desde siempre Benjamin Zephaniah ha recitado su obra ante una base musical reggae, de hecho fue el primero en grabar en Tuff Gong con The Wailers tras la muerte de Bob Marley [Rasta, Upright Records, 1983], en un tributo a Nelson Mandela. Su discografía más reciente está conformada por los álbumes Back to Roots [Acid Jazz, 1995], Belly of the Beast [Ariwa, 1996], producido por Mad Professor, y su último trabajo, Naked [One Little Indian, 2004], en el que se ha interesado por otros sonidos como la electrónica [trip-hop, drum ´n´ bass,...], pero sin cambiar en absoluto la esencia del verdadero Benjamin Zephaniah.

JEAN "BINTA" BREEZE [1957]

La poesía dub fue inicialmente creada y desarrollada como un proyecto masculino: la atmósfera patriarcal no prestaba oídos a las mujeres, y menos aún a aquellas que trataban de seguir una militancia [política, artística o de cualquier otra índole] que significara salir de los ámbitos hogareños, sino que éstas se encontraban con grandes problemas de rechazo o eran simplemente ignoradas. Algunas, como Jean "Binta" Breeze, tuvieron que abandonar la isla para poder desarrollar su arte. Pero Jean Breeze no sólo consiguió hacerse un nombre como la primera poetisa dub [de esta manera allanando el camino a posteriores autoras], sino que fue más lejos, defendiendo la postura de que la dub poetry no debía ceñirse exclusivamente a los ritmos reggae y a la protesta política, debía ampliar sus horizontes como algo imprescindible para prolongar su vida. Es lo que se ha llamado "meta-dub", también practicado por otros artistas como Mutabaruka.

Desde que Jean "Binta" Breeze se estableció en Inglaterra [animada por Linton Kwesi Jonson] no ha parado de actuar por todo el mundo no solamente como dub poet, sino también como actriz, coreógrafa y dramaturga. Su temática es también variada, con poemas más meditativos e intimistas que incluyen también anécdotas y recuerdos de su vida, aunque por supuesto la protesta social está presente, pero de una forma más indirecta y menos violenta y concentrándose en el aspecto psicológico.

LILLIAN ALLEN [1951]

Canadá posee la segunda mayor concentración de dub poets, siendo la primera Jamaica y la tercera Inglaterra. Lillian Allen es la representante más famosa de esta comunidad a veces más olvidada, y que también incluye otros grandes artistas como Afua Cooper o Ahdri Zhina Mandiela. Lillian Allen se ha interesado también por temas como la diversidad cultural y el arte en la educación, y además de grabar discos y escribir libros de poemas ha producido obras de teatro y co-producido y co-dirigido el documental "Black Wi Black...", que trata sobre el jamaicano Mutabaruka.

CONCLUSIÓN

En este artículo hemos intentado describir de la forma más sencilla posible el complejo universo de la dub poetry. Por supuesto no hemos hablado de la totalidad de los representantes de este género, nos hemos dejado a grandes artistas en el tintero: Mickey Smith, Mbala, Clifton Joseph, Ras Sam Brown, Cherry Natural, Michael St.George y un largo etcétera que, a pesar de ser menos conocidos, aseguran con su trabajo una larga vida a la palabra, el sonido y el poder.

BIBLIOGRAFÍA

Tings an Times, Linton Kwesi Johnson, Bloodaxe, 1991

Propa Propaganda, Benjamin Zephaniah, Bloodaxe, 1996

The Empire Writes Back: Theory and Practice in Post-colonial Literature, B. Ashcroft, G. Griffiths, H. Tiffin, Routledge, 1989.

DUB POETRY
Word Sound & Power
words by Nadia Lamarca Gómez & Oscar F. Pallares (ARKESTRA.NET)
for Upper Egypt Series Zine

To understand the Dub Poetry and basically why it is necessary to know the cultural context in which it occurs and develops, as it is a genre that most of the time the protest against social conditions experienced by the Jamaican and the Caribbean in general.

It is important to clarify that the Caribbean population in all racial groups are in a situation of exile ancestral [Caribbean there are virtually no "native"]; this feature is essential to understand their mentality, which has always been influenced by a sense of loss identity might be defined as chronic.

While on the other hand, as a positive contribution, it is noteworthy that there is a syncretism, cultural, religious and linguistic traditions [European / African / Asian] identity that shapes the West, making it unique and special. Nevertheless, it is an unavoidable sense of displacement, of not knowing what place you belong, where many sites and instead of none. It is interesting to see how language reflects this situation: the Creole languages are a mixture of several different languages [usually an African dialect with English, French, Spanish and Portuguese] and created by slaves as a form of communication both to "masters" with other slaves from different language groups. Creole languages [or patois] went from being the language of the ignorant to become an instrument of struggle, reclaiming its own identity snatched away long ago by the colonialists in a show of cultural pride and rejection of the impositions of oppressive control of the metropolis. This is particularly visible in the Jamaican Rastafari movement, and is the perfect language for poetry dub, combative genre par excellence.

Dub dub poetry or poetry with the nationalist movements emerge after Jamaica's independence in 1962, and is mainly influenced by Rastafarianism and the "black power" of the 70s. Basically consists of verses sung or recited on an instrumental dub-reggae, jazz or nyabinghi [spiritual music from the rural Jamaican, rich bass and percussion]. Dub poetry but also may well be recited or sung "a capella", since it possesses an internal rhythm that makes it unique: the reggae rhythms are always present, whether or not a banda musical background. The dub was born in Jamaica poerty with authors such as Oku Onuora, Mutabaruka and Michael Smith, but soon jumped to England, being received with great success as a perfect vehicle for conveying ideas and protests of the migrant group, tired of two decades of racial discrimination, unemployment and police brutality. Linton Kwesi Johnson, this standard of musical genre, opened the way to a second generation of authors, both in Jamaica and England as in Canada, which includes large and often unknown figures like Jean "Binta" Breeze, Lillian and Benjamin Zephaniah Allen, among others.

Linton Kwesi Johnson [1952]

Dub poet is more known internationally, and a literary eminence outside our country. Born in rural Jamaica, emigrated to England in 11 years, where he received secondary and university education. During his youth belonged to the Black Panthers being at this stage when he discovered black literature and began its work with a group of poets and drummers called Rasta Love. "

His activism, both political and literary, at one time banned from roads to black artistic expression, leading to the publication in 1974 of his first book of poems, Voices of the Living and the Dead. But it was the following year when it was published his best-known work, Dread, Beat and Blood, which is also the title of his first LP [Virgin, 1978]. This work is not indifferent to who is listening: it is a call to scream at the revolt, an album full of political and social message that is inspired by the problems of the migrant community in England of 70. It is very important to highlight as the disturbances in 1976 and 1980 took place in Brixton and Bradford, respectively, due to the precarious situation of immigrants, along with the extreme hardness police, the clashes turned into a real war. Many song-poems in this record explicitly describe the events during these disturbances, such as "Five Nights of Bleeding" or "All We Doin Is Defendin, raw stories of violence and horror experienced a recognition of the victims and a invitation to revolt against the oppressive system. Other poems like "It Dread Inna Inglan" describes the political and social situation under the British Conservative government in a more general, denouncing the lack of resources and discrimination against the "nationals" who came from former colonies.

It is impossible to understand fully the significance of the work of Linton Kwesi Johnson without specific emphasis on the language: Creole not listed here as a result of illiteracy or membership of a lower class, but as a reaffirmation of identity, it means contempt of the English language standard, considering it as a method of control and imposition by the colonial power and, second, the African heritage stands out as an undeniable feature of the Jamaican culture, not only in language but also in other aspects such as the relevance of oral tradition versus written tradition, more typical of the western world colonizer. Although Creole was the language of the people already in Jamaica, was the Rastafarian movement that gave meaning to the language of subversive now possesses. It is clear that in about Rastafarianism affected Jamaican culture and in its leading exponents of art, and Linton Kwesi Johnson but does not belong to this group is undoubtedly the Rastafarian influence on its cultural heritage and its vision of the world.
In 1980 he published his third book, Inglan is a Bitch, and it continued four more albums with the label Island: Forces of Victory [1979], Bass Culture [1980], LKJ in dub [1981] and Making History [1983]. In 1981 he created his own record label, LKJ Records, and throughout this decade has been involved in journalism, working with the Race Today collective, and even did a radio show on Jamaican popular music on the BBC, all without departing of the scenarios, while producing, with the famous bass player Dennis Bovell, albums and singles with other artists such as Jean "Binta" Breeze and Michael Smith.

In the 90 published Tings an Times [1991] and LKJ in Dub: Volume Two [1992] among other works, and always with LKJ Records. Linton Kwesi Johnson is a versatile and prolific artist who continues to work today, its latest DVD LKJ Live in Paris with the Dennis Bovell Dub Band [2004]. His point of view, initially focused exclusively on the problems around him so close, has been gradually opening its powerful sociopolitical criticism has evolved to achieve a more comprehensive coverage.

Oku ONUORA [1952]

Some regard him as the first dub poet, a legend because of his early activism in Jamaica: 19 years to a post office robbed at gunpoint to get money for the foundation of a community school, which was seven years in prison [after escaping twice and receive up to five shots], and this fact gave him a local celebrity and is still well remembered. While in prison had no better idea of reading poetry with a reggae band playing behind him, and the initiative was not only well received in Jamaica, but in Brixton [England], which led to the genre of dub poetry. His first poetry book was confiscated by prison officials, but he managed to publish abroad, which made his reputation grow even more. Imprisonment not abated as a dissident and revolutionary, when he left in 1977 and continued the dub poetry, and although their quality is not comparable to that of Linton Kwesi Johnson and Mutabaruka are considered along with their parent of the genus . Their experimental sound incorporates, in addition to the roots-reggae, jazz, funk, rock and African rhythms. Some of his recordings are Pressure Drop [Zola & Zola, 1984], which is a classic, New Jerusalem Dub [Roir, 1990], I Atella: Dubwize & Otherwise [Roir, 1990] or Bus Out [Zola & Zola, 1990].

Mutabaruka [1952]

Allan Hope, Mutabaruka, is the most famous Jamaican dub poet, a revolutionary character that was influenced from his adolescence in the 60's by the Black Power movement and the words of their leaders [such as Malcolm X].

In 1973 he converted to Rastafarianism and taken the name Mutabaruka, which means "who is always victorious" from this period, which had already been writing for several years, dating back to his early attempts to combine his words with music. Following the publication of two books of poems in 1977 and gave several performances in the following year he recorded a version of his poem "Outcry," which gave him national fame. But it was his intervention in the Reggae Sunsplash Festival 1981 which was launched on the international scene. In 1983 he recorded his first LP, Check It [Ras], although his biggest success was The Mystery Unfolds [Sanachie, 1986]. His poems and songs about the history of black people, identity, and liberation, but also addresses the theme of love, his work is generally aggressive and protest against poverty, colonialism, racism and classism, and even for the defense of the environment.

Benjamin Zephaniah [1958]

Your full name, Benjamin Obadiah Iqbal Zephaniah is both Christian, Jewish and Muslim, something that has always been filled with pride and that has to do with their ideals in favor of equality between people. Benjamin Zephaniah, who is now the second generation of dub poetry, was born in Birmingham [United Kingdom], and in his early teens began to create poems. After becoming known among the black community in his hometown, the 22 years he moved to London led by an overwhelming need to be heard and convey their message to more and more people. His work is deeply influenced by Jamaican music and poetry and what he calls "street politics" [political street]. A writer is very aware with the struggle against racism, pollution, to promote equality between men and women and animal rights [in fact it is a strict vegetarian], and collaborates with numerous chair or humanitarian foundations.
Their eagerness to expand its non-combustible floor for the world led him to cover several different fields, from the children's story, drama or novel to journalism, and has appeared several times on television: what some described as "maistream "It is his way of being heard by more people.

Today is one of the most famous poets dub [of course not forgetting Linton Kwesi Johnson], especially for its ease of speech and their closeness with the audience on stage, achieved thanks to his great sense of humor is a master of parody, for example in the poem "Terrible World", parodying the famous "Wonderful world" by Louis Armstrong, or "I Have a Scheme" a nod to the most famous speech of Martin Luther King. His fame has reached the point that in 2003 Queen Elizabeth II awarded him the "honor" of becoming "Officer of the Order of the Empire
UK [OBE] for his contribution to English literature, an invitation that Benjamin Zephaniah publicly declined in article in The Guardian newspaper, arguing that he could not forget the hundreds of years of brutality suffered by their ancestors at the hands of the Empire. As good dub poet, Benjamin Zephaniah has always recited his work at a reggae music, in fact was the first to record at Tuff Gong with The Wailers after the death of Bob Marley [Rasta, Upright Records, 1983], in a tribute to Nelson Mandela. discografia His latest album is made up of Back to Roots [Acid Jazz, 1995] Belly of the Beast [Ariwa, 1996], produced by Mad Professor, and his latest work, Naked [One Little Indian, 2004] , which has been interested in other sounds, such as electronics [trip-hop, drum 'n' bass ,...], but not in any way change the essence of true Benjamin Zephaniah.

JEAN "BINT" BREEZE [1957]

Dub poetry was originally created and developed as a male, the patriarchal atmosphere not listen to women, much less to those who tried to keep an active [political, artistic or otherwise] that would mean leaving the field home, but they faced major problems of rejection or were simply ignored. Some, like Jean "Binta" Breeze, had to leave the island to pursue his art. But Jean Breeze not only managed to name one as the first dub poet [that way paving the way for later authors], but went further, defending the position that dub poetry should not be confined exclusively to the reggae rhythms and political protest, should expand their horizons as something essential to prolong their life. This is what has been called "meta-dub," also performed by other artists such as Mutabaruka.
Since Jean "Binta" Breeze was established in England [animated by Linton Kwesi Johnson] has continued to act throughout the world not only as a dub poet, but also as an actress, choreographer and playwright. Its subject matter is also varied, with more meditative and intimate poems that also include anecdotes and recollections of his life, although of course this is social protest, but in a more indirect and less violent and focusing on the psychological aspect.

LILLIAN ALLEN [1951]

Canada has the second largest concentration of dub poets, the first of Jamaica and England third. Lillian Allen is the most famous representative of this community at times forgotten, and which also includes other big artists such as Afua Cooper Ahdri or Zhina Mandiela. Lillian Allen is also concerned by issues such as cultural diversity and arts in education, and in addition to recording albums and writing poetry has produced plays and co-produced and co-directed the documentary "Black Black Wi .. ., "which is about the Jamaican Mutabaruka.

CONCLUSION

In this article we have tried to describe as simply as possible the complex universe of dub poetry. Of course we talked about all the representatives of this genre, we have great artists left in the dark: Mickey Smith, Mbala, Clifton Joseph, Ras Sam Brown, Natural Cherry, Michael St.George and many more that despite being less known, ensures his work with a long life to words, sound and power.

BIBLIOGRAPHY

Tings an Times, Linton Kwesi Johnson, Bloodaxe, 1991

Propaganda spread, Benjamin Zephaniah, Bloodaxe, 1996

The Empire Writes Back: Theory and Practice in Post-colonial Literature, B. Ashcroft, G. Griffiths, H. Tiffin, Routledge, 1989.

AL JEROME / Gipsy Jazz

2009-06-03T14:29:00.000-07:00

GIPSY JAZZ
Melting Pot
texto por Al Jerome para Upper Egypt Series Zine

Dentro de la multitud de estilos musicales existentes, es dentro del jazz donde se encuentran una mayor variedad e influencia en la música moderna, debido a su riqueza musical y su difusión en la primera mitad del siglo pasado. En la música moderna, como en casi todas las épocas, existen muchos músicos y estilos desconocidos por el gran público, y dentro de éstos se encuentra uno de los más ricos en cuanto a sus raíces; el gipsy jazz, jazz manouche o gipsy swing. Este estilo debe su origen al mestizaje producido por los músicos americanos llegados a París y los músicos cíngaros y gitanos que allí vivían durante la segunda guerra mundial.

Se formó tanto en las chabolas y caravanas de los gitanos, de donde obtuvo uno de sus nombres [manouche es cíngaro o gitano en francés], como durante sus viajes, de los cuales se enriquecían de otras músicas y culturas como el flamenco y la música árabe.
De entre los primeros músicos pertenecientes a este estilo debemos destacar a uno entre todos; Django Reinhardt, guitarrista gitano-belga precursor de este estilo musical y uno de los mejores compositores y guitarristas de la historia de la música.

Django merecería un capítulo aparte porque, además de sus grandes composiciones y su enorme influencia en el panorama actual del gipsy jazz, consiguió una depurada técnica después de quemarse dos dedos de la mano al arder en llamas la caravana en la que vivía.
La influencia de Django es tan grande que hoy día se pueden escuchar muchas de sus canciones interpretadas por muchos músicos. Desde los mejores intérpretes, a músicos de ciudad. Entre éstos se encuentran grandes bandas. Grandes músicos que podréis destripar en cuanto algo de su obra caiga en vuestras manos. La formación más usual la formaban un par de guitarristas, un contrabajista, un violinista y, en algunos casos, un acordeonista y/o un clarinetista.

Django Reinhardt

Guitarrista gitano-belga nacido en Bélgica en 1910. Entre sus obras más destacadas se encuentran Daphne, Djangology, Manoir de Mes Rêves, Minor Swing, Nuages, Souvenirs o Stompin’ at Decca. También se pueden escuchar de sus cuerdas grandes clásicos como Tigre Rag, Sweet Georgia Brown, St. Louis Blues o I Got Rythm.

Stéphane Grappelli

Violinista nacido en París en 1908, el cuál compuso junto a Django Reinhardt sus mejores piezas. Comenzó tocando en teatros y orquestas como violinista y pianista, para más tarde formar parte de la banda de Django, Hot Club of France Quintet. Prosiguió su carrera en solitario tras la muerte de Django colaborando con multitud de intérpretes.

Bireli Lagrene

Guitarrista nacido en Francia en 1966. Este “niño prodigio” de la guitarra consiguió sacar a los 13 años un sonido casi exacto al de Django Reinhardt. Hoy día es uno de los más consolidados guitarristas dentro del Gipsy Jazz. Sus mejores grabaciones se llevaron a cabo con la banda Gipsy Project, con la que versiona los mejores temas de Django.

The Rosenberg Trío

Este trío de tres hermanos liderados por Stochelo Rosenberg [guitarra] es uno de las bandas más influenciadas por Django. En estos momentos están realizando varios trabajos con claras influencias de la música latina y el flamenco. Destacan sus trabajos “Live in Samois” y “Sueños Gitanos”.

Romane

Este guitarrista es de los más personales en cuanto a composiciones. Aunque tiene una clara influencia también de Django, pueden escucharse trabajos en los que no interpreta ninguna pieza de Django [inusual en un álbum de gipsy jazz]. Entre sus trabajos más espectaculares están Ombre y Djangovision.

Tchavolo Schmitt

Este guitarrista de la vieja escuela consigue los mejores ritmos de la guitarra acústica. Entre sus mejores trabajos podemos escuchar “Miri Familia” y la Banda Sonora de la película Swing.

Les Doigts de l´Homme

Una de las mejores bandas actuales. Ritmos frenéticos y composiciones propias con aires árabes, cíngaros, gitanos y toques de jazz. De sus trabajos destaca el álbum “Les doigts de l´Homme”.

Existen muchos otros músicos impresionantes como los guitarristas Angelo Debarre, Samson Schmitt, Dorado Schmitt, Jimmy Rosenberg… -acordeonistas como Richard Galliano, Frédéric Schlick… -los violinistas Florin Nicolescu, Aurélien Trigo -que merece la pena escuchar si se quiere profundizar en el apasionante mundo del gipsy jazz-.

GIPSY JAZZ
Melting Pot
texto por Al Jerome para Upper Egypt Series Zine

Within the existing multitude of musical styles, jazz is in the home to a greater variety and influence on modern music, because of its musical richness and its dissemination in the first half of last century. In modern music, as in almost all eras, many musicians and styles unknown to the general public, and within them is one of the richest in terms of its roots, the gipsy jazz, jazz or manouche gipsy swing. This style owes its origin to the mixing produced by the musicians arrived in Paris and American musicians and Roma gypsies living there during the Second World War.

Formed in the slums and caravans of gypsies, which won one of their names [is Romany or gypsy manouche in French], and during his travels, which are enriched by other cultures such as music and flamenco and the music Arabic.
Among the first musicians belonging to this style must be pointed out in an all, Django Reinhardt, Belgian guitarist gypsy-style music of this pioneer and one of the best guitarists and composers in the history of music.

Django deserves a separate chapter because, in addition to its large membership and its enormous influence on the current scene of gipsy jazz, was a refined technique after burning two fingers into flames on burning the caravan in which he lived.
Django's influence is so great that today you can hear many of his songs performed by many musicians. Since the best singers, musicians in town. These include big bands. Great musicians can gut as some of his works fall into your hands. The most training were a couple of guitarists, a bassist, a violinist, and in some cases, an accordionist and / or a clarinet.

Django Reinhardt

Belgian-born gypsy guitarist in Belgium in 1910. Among its highlights are Daphne Djangology, Manoir de Mes Rêves, Minor Swing, Nuages, Souvenirs or Stompin 'at Decca. You can also listen to their classics like strings Tigre Rag, Sweet Georgia Brown, St. Louis Blues or I Got Rhythm.

Stéphane Grappelli

Violinist born in Paris in 1908, which composed with Django Reinhardt his best pieces. He began playing in theaters and orchestras as a violinist and pianist, later joining the band Django, Hot Club of France Quintet. He continued his solo career after the death of Django working with multiple interpreters.

Bireli Lagrene

Guitarist born in France in 1966. This "child prodigy" of the guitar was 13 years to get an almost exact sound of Django Reinhardt. Today is one of the more established players in the Gipsy Jazz. His best recordings were carried out with the band Gipsy Project, with which version of the best songs Django.

The Rosenberg Trio

This trio of three brothers led by Rosenberg Stochelo [guitar] is one of the bands more influenced by Django. Are currently doing several jobs with clear influences from Latin music and flamenco. Highlight its work "in Samois Live" and "Gypsy Dreams."

Romane

This guitar is the most personal in terms of compositions. Although it has also a clear influence of Django, you can listen to work that does not interpret any part of Django [unusual for a jazz album gipsy]. Among his works are spectacular and Ombre Djangovision.

Tchavolo Schmitt

This guitarist from the old school get the best acoustic guitar rhythms. Among his best works can listen Miri Familia "and the soundtrack of the film Swing.

Les Doigts de l'Homme

One of the best bands of today. Frenetic rhythms and his own compositions with aires Arabs, gypsies, gypsy and jazz touches. Their work highlights the album "Les doigts de l'Homme."

There are many other amazing musicians such as guitarists Angelo Debarre, Samson Schmitt, Dorado Schmitt, Jimmy Rosenberg ... accordion as Richard Galliano, Frédéric Schlick ... violinists Florin Nicolescu, Aurélien Trigo-worth listening to if you want to go deeper into the exciting World of gipsy jazz.

ACIDJAZZ HISPANO / Rare Groove Recording

2009-06-03T07:14:00.000-07:00

RARE GROOVE RECORDING
LA BOSSANOVA DOCUMENTADA
firma invidada: Thabeat para acidjazz hispano

link_raregroovedoc_acidjazzhispano

De todas las recopilaciones de bossa, habidas y por haber, cabe reseñar esta serie de fantásticos volúmenes aparecidos a principios del 2000. Una amplia y acertada selección musical llevada a cabo por un misterioso; Philippe Renault Jr. Editados desde el sello italiano Rare Groove, ayuda a profundizar en el origen y derivación de este movimiento carioca.

RARE GROOVE RECORDING
THE BOSSANOVA DOCUMENTED
texto por Thabeat para acidjazz hispano

link_raregroovedoc_acidjazzhispano

Of all the compilations of bossa, and for having occurred, can review this fantastic series of volumes that appeared in early 2000. A comprehensive and successful musical selection performed by a mysterious, Philippe Renault Jr. Edited from the Italian label Rare Groove, helps deepen the origin and derivation of this movement carioca.

SILUM SOUNDZ / Gasteiz Ghetto Blasters

2009-06-03T05:10:00.000-07:00

SILUM SOUNDZ
Gasteiz Ghetto Blasters

Silum Soundz es un colectivo fundado en Gazteiz y formado por activistas asépticos a las etiquetas. En sus filas encontramos a Ismael Sustraivibez, Beñat, Coda, Cubo, DJ Amsia, DJ Canyn, DJ Moog, DJ Nead, Javi P3z, Lord Sassafras, Tim O´Nellin, Txarly Brown o Txema. Herramientas dedicadas a la cultura de exploración y difusión de nuevos mundos sónicos desde 1995.

Las cabezas libres diluyen todo arte gráfico con las libertades del jazz, del soul, del funk, del reggae, del dub, del house, del hip-hop de sus derivados, y de lo que les salga. Puedes descargarte sus visionarias sesiones en un solo click.

www.silumsoundz.com/

SILUM SOUNDZ
Gasteiz Ghetto Blasters

Silum Soundz is a collective founded in Gazteiz aseptic activists and formed by the labels. In its ranks are to Beñat, Coda, Cube, DJ Amsia, Canyn DJ, DJ Moog, DJ Nead, Ismael Sustraivibez, Javi P3z, Lord Sassafras, Tim O'Nellin, Brown or Txarly Txema. Tools devoted to culture of exploration and dissemination of new sonic worlds since 1995.

Heads free dilute any artwork with the freedoms of jazz, soul, the funk, reggae from dub, house, hip-hop-derived products, and what they leave. You can download their visionary sessions in a single click.

www.silumsoundz.com/

THABEAT / Homemadein

2009-06-03T02:27:00.001-07:00

HOME MADE IN
Hazlo tu mismo
texto y arte por Thabeat

El palo y la piedra. Las armas primitivas desde que originó la humanidad. Sencillo, ¿no? Algunos humanos, ingeniosos y apañados, han ido creando sus propios objetos desafiantes sin más complicaciones. Si tenemos en cuenta que la tipografía es el golpe o huella, HOME MADE IN es el artefacto que cumple con la etimología del propio graffiti; la construcción de nuestro propio marcador para el bombardeo. Reúne la esencia de todo arte bélico. Un recurso popular barato, subterráneo, pernicioso, casero y simple. En definitiva, el ideal.

Ninguna empresa fabrica el producto adecuado en el momento adecuado. Los objetos cotidianos han otorgado todo tipo de facilidades para la elaboración del rotulador artesanal. El soporte, basado desde el clásico pote del carrete de fotos, hasta el desodorante o el pegamento en barra. Recortar el borrador de pizarra de felpa y crear con ello la punta. Cuadrada u oblicua. Tú decides el grosor y su resultado final. Algunos bajos y ahuesados. Otros, con la punta atada, suficientemente ancha y resistente para realizar el máximo trazo posible. Sustituto de la tiza, el Kampfor, el edding 800 o el Kores naranja. Tan antiguo como cualquier tinta de droguería. Válido con laca de bombilla, edding, instamark, tinte Buffalo, o la propia Titan, diluida con alcohol isopropílico. Su apodo muy sonoro entre los escritores. Un elemento de culto, oculto. Los únicos y originales rotuladores. Los emuladores de fábrica no sirven cuando intentas reflejar un concepto bastante olvidado.

HOME MADE IN
Do it yourself
words and arwork by Thabeat

The stick and stone. The weapons that originated from primitive humanity. Simple, huh? Some human, witty and managed, have been creating their own objects challenging without complications. Bearing in mind that the font is stroke or footprint, HOME MADE IN is the engine that complies with the etymology of the graffiti, the construction of our own marker for the bombing. Meets the essence of all art of war. A popular resort cheap, underground, harmful, simple and homely. In short, the ideal.

No company produces the right product at the right time. Everyday objects have given all facilities for the manufacture of handmade felt. Support, based from classic pot spool of photos, up to a deodorant stick or glue. Cut the draft board with this plush and create the tip. Square or oblique. You choose the thickness and the final outcome. Some low-and bone. Others tied with the tip, wide and strong enough to make the maximum possible stroke. Substitute for chalk, Kampfor the Edding 800 or Kores orange. As old as any ink drugstore. Valid with lacquer bulb, Edding, instamark, Buffalo dye, or the Titan, diluted with isopropyl alcohol. His nickname among the writers very sound. One element of worship, hidden. The unique and original markers. The emulators are not used factory when trying to reflect a largely forgotten concept.

SAHARA LIBRE / Víctimas del Olvido

2009-06-02T23:38:00.001-07:00

SAHARAUIS
Víctimas del Olvido
Prólogo coordinado por Thabeat
Texto y fotos por Prada Webmaster (Saharalibre.es) para Upper Egypt Series Zine

Hablar del Sahara Occidental es hablar de traiciones, olvido, tortura, ilegalidad, injusticia, violación de los derechos humanos, represión, secuestro, saqueo, invasión, exilio, genocidio y cualquier otro calificativo que describa la situación actual de un Pueblo olvidado y dividido en dos: Los habitantes saharauis de los Territorios Ocupados y los refugiados de Tinduf. Pero también es hablar de solidaridad, lucha, autodeterminación, pacifismo. Todo depende de quién hablemos.

Si hablamos de Marruecos, España, USA, Francia y algunos otros nos estamos refiriendo a lo primero. Si lo hacemos de la población española, en general, y del movimiento solidario con el Sahara, en particular, estamos hablando de lo segundo. Hablar del futuro del Sahara sólo admite una opción, cumplimiento de las resoluciones de la ONU, lo que implica la celebración de un referéndum en el que una de las opciones a votar sea la autodeterminación. Y autodeterminación es, aquí, sinónimo de independencia. No como nos quieren vender los nuevos doctores de las letras que afirman que puede haber autodeterminación sin independencia.

El futuro de los saharauis pasa porque puedan volver a su tierra. Una tierra libre en la que puedan construir su propio país sin que medie la tutela de una “autonomía democrática” en un país gobernado por una dictadura en forma de corona.

Breve historia (muy breve)

Así es. El Sahara occidental, único país de África pendiente de descolonizar, sufre una ocupación ilegal desde que España se fue deprisa y corriendo, allá por 1975 con un Franco en las últimas, firmando unos acuerdos (los de Madrid) en los que cedía a Marruecos y Mauritania un territorio que no era suyo. Un territorio por el que luchó el recién constituido Frente POLISARIO (Frente para la Liberación de Saguía el Hamra y Río de Oro) y que hoy está reconocido por la ONU como el único y legítimo representante del pueblo Saharaui. Luchó por él hasta tomar la capital mauritana y forzar la rendición de este país que renunció a los territorios que le habían “tocado” en el reparto de Madrid.

El frente abierto con Marruecos era harina de otro costal. Marruecos tenía el apoyo de Francia y USA. Los aviones de fabricación francesa habían bombardeado a la población saharaui con NAPALM y fósforo blanco, mientras huían del territorio en el que entraba a sangre y fuego la “pacífica” Marcha Verde que Hasan II había organizado para ocupar el Sahara durante el dominio español. Los americanos “sólo” ayudaron a construir el Muro. Un muro de más de 2.500 Km que divide el país de norte a sur, hoy llamado “Muro de la Vergüenza”. Vergüenza que le falta a los gobernantes españoles para hacer lo justo, lo que es de ley, lo que dice la sentencia del Tribunal Internacional y un sinfín de resoluciones de la ONU.

Marruecos no se conformó sólo con “su” parte del pastel. Una vez derrotada Mauritania decidió que todo lo que, según los acuerdos de Madrid, pertenecía a Mauritania, también era suyo.
El 27 de Febrero de 1976 el POLISARIO proclama la RASD [República Árabe Saharaui Democrática] en Tifariti, población que se encuentra en los Territorios Liberados.

La guerra con Marruecos siguió hasta septiembre de 1991, fecha en la que el POLISARIO aceptó un alto el fuego bajo auspicios de la ONU que creó la MINURSO (Misión de las Naciones Unidas para el Referéndum del Sahara Occidental). Como su propio nombre indica era la encargada de la celebración de un referéndum aceptado por Marruecos. Referéndum que a fecha de hoy no se ha celebrado a causa de los impedimentos, zancadillas, mentiras e incumplimientos de todo tipo por parte del país ocupante. Baste decir que Marruecos es el segundo país en el mundo que, después del estado de Israel, más resoluciones ONU ha incumplido.

El POLISARIO aceptó ese alto el fuego porque confió en las Naciones Unidas y en la solución propuesta por esta organización. Creyeron que podían confiar en los demás países. Hoy muchos saharauis piensan que se equivocaron. Sólo el tiempo les dará o quitará la razón.

Traiciones

A lo largo de la historia del conflicto España ha mantenido lo que nuestros políticos definen como “neutralidad activa” - siempre he pedido que alguien me explique qué quiere decir esto - hasta la segunda era PSOE en la que el actual gobierno socialista ha traicionado, como ya lo hiciera el de Felipe González con anterioridad, al Pueblo Saharaui apoyando el plan de autonomía de Marruecos. Propuesta que nace muerta y que los saharauis rechazan de plano.

Todavía resuenan las palabras de Felipe González en Tinduf donde prometió a los saharauis estar con ellos hasta la victoria final. Promesa que olvidó inmediatamente después de ganar las elecciones.

Pero con el PP no les ha ido mejor a los saharauis. La postura de este partido fue de “neutralidad activa” (¿¿??!!). Cierto es que las relaciones entre Marruecos y España durante las dos legislaturas de los conservadores fueron tensas, pero tampoco el PP hizo más que otros por los saharauis.

Los gobiernos españoles no han hecho absolutamente nada por resolver el contencioso del Sahara. Si han hecho, por el contrario, aportaciones de ayuda humanitaria a los refugiados de Tinduf, pero tampoco han hecho nada por la población saharaui en los territorios ocupados por Marruecos. No han hecho nada por defender las libertades y el respeto a los derechos humanos. ¿Son las ayudas a los refugiados una forma de acallar su conciencia? – eso en caso de tenerla.
Hace poco hemos tenido que oír de boca de la Sra. D.ª María Teresa Fernández de la Vega, Vicepresidenta del gobierno, la frase, “me consta que en Marruecos se respetan los derechos humanos”. ¡Con un par!

Lástima que a la Sra. Vicepresidenta le lleven la contraria todas las fotos que recibimos desde los Territorios Ocupados, los informes de Amnistía Internacional y de otras ONG’s defensoras de los derechos humanos en el mismo Marruecos.

Refugiados

En el momento de la ocupación por parte de Marruecos, parte de la población saharaui huyó al desierto. Encontraron cobijo en territorio Argelino, en la Hamada, en el desierto del desierto.
Allí construyeron las mujeres saharauis los campamentos donde han pasado los últimos 32 años, donde permanecen olvidados por parte de la mayoría de la gente y de los gobiernos, donde se les ve poco y donde no molestan.

Las mujeres saharauis construyeron en medio del desierto una sociedad igualitaria, escuelas, hospitales, ayuntamientos… un lugar para vivir. Son ellas las que han hecho posible una resistencia que dura más de 32 años. Las que lucharon por sacar adelante a sus familias mientras los hombres luchaban en otro frente, mientras combatían al invasor. Ellos y ellas se han pasado toda la vida luchando por la libertad. Libertad que se les ha negado a lo largo de los años porque los euros y los dólares tienen más valor que la justicia.

En los campamentos residen hoy en día alrededor de 180.000 saharauis que viven de la ayuda internacional y que en estos días son objeto de los ataques con una nueva arma, el hambre, para forzar al POLISARIO a negociar una salida con Marruecos. Una salida que, a tenor de las presiones de unos y otros, se vislumbra más como una claudicación que como una negociación que acabe con el tan prometido referéndum de autodeterminación.

De los campamentos salen cada año los niños saharauis, unos 10.000 en 2007, para pasar el verano con las familias españolas que los acogen en todas las Comunidades Autónomas. No hay ni una sola que no tenga niños saharauis en verano. Allí vuelven, para reunirse con sus familias, cuando el verano se acaba. Allí van las familias españolas a pasar unos días con ellos en el puente de la Purísima y en Semana Santa. Unos días en los que estas familias aprenden, aprendemos, lo dura que es la vida en el desierto y lo hospitalario que es el pueblo saharaui. Nos trata como a hermanos y comparte con nosotros todo lo que tienen y lo que no tienen.

El 100 % de los proyectos solidarios que tienen como objetivo la ayuda al pueblo saharaui van destinados a los campamentos de refugiados de Tinduf. Y no porque no se quiera ayudar a los habitantes de los Territorios Ocupados, que voluntad hay, el problema es que Marruecos no deja que nadie que apoye a este pueblo, de una forma u otra, pueda entrar en el Sahara occidental.

SAHARAUIS
Forgotten Victims
coordinated by Thabeat
words and photos by Prada Webmaster (Saharalibre.es) for Upper Egypt Series Zine

Speaking of the Western Sahara is speaking of betrayal, neglect, torture, lawlessness, injustice, violation of human rights, repression, kidnapping, plunder, invasion, exile, genocide and any other adjective to describe the current situation of a forgotten people, divided into Two: The Saharawi people in the Occupied Territories and refugees in Tindouf.

But it is also talk of solidarity, struggle, self-pacifism. It all depends on who is talking. Speaking of Morocco, Spain, USA, France and some others we are referring to the former. If we do the Spanish population in general and of the solidarity movement with the Sahara, in particular, we are talking about the latter. Discussing the future of the Sahara only supports one option, compliance with UN resolutions, which involves the holding of a referendum in which one option is to vote on self determination. And self is here synonymous with independence. Not like we want to sell the new letters from doctors who say that there can be no self-independence.

The future is because of Saharans can return to their land. A free land where they can build their own country without the supervision of a "democratic autonomy" in a country ruled by a dictatorship in the form of crown.

short story (very short)

Yeah. Western Sahara, the only country in Africa to be decolonized, suffers from an illegal occupation that Spain was to rush back in 1975 with a Franco in the past, signing agreements (those in Madrid) where assigned to Morocco and mauritania a territory that was not hers. A land which fought for the newly formed Frente Polisario (Front for the Liberation of Saguia el Hamra and Rio de Oro) and today is recognized by the UN as the sole and legitimate representative of the Sahrawi people. Fought for him to take the Mauritanian capital, and force the surrender of this country who gave up the territories that he had "touched" in the allocation of Madrid.

The open front with Morocco was another matter altogether. Morocco had the support of France and USA. The aircraft had bombed a French manufacturing the Sahrawi people with napalm and white phosphorus, while fleeing the territory into which to fire the blood and "peaceful" Green March that Hasan II had arranged to hold the Sahara during the Spanish domination. The Americans "only" helped build the Wall. A wall of more than 2,500 km, which divides the country from north to south, now called the "Wall of Shame." Shame it lacks the Spanish government to do the right thing, which is law, which says the ruling by the International Tribunal and a host of UN resolutions.

Morocco is not formed only with "their" part of the pie. Once defeated Mauritania decided that everything, according to the Madrid agreements, belonged to Mauritania, was also his.
On 27 February 1976 the Polisario proclaimed the SADR [Saharawi Arab Democratic Republic] in Tifariti, people in the liberated territories.

War with Morocco continued until September 1991, the date on which the Polisario accepted a ceasefire under the auspices of the UN that created the MINURSO (United Nations Mission for the Referendum in Western Sahara). As its name suggests was in charge of holding a referendum accepted by Morocco. Referendum to date has not been concluded because of the obstacles, tripping, lies and failures of any kind by the occupying country. Suffice it to say that Morocco is the second country in the world, after the state of Israel, more UN resolutions have failed.
The Polisario accepted the ceasefire because it relied on the United Nations and the solution proposed by this organization. They believed they could rely on other countries. Today, many believe it mistaken Saharans. Only time will give them away or the reason.

Betrayals

Throughout the history of the conflict which Spain has maintained our politicians as "active neutrality" - I have always asked someone to explain what I mean - until the second was the PSOE that the current socialist government has betrayed as as did the earlier of Felipe González, the Saharawi people to support the Moroccan autonomy plan. Proposal that was born dead and that Saharans dismissed.

Still echo the words of Felipe González in Tindouf where Saharans promised to be with them until the final victory. Forgot that promise immediately after winning the elections.
But the PP has not been better Saharans. The position of this party was "active neutrality" (¿¿??!!). True, relations between Morocco and Spain during the two terms of the conservatives were tense, but neither did the PP than others Saharans.

Spanish governments have done absolutely nothing to resolve the dispute in the Sahara. If you have, by contrast, contributions of humanitarian aid to refugees in Tindouf, but have not done anything to the Saharawi population in the territories occupied by Morocco. They have not done anything to defend the freedoms and respect for human rights. Is aid to refugees in a silence his conscience? - That if you have.

We recently had to hear from the mouths of Ms Maria Teresa Fernandez de la Vega, vice president of government, the phrase, "I know that in Morocco to respect human rights." With a pair!

Too bad that Mrs. Vice is the opposite take all the photos we received from the Occupied Territories, reports from Amnesty International and other NGOs defending human rights in Morocco itself.

Refugees

At the time of occupation by Morocco, part of the Sahrawi people fled to the desert. They found shelter in Algerian territory in the Hamada desert in the desert.

There he built the Saharawi camps where women have spent the last 32 years, where they are forgotten by most of the people and governments where they are and where there is little bother.

Saharan women built in the desert an egalitarian society, schools, hospitals, town halls ... a place to live. They are the ones who made it possible resistance that lasts more than 32 years. Those who fought to bring forward their families while the men fought on another front, while fighting the invader. Them and they have spent a lifetime fighting for freedom. Freedom they have been denied over the years because the euro and the dollar has more value than justice.

Residing in the camps today, about 180,000 Saharawi living on international aid and that these days are targeted with a new weapon, the hungry, to force the Polisario to negotiate a solution with Morocco. Output that, under pressure from all sides, is seen more like a capitulation than a negotiation to end the much-promised referendum on self determination.

Leave the camps each year Sahrawi children, about 10,000 in 2007 to spend the summer with Spanish families that receive them in all the Autonomous Communities. There is not one that has no children Saharans summer. Here again, to reunite with their families, when the summer is over. There are Spanish families to spend some days with them on the bridge of the Immaculate and Holy Week. Some days you learn these families, we learn, the hard life is in the desert and the hospital is the Saharawi people. We were treated like brothers and share with us everything they have and have-nots.

100% of the solidarity projects that aim to help the Saharawi people go to the refugee camps of Tindouf. And not because they want to help the inhabitants of the Occupied Territories, which will exist, the problem is that Morocco does not allow anyone to support this town in one form or another, to enter into the Western Sahara.

PODE ROCKS / El Anonimato

2009-06-02T23:27:00.000-07:00

MEL SEMÉ
El Anonimato
texto por Pode Rocks para Upper Egypt Series Zine

No importa que no le conozcas. Está ahí fuera. Están ahí fuera. El anonimato, algo que dentro de muy poco va a desaparecer con tanta información al alcance de cualquier persona en conexión, refuerza al que lo sufre. La poética del hombre olvidado es muy antigua pero aún quedan muchas personas ejerciéndola y huyendo de ella, porque incluso para los que aprecian esta soledad, ser parte del escaparate es el principal objetivo. Mel Semé, un músico que podría ser el centro de cualquier corrillo erudito musical, se descubre en cada jam session que dirige, en los conciertos de su banda Radio Malanga y en este pequeño artículo sobre su vida.

No pretendo ser el descubridor de nadie. Él se descubre así mismo cada vez que te enseña su música. La música es suya y lo ha sido desde siempre: Crecí en un familia musical. Mi padre era muy religioso, como mi madre, de hecho se conocieron en el coro de una iglesia de Santiago de Cuba donde mi abuela tocaba el piano. La música estaba muy vinculada a la vida religiosa que ellos llevaban. Luego se mudaron a Camagüey donde siguieron combinando sus ideales espirituales con la música. Yo fui su doceavo hijo y desde que era muy pequeño participé musicalmente en todo lo que se me ofrecía. Entre semana, cuando había menos gente y faltaban algunos músicos, yo aprovechaba para practicar. Aunque el momento que recuerdo más especial fue cuando compraron una batería, me volví loco. Eso fue a los 8 años. A los 9 ya estaba en la Escuela Vocacional de Arte, un lugar donde se descubría la capacidad musical de los niños." La espiritualidad está ahí. Sun Ra era tan espiritual que llegó a conectar con los extraterrestres, como Mix Master Mike. Pero Mel no es tan famoso como ellos. Pero sí alcanza la erudición con sus instrumentos. Quizás el dominio de un instrumento cree capacitar al músico de poderes sobrenaturales, el poder dominar algo de esta manera puede llevar a la levitación. Aunque en el caso de Mel esta espiritualidad y prestidigitación musical creo que no le ha llevado a levantar los pies de este suelo. Su vida es un paso tras otro, no hay un nacimiento divino ni existe ninguna varita mágica con súper-poderes. El hombre se hace.

Herbie

Después llegué a la Universidad. Allí descubrí las figuras más importantes del jazz y también las continuas visitas de grandes músicos me permitieron disfrutar de un intercambio que me hizo crecer como músico. George Benson, Steve Coleman,Steward Copland y Herbie Hancock. Su áurea invadía el lugar incluso antes de que empezara a tocar. Por la mañana estuvo comiendo con los directores de la escuela, pero luego estuvo paseando por allí. Yo estaba sentado en un banco, cuando él se paró y se sentó a mi lado a conversar. Dada mi situación, adolescente y cubano, aquello se amplificó y en seguida me sentí invadido por la emoción y con las ganas de compartir algún momento con el maestro. Después de todo mi aprendizaje, la academia pasaba a un segundo plano. Las normas para un músico son muy importantes, pero como siempre hay que romper esas reglas para conseguir algo. Mel era un académico, no un beatmaker cualquiera que samplea lo primero que le parece bien. La ingenuidad de una persona sin conocimiento le hace aventurarse en experimentos que muchas veces tienen gran resultado. Bueno, a veces eso no da no tan buen resultado. Esa inocencia para alguien que conoce el tema es difícil de conseguir, pero el señor de los Headhunters estuvo allí para remarcar la importancia del sentimiento, de la expresión por sí misma: Las notas por sí solas no se tocan. Lo más importante de todo es saber vivir, me dijo Herbie Hancock. La música es un reflejo de la vida. La técnica es importante, pero lo más importante es tener todos los sentidos abiertos a lo que ocurre a nuestro alrededor. Después de esto le comento una cosa: si yo aparezco con un beat que está compuesto por una línea melódica de Coltrane y un bajo y una batería de Hancock, ¿Cuál es su reacción? Yo lo disfruto igual. Si camina y tiene groove lo disfruto igual. Yo creo que samplear tiene mucho mérito, de hecho un gran compositor como Igor Stravinsky comentaba: los compositores con talento toman prestado. Los geniales roban. Hablamos del cut n´ paste, de Shadow y de la importancia del resultado.

Movimiento y espíritu

Ahora Mel vive en la montaña rodeado de una comunidad de artistas y "protegido" por su hija y su pareja Sol. La mejor respuesta contra algo que no nos gusta es reaccionar, crear algo, proponer otro camino. Babylon molesta y por eso Fela Kuti creó su propio estado, con puntos muy discutibles, éticamente hablando. Mel también quiere vivir mejor y después de viajar por todo el mundo se asienta en esta parcela a intentar renovar positivamente las normas sociales. Bueno, quizás sólo a vivir bien y punto. De eso se trata. Después de éxodo ancestral y nomadismo vital llega la calma, aunque no sabría cualificar los movimientos, quiero pensar que las tempestades que provocan las migraciones sólo generan buenas energías a los que las practican. La comunidad se ha encontrado conmigo, yo no la he creado. En este momento de mi vida es perfecto, no sé cuánto tiempo estaré aquí. Hablamos sobre su espiritualidad, en su música y en su vida. Hacer música es un mensaje. Te conecta directamente con lo eterno, las esencias. Es algo que no puedo evitar, aunque mi punto de vista sobre la religión se ha abierto. Yo en la música, me dejo llevar. Hay una intuición, algo que todos tenemos y que debemos buscar. Estoy intentando familiarizarme con esta intuición. Esto también lo aplico en las relaciones personales. Quiero hablar el mismo idioma, siempre lo siento, aunque a veces se esconde.

Freestyle

Es muy interesante observar cómo Mel gestiona sus jams en Chaise Lounge. Siendo músico se podría intuir mucha más complicación en estas fiestas y, sobretodo; por el número de personas que aparecen en el local para demostrar sus habilidades. Pero es un gran conciliador y maneja el ambiente de manera perfecta. Gestos, miradas, pocas palabras. Sólo esto basta para que todo funciones bien y, también, que el respeto esté siempre bien presente. Desde que las organizo, han tomado muchas formas. Ahora las encuentro mucho más maduras. Lo hacemos con otro músico, un teclista, Tom. Hay algunas jams que quieren alcanzar determinadas elites eruditas o estilísticas. El camino nuestro es buen rollo, fiesta, intercambio,... y la gente se lo pasa muy bien y eso me hace muy feliz. Soy un moderador, simplemente. Suelen ser un caos, pero intento poner un poco de orden, equilibrar. Siempre lo hago de la manera más amable. La amabilidad genera amabilidad.

Ahora Mel, entre estos proyectos, también se encuentra descubriendo la música reggae con la banda Black Gandhi. No se puede parar nunca. Aún teniendo este poderoso y anónimo currículum hay que seguir buscando, porque a veces uno se encuentra con estos grandes personajes. No es ningún nombre propio, no se encuentra en ningún fascículo de nuestra enciclopedia musical pero podría ser un lunático Sun Ra, un atrevido Hancock o un socialmente implicado Fela Kuti. Mel Semé.

MEL SEMÉ
The Anonymous
words by Pode Rocks for Upper Egypt Series Zine

No matter what you do not know. It's out there. Are out there. The anonymity, which very soon will disappear, with much information available to anyone online, it strengthens the sufferer. The poetics of the forgotten man is very old but there are still many people exercising and running away from her, because even for those who appreciate the solitude, being part of the window is the main objective. Mel Seme, a musician who could be the center of any circle musical savant, is discovered at every jam session that runs in his concerts and banda Radio Malanga in this small article about his life.

Do not pretend to be discovered by anyone. He also discovers that every time you show your music. The music is yours and has always been: I grew up in a musical family. My father was very religious, like my mother, in fact they met in the choir of a church in Santiago de Cuba where my grandmother played the piano. The music was closely linked to the religious life they led. Then they moved to Camaguey where he continued to combine their spiritual ideals with music. I was the twelfth child and since I was a very small part musically in whatever is offered me. Weekdays, when fewer people were missing and some musicians, I used to practicing. Although the most special moment I remember was when I bought a battery, I went crazy. That was for 8 years. At 9 he was in the Vocational School of Art, a place where they discovered the musical ability of children. "Spirituality is there. Sun Ra was so spiritual that came to connect with extraterrestrials, as Mix Master Mike. But Mel is not as famous as them. But it is scholarship with their instruments. Perhaps the domain of a musician cree train supernatural powers, the power to master something like this can lead to levitation. While in the case of the Mel spirituality and musical prestidigitation not think that has led him to lift the foot of this soil. His life is one step after another, there is a divine birth, nor is there any magic wand with super-powers. The man is done.

Herbie

After I came to the University. There I discovered the most important figures in jazz and the continued visits of great musicians allowed me to enjoy an exchange that made me grow as a musician. George Benson, Steve Coleman, Herbie Hancock and Steward Copland. His aura filled the room even before it started playing. In the morning he was eating with the heads of school, but then he was walking through there. I was sitting on a bench, when he stopped and sat down beside me to talk. Given my situation, and Cuban teenager, that was amplified and then I felt overwhelmed by emotion and desire to share some time with the teacher. After all my learning, the academy passed a background. The rules for a musician is very important, but as always there are those who break rules to get something. Mel was an academic, not a beatmaker any sampling that the first thing you feel good. The innocence of a person without knowledge makes venturing into experiments that often have great results. Well, sometimes it does not not so good result. That innocence for someone who knows the subject is difficult to achieve, but the Lord of the Headhunters was there to emphasize the importance of the sense of the term itself: The notes alone are not touching. Most important of all is knowing how to live, I told Herbie Hancock. The music is a reflection of life. The technique is important, but more important is to have all your senses open to what happens around us. After this he said one thing: if I was a beat that is composed of a melodic line of Coltrane and a low battery and Hancock, What is your reaction? I enjoy it equally. If you walk and enjoy the same groove. I think that sample has much merit, in fact as a great composer Igor Stravinsky said: talented composers borrow. The great steal. We speak of the cut n 'paste, Shadow and the importance of the result.

Movement and spirit

Mel now lives in the mountain surrounded by a community of artists and "protected" by his daughter and his partner Sol The best response to something we do not like is to react, create something, to propose another way. Babylon and that bothers Fela Kuti created their own state, with a highly debatable point, ethically speaking. Mel also wants to live better and after traveling around the world is built on this plot to try and renew positive social norms. Well, maybe just to live, period. That's it. After exodus of ancient nomadic life and it's quiet, but skilled movements not know, I think that the storms that cause the migration energy only leads to good practice. The community has found me, I've not created. At this point in my life is perfect, I do not know how long I am staying here. We talked about his spirituality in his music and his life. Making music is a message. Connects you directly to the eternal, the essence. It is something that I can not help, although my views on religion has been opened. I was in music, let me go. There is an intuition, something that we all have and that we should seek. I'm trying to get familiar with this intuition. This also applies in personal relationships. I speak the same language, always sorry, but sometimes hides.

Freestyle

It's very interesting to see how Mel manages their jams at Chaise Lounge. Being a musician is much more complicated could imagine in these festivals and, above all, by the number of people in the room to demonstrate their skills. But it is a great conciliator, and manages the environment perfectly. Gestures, glances, a few words. This alone is enough to make everything work well and also the respect that is always present. Since the organizations have taken many forms. Now I do find a lot more mature. We do this with another musician, a keyboardist, Tom. There are some jams they want to achieve certain academic elites or stylistic. The way we roll is good, party, swap, ... and people are going so well and that makes me very happy. I am a moderator, simply. Often chaotic, but attempt to bring some order to balance. I always do the kindest way. Generates kindness kindness.

Now Mel, among these projects is also discovering music with reggae banda Black Gandhi. You can not ever stop. While taking this powerful and anonymous curriculum must continue looking, because sometimes one is faced with these great characters. It is no proper name, is not in any part of our musical encyclopedia but could be a lunatic Sun Ra, a daring Hancock, or a socially involved Fela Kuti. Mel Seme.

ALBERTO FERNÁNDEZ / Gibson L6-S

2009-06-02T23:18:00.000-07:00

GIBSON L6-S
Una Guitarra de reggae
texto por Alberto Fernández (L.A. - California) para Upper Egypt Series Zine

La siguiente es una historia personal acerca de la experiencia vivida con un tipo de guitarra, que, a pesar de pertenecer a una marca muy famosa y popular, ha sido una de las mas desapreciadas durante la mayor parte de su existencia, su nombre es: Gibson, y el modelo es: L6-S. Ante todo quiero expresar que este escrito no intenta hacer propaganda ninguna a Gibson o a ningún otro fabricante de instrumentos que pueda ser nombrado... es simplemente una experiencia personal. Mi primer encuentro con la Gibson "L6-S" fue al principio de los ochenta, en Caracas. Un alumno que yo tenia, había comprado una, estando de visita a California. Ya en ese momento me di cuenta que podía servir para guitarra rítmica de Reggae. Básicamente tiene la capacidad de cortar a través de ese rango de frecuencia musical con mucha fuerza y claridad. Con un buen reverb suena como un abismo, como un gran grito rebelde, se pueden oír los harmónicos, realmente impresionante. Después de mucho tiempo comprando y vendiendo guitarras, aprendí como suenan, sus diferencias, características y como muchas cosas influyen en el sonido, diferentes marcas, etc. Siempre en la búsqueda de ese sonido, a mediados de los noventa, decidí que tenia que encontrar una de esas L6-S si quería estar totalmente satisfecho. Hasta el momento nunca había comprado una guitarra usada, y la que buscaba tenia ya tiempo de construida. [Estuvo en producción desde 1973 hasta 1978]. Desde esa fecha, he tenido varias L6-S, en este momento tengo una sola, esta como nueva y es igual que la de un famoso guitarrista de Reggae de Jamaica llamado Eric"Bingy Bunny"Lamont. [Lamentablemente fallecido en 1993, a causa de un cáncer en la próstata, detectado muy tarde]. Cantante y guitarrista con una carrera excepcional, conocido internacionalmente como parte del grupo Roots Radics Band, quien hizo el back para decenas de artistas y fue la banda mas influyente e importante durante los ochenta.

Bingy Bunny

Fue una sorpresa ver que "Bingy Bunny" estaba tocando esa guitarra, y la primera vez que lo vi fue en 1986 junto con "Bunny Wailer", en ese momento no se que pensé, probablemente que nunca podría yo encontrar una guitarra así, o algo por el estilo. Mi interés por la "L6-S" comenzó un poco mas tarde como mencioné anteriormente. Muy importante también es todo lo que descubrí haciendo la investigación de lo que había detrás de la Gibson "L6-S". Antes quiero decir que hubo otros varios guitarristas de Jamaica que han usado la "L6-S", como "Bo Pee Bowen" y también el guitarrista Roger Lewis de la banda "Inner Circle" entre otros. Averigüé quien había hecho la guitarra en Gibson, y había sido un proyecto de un guitarrista e ingeniero en electrónica alemana muy conocido llamado Bill Lawrence, quien tenia gran experiencia en el arte desde los comienzos de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido, y Gibson lo había contratado para hacer algo para competir mas en sonido con Fender, que era la marca mas popular en el comienzo de los setenta.

Bill Lawrence

La configuración electrónica de esta guitarra esta completamente aparte de lo tradicional y acostumbrado. Tiene un switch "Cabeza de Gallina" de seis posiciones en las que se logran sonidos de diferentes marcas y modelos de guitarras, que era el propósito original. [La posición para Reggae es la # 3]. Comercialmente, esa fue la falla. El publico acostumbrado a la forma tradicional de seleccionar sonidos, tendió a "No Entender" a la guitarra. Como consecuencia, tiene a mi juicio, el Record Guinnes de guitarras que han sido modificadas electrónicamente, y por ende su popularidad declino notablemente. Mucha gente ha modificado la electrónica de la guitarra a la tradicional combinación entre pastillas [pickups]. La guitarra sigue sonando bien pero deja de ser una "L6-S".
La "L6-S" estuvo apoyada en los afiches y comerciales de Gibson en revistas de guitarras [e inclusive entrevistas] por Carlos Santana en varias oportunidades a mediados de los setenta y por Al DiMeola en 1977.
Ahora mismo se puede ver a Keith Richards tocando una "L6-S" con los Rolling Stones en 1976 en el video de "Crazy Mama" en el sitio cyber de videos Youtube. [Rolling Stones- Crazy Mama 1976]. La época más popular de la Gibson "L6-S" fue en 1974.
De allí fue decayendo de mas de 5.000 que salieron en 1974 hasta menos de 1.500 que salieron en 1978, fin de la producción.
Asimismo quiero transmitir que como resultado de mi investigación he tenido la oportunidad y el placer de conocer personalmente a "Bill Lawrence y a su esposa Becky" desde mediados de los noventa, inventor de la guitarra como mencione anteriormente.
Actualmente Bill y Becky trabajan juntos en su fábrica de pastillas [pickups] para guitarras en Corona, California. "Bill Lawrence Designs" [www.billlawrence.com]. Yo simplemente quiero ayudar a continuar con la tradición, y difundir lo que conozco a manera de enriquecimiento cultural. Este es mi tributo. El trabajo de "Bingy Bunny" con "Roots Radics" puede ser apreciado en toda la música hecha a mediados de los setenta en el estudio "Channel One" de Jamaica, con "Sugar Minott", "Barrington Levy", "Gregory Isaacs", "Scientist", "Lynval Thompson" y muchos mas. Esa fue la guitarra favorita de "Bingy Bunny" y de buena fuente se que fue enterrada junto con el.

La "L6-S" es un instrumento versátil, con el que se puede tocar cualquier clase de música, y todavía se puede conseguir en los mercados de Internet. Como muchos instrumentos en los setenta, la "L6-S" fue "Copiada" por fabricantes japoneses como Ibanez, Ventura, etc. Algunas de esas copias fueron de tanta calidad como las originales.

GIBSON L6-S
Una Guitarra de reggae
texto por Alberto Fernández (L.A. - California) para Upper Egypt Series Zine

The following is a personal story about the experience with a type of guitar, which in spite of belonging to a very famous and popular brand, has been one of the most disappeared for most of its existence, its name is: Gibson, and the model is: L6-S. Let me say that this paper does not attempt to propagandize any Gibson or any other manufacturer of instruments that can be named ... is simply a personal experience. My first encounter with the Gibson "L6-S was at the beginning of the eighties, in Caracas. I had a student who had bought one, while visiting California. And then I realized that it could serve to reggae rhythm guitar. Basically has the ability to cut through the frequency range of music with great force and clarity. With a good reverb sound like an abyss, as a great rebel cry, you can hear the harmonics, really impressive. After much time buying and selling guitars, learned as they sound, their differences, and features many things affect the sound, different brands, etc.. Always looking for that sound in the mid-nineties, I decided I had to find one of these L6-S if he wanted to be completely satisfied. So far he had never bought a guitar used, and which had long sought to build. [He was in production from 1973 to 1978]. Since that time, I had several L6-S, at this moment I have one, as this is new, like that of a famous guitarist Eric Reggae from Jamaica called "Bingy Bunny" Lamont. [Unfortunately died in 1993 due to a prostate cancer, detected too late]. Singer and guitarist with an outstanding career, known internationally as part of the Roots Radics Band, who came back to the dozens of artists and was the most influential and important band during the eighties.

Bingy Bunny

It was a surprise to see that "Bingy Bunny" was playing the guitar, and the first time I saw him was in 1986 along with "Bunny Wailer", then it is not thought likely that I could never find a guitar case, or something. My interest in the L6-S "started a little later as I mentioned earlier. Very important also is doing all that research I discovered what was behind the Gibson "L6-S." Before I say that there were several other guitarists in Jamaica who have used the L6-S "as" Bo Pee Bowen "and guitarist Roger Lewis of the band" Inner Circle "and others. Find out who made the Gibson guitar and was a project engineer in an electronic guitarist and well known German named Bill Lawrence, who had extensive experience in art from the beginnings of the solid body electric guitar, and Gibson had hired to do something to compete more in tone with Fender, the brand was more popular in the early seventies.

Bill Lawrence

The electron configuration of this guitar is completely separate from the traditional and customary. Switch has a "Chicken Head" of the six positions that are brought sounds of different brands and models of guitars, which was the original purpose. [The position is for Reggae # 3]. Commercially, this was the fault. The public used to the traditional way of selecting sounds, tended to "Not Understand" the guitar. As a result, has in my opinion, the Guinness Record of guitars that have been electronically altered, and thus their popularity declined dramatically. Many people have changed the electronics of the guitar to the traditional combination pills [pickups]. The guitar is still playing well but is no longer a "L6-S."
The L6-S "was supported by posters and trade journals Gibson guitars [including interviews] by Carlos Santana on several occasions in the mid-seventies and in 1977 by Al DiMeola.
Now you can see Keith Richards playing a "L6-S" with the Rolling Stones in 1976 in the video for "Crazy Mama" in the cyber video site Youtube. [Rolling Stones Crazy Mama-1976]. The most popular era of the Gibson "L6-S" was in 1974.
There was decline of more than 5,000 who left in 1974 to fewer than 1,500 left in 1978, end of production.
I also want to convey that as a result of my research I have had the opportunity and pleasure of knowing a "Bill Lawrence and his wife Becky since the mid nineties, the inventor of the guitar as mentioned above.
Currently Bill and Becky work together in their factory pill [pickups] for guitars in Corona, California. "Bill Lawrence Designs [www.billlawrence.com]. I just want to help continue the tradition, and spread what I know as a cultural enrichment. This is my tribute. The work of "Bingy Bunny" with "Roots Radics" can be enjoyed in all music made in the mid-seventies in "Channel One" in Jamaica, with "Sugar Minott, Barrington Levy, Gregory Isaacs" "Scientist", "Lynval Thompson and many more. That was the favorite guitar of "Bingy Bunny" and a good source that was buried along with him.

The L6-S is a versatile tool, which can play any kind of music, and is still available in the Internet market. Like many tools in the seventies, the L6-S was "copied" by Japanese manufacturers such as Ibanez, Ventura, etc. Some of these copies were of such quality as the originals.